noviembre 2012

‘Los Miserables’, emotivo tráiler internacional

Existen tantas versiones de la obra de Víctor Hugo, que una duda del valor que pueda tener una nueva interpretación de tan legendaria novela.

Es cierto que hasta el momento no tengo razones para dudar, ya que tanto la campaña publicitaria que ha acertado con tráilers y carteles llamativos, un elenco de primera y un director afamado por hacer lo que se consideraba imposible con ‘El Discurso del Rey’; no te permiten pensar en el fracaso. Todo apunta a ser un acierto en la temporada de premios, pero ¿qué tan grande será el éxito? Es lo que está por verse.

Hasta ahora los únicos signos de alarma se encuentran en la potencia de las voces de los actores.  Uno que es inexperto en el musical podrá ignorarlo. La situación se complica cuando uno asiste a la ayuda de You Tube y empieza a conocer del talento vocal, incluyendo Susan Boyle, es donde hay que reconocer que Hugh Jackman, Russell Crowe y Anne Hathaway se encuentran algo limitados. Pero esta es una batalla por distanciarse de un gran legado de adaptaciones, por lo que no dudo que sus actuaciones serán las que logren compensar,  siendo tan emotivas como lo visto en el tráiler.

Mientras que la película se estrena en Estados Unidos en Navidad, justo para entrar a la competencia de premios. Como es típico, el estreno en México será en un par de meses después: 14 de febrero, 2013.

‘Ralph: El demoledor’, emotiva y maravillosa aventura del corazón

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Creo que a pesar de mis casi 23 años de edad, este mes es el bueno, Disney ha influido en mi vida personal para bien y para mal, y en materia de cine se podría decir exactamente lo mismo. La fabrica de los sueños, como se le conocía al entrañable ratón, ha tenido infinidad de clásicos fílmicos que aún a día de hoy no envejecen ni mucho menos pasan al olvido, sino que sirven de plataforma nostálgica para las nuevas generaciones, sumergidas en una era digital. Era evidente que Disney tenía que ir poco a poco renovándose para no quedarse atrás, y pese a que filmes como Bolt, La princesa y el sapo o Enredados, no tuvieron la magia completa, hay muchas irregularidades, que caracteriza a Disney, fueron dignos trabajos que cumplieron en su justa medida para lo que fueron creados.

Ralph: El demoledor supone el filme numero 52 en toda la franquicia de Disney, algo brutal si tenemos en cuenta la dificultad titánica que conlleva realizar una cinta animada. Y si la historia esta sustentada en los videojuegos de antaño, llamese Arcade o juegos de 8 bytes, el reto es aún más grande. Afortunadamente Disney sale airoso y nos entrega uno de sus mejores trabajos hasta la fecha, indiscutiblemente la mejor cinta animada en lo que va del año y seria contendiente a alzarse con el Oscar el próximo año. Y es que Ralph: El demoledor pese a tener un apartado visual impresionante y secuencias de acción y aventura formidables, recae todo su peso dramático y emotivo a sus entrañables protagonistas, los cuales son el alma de toda la película. Por mucho.

Ralph-y-Felix

Resulta curioso que le dejasen el peso de un proyecto tan arriesgado y sumamente complicado a un director como Rich Moore, quien generalmente ha trabajado en la televisión en series como Los Simpsons. Habiendo visto el trabajo finalizado no me queda más aplaudir la designación de Moore y ojala le den más oportunidades a futuro, bien se lo merece. Y es que Moore pudo haber caído fácilmente en el sentimentalismo barato y en el melodrama hartante, pero sale airoso, aunque por momentos logra rozar el punto negro. Se muy bien que Ralph esta destinada a un público mayormente infantil, y juvenil, por ello no es de reprochársele sus altibajos, son pocos, en cuanto a la evolución de la trama en si y en ciertas secuencias en las cuales los protagonistas pueden llegar a perder un peso significativo en la historia. Nada grave tampoco.

La historia que nos cuenta Disney es muy hermosa y altamente plagada de emociones y sentimientos que te tocarán el corazón. Ralph es un villano de videojuegos, lo ha sido por décadas, y por décadas le ha tocado ser discriminado por los demás personajes de videojuegos como un patito feo, un villano. Mientras que Ralph observa como los «héroes» y «buenos» siempre son premiados y remarcados, dentro de su corazón solo queda la esperanza de algún día ser aceptado por los demás y formar parte del clan de los «buenos». Por azares del destino que el propio Ralph forja, este mismo se verá inmerso en divertidas y peligrosas aventuras para poder probar que él no es solo un simple villano, sino que también puede ser un héroe. Así se cruza en su camino con la pequeña Vanellope, piloto de carreras de un juego llamado Sugar Rush. Ambos, Ralph y Vanellope, deberán unir fuerzas para hacer frente a un enemigo mucho más poderoso de lo que antes se han enfrentado: El rechazo.

Hero's-Duty

La postura de Moore es muy clara, y de Disney igual: los malos no son malos, en realidad son muy buenos. Moore nos plantea que esos pequeños defectos, como en el caso de Vanellope, la cual tiene una falla interna que le imposibilita manejar y correr un auto, son en realidad virtudes que los harán crecer como individuos. Ralph encontrara en la pequeña corredora todo lo que ha ansiado, y Vanellope encontrara en el grande y enojón Ralph al héroe que ella necesita. Es una historia de amistad, fortaleza y amor que logra crecer poco a poco debido al acertado ritmo que lleva la película. Una identificación asombrosa con los protagonistas y un cariño y simpatía evidente hacia cada obstáculo que se les depare. El tramo final es un orgasmo de placer para los aficionados a los videojuegos, que estoy seguro disfrutaran en demasía. Narrativamente es satisfactoria, sin ir más allá ni arriesgarse tampoco, pero logra contarnos una historia «humana» que trasciende por la emotividad que el despliegue audiovisual potencializa.

Ralph: El demoledor es una maravillosa y hermosa película infantil que toda la familia podrá disfrutar una y otra vez. Si bien el doblaje no es del todo acertado, no repercute de manera negativa a la cinta. Para los que estén buscando pasar un rato agradable, reír, llorar y divertirse como niños pequeños, está es su película. De lo mejor que nos ha llegado a las salas de cine, al menos en el formato animado. Un aplauso para Disney, pues ha recuperado la magia que hacía tiempo no podía demostrar. Mención aparte para el cortometraje que antecede a la película, titulado Paperman. Una joya.

Vanellope

 

Las Mejores Secuencias del Cine: Parte 5

Ya han transcurrido algunas semanas que no continuábamos este serial que invita a añorar las mejores secuencias que nos ofrece el cine. Algunas más conocidas que otras, pero eso no quiere decir que hayan dejado de estar presentes en la mente del público.

Debo de aclarar que la mayoría de las secuencias que llevamos al momento, corresponden al desenlace de la película. Lo menciono porque en casa especial se esta haciendo más presente. Tampoco es de extrañarse al ser por lo general la parte en donde muchas veces se determina el valor de la cinta.

En consideración a un comentario tan emotivo, les advierto que existen spoilers.

Así que sin más demora, continuamos con otras cinco secuencias que estoy seguro que serán de su agrado.

Akira. Katsuhiro Otomo,  1988

Akira

 

La transformación de Tetsuo

Es el logro monumental de la animación japonesa. Es la coronación al esfuerzo colectivo de artistas, inversionistas y estudios de animación que decidieron trascender de sus producciones acartonadas, a una industria reconocida a nivel mundial. Su legado es incalculable al ser fuente de inspiración del anime que ahora goza de fama alrededor del mundo.

Ni su temática pesimista o sentido liberal de mostrar la violencia evitan que reciba elogios por parte de la crítica y del público en general. No sólo lleva a nuevas alturas el género de la animación, si no que abre posibilidades a contar  historias muy lejos de la exclusividad del público infantil y restricciones que tenía el cine para crear las más excéntricas ideas que un escritor es capaz de crear.

Quizás la secuencia por la que es más conocida este filme es por la transformación de Tetsuo: un joven incapaz de controlar sus nuevos poderes mentales, a tal grado que es transformarlo en una grotesca criatura. El impacto que provoca esta escena va más allá de lo visceral,  porque es una soberbia secuencia en donde demuestra el poder de la animación y el talento de verdaderos artistas.

Por estas sencillas razones se ha vuelto un clásico del cine y un pilar del anime japonés.

 

Los Olvidados, Luis Buñuel, 1950

Los Olvidados

El desenlace

La mundialmente reconocida cinta del maestro Luis Buñuel, no sólo es digna de ser admirada por su valiente retrato al problema social que genera la pobreza, si no como uno de los legados más importantes que tiene el cine. Con tantos elogios y artículos relacionados con la cinta,  sólo me queda aclarar que es en el desenlace donde radica el principal valor de la obra.

Es cierto que la riqueza que nos brinda con personajes bien definidos, además un libreto sincero y sin complejos hacen invaluable la película. Tampoco es posible negar que la secuencia en donde Pedro sueña con su madre se ha vuelto el origen de innumerables comentarios por las sensaciones que transmite a la audiencia, además del valor creativo con un simbolismo que hasta nuestros días sigue intrigando.

Pero es el trágico desenlace lo que le brinda importancia a la trama, dándole una conclusión lógica al desarrollo que tienen los personajes y recalcando una tragedia que se vive aún en estos días. El haber triunfado el final feliz sólo porque la gran época de oro del cine mexicano producía historias agradables para el alma, hubiera degradado la visión de un autor que ofrecía sin reproches un pedazo de cruda realidad. El hecho de que Buñuel haya sido extranjero, lo obliga a realizar un prólogo que explica el aspecto universal de la pobreza, y aún así fue objeto de críticas y censuras por sentirse ofendidos aquellos que pensaban que era reflejo de México.

Es terrible como se destruyen las esperanzas de un futuro para Pedro. Vemos como luchaba por lograr enmendar sus errores y el desgraciado Jaibo sin piedad reacciona con odio ante la supuesta traición de quien alguna vez considero su amigo. El momento cumbre es cuando la madre de Pedro cruza camino con los restos de su hijo. Es ahí cuando un conjunto de emociones compiten por darle nombre a lo que vemos, para luego rematar con el destino final del cadáaver en un basurero.

Simplemente es para quedarse sin palabras.

 

El Planeta de los Simios,  Franklin J. Schaffner, 1968

El Planeta de los Simios

 

» Quizás no te agrade lo que encuentres»

A simple vista uno ve los disfraces de simio e inmediatamente la reacción es de desagrado. También hay quienes piensan, que después de todo no puede ser tan malo ver monos cabalgando con armas en sus manos. Dependiendo de los gustos personales, lo cierto es que esta cinta resulta ser un clásico del cine no sólo por su originalidad, si no por la crítica que realiza al ser humano como especie. ¿Quién lo hubiera pensado?

Es cierto que uno de los momentos por los que es recordado este filme es cuando Taylor (Charlton Heston) exclama sus primeras palabras enfrente de los simios, pero nada se compara al descubrimiento que habría de venir al final en una playa desolada. El gran merito lo tiene la gran dirección de Franklin J. Schaffner, quien logra convencernos de que nuestro protagonista se encuentra en un planeta extraterrestre donde a su parecer las leyes de la evolución están de cabeza.

Ni que decir del libreto de Michael Wilson y Rod Serling, que se deshoja como las capas de una cebolla para revelar una verdad que era aparente. Uno no se puede imaginar como seríamos intrigados con la variedad de debates sobre dogma, igualdad, religión , sociedad y la naturaleza humana. Mayor mérito se tiene cuando los temas planteados no son expuestos como sermón y lo mejor que es cada uno fluyen con tanta naturalidad dentro del contexto de la película que evita caer en la saturación de ideas.

El momento cumbre llega cuando Taylor descubre que se encontraba todo el tiempo en la Tierra y no en otro planeta donde se suponía debía de haber llegado. Cuando vemos los restos de un inconfundible símbolo de la civilización humana: la Estatua de la Libertad, estamos tan sorprendidos como el protagonista que reclama a sus antepasados las consecuencias de sus actos.

Es por eso que no sólo es uno de los mejores desenlaces, si no una de las mejores secuencias que nos ofrece el cine

 

Karate Kid,  John G. Avildsen, 1984

Karate Kid

La Grulla

¿Quién no conoce tan legendario movimiento muscular que ha sido objeto de parodias, chistes, remembranzas y conversaciones? Nadie se esperaba que esta sencilla película de amistad logrará penetrar en la cultura popular, a tal grado que llega a ser una obra que representa lo mejor de la década de los ochenta.

Gran merito tienen las actuaciones de Noriyuki «Pat» Morita y Ralph Macchio, quienes logran trascender el libreto de Robert Mark Kamen a algo más que un conjunto de clichés. Es cierto que el libreto tampoco es una complejidad,  con su tratamiento a lo que bien podría ser la solución al «bullying» en las escuelas, pero si lo suficiente para que ambos actores logren convencernos de formar un lazo entre maestro y estudiante.

Tampoco hay que menospreciar el trabajo del director John G. Avildsen, quien vuelve a cautivar al momento de filmar combates, ahora tratándose de karate. Uno podría pensar que un torneo de artes marciales no podría ser tan emocionante, y hasta cierto punto raya en la exageración con el tratamiento que se la da al evento que es comparable a unas olimpiadas, lo cual en el momento eso pasa a segundo plano ya que la película se lo ha ganado. Cuando por fin llegamos al combate final y vemos la famosa posición, es un instante que adquiere tanto valor por las escenas de enseñanza que precedieron, que cuando por fin ocurre no te queda más que dejarte llevar por el sentimiento de orgullo que tiene el Sr. Miyagi.

 

El Silencio de los Inocentes,  Jonathan Demme, 1991

El Silencio de los Inocentes

Hannibal Lecter

Me es difícil elegir una sola escena que sobresalga del resto donde aparece la celebridad de Hannibal Lecter.  No es exagerado afirmar que cada minuto en el que está en pantalla Sir Anthony Hopkins no sólo es cautivante, si no también escalofriante en su interpretación de uno de los mejores villanos que el cine haya creado.

Desde el primer encuentro con la agente Starling (Jodie Foster), el actor refleja en su caracterización el historial de un asesino en serie, sin antes haber presenciado ninguno de sus crímenes. Desde su mirada penetrante, inconfundible tono de voz, juicios impecables y su alto intelecto; todo lo anterior lo hacen ser una verdadera amenaza para la humanidad. Aún así lo que más intriga es el procedimiento en como analiza a sus víctimas: determinando su valor como si fuera justificación para saciar su implacable hambre. En todos los aspectos el ser emana peligro a todo momento.

Sin bien es cierto que la cinta esta basada en la novela homónima del autor Thomas Harris, es el guión escrito por Ted Tally quien le hace justicia con unos diálogos soberbios de los cuales aún hoy podemos recordar. Luego tenemos el aspecto psicológico que con maestría utiliza Lecter para lograr sus objetivos, como el ingrediente especial para que todo amarre. Es cierto que Starling la sufre al recordar su pasado, pero hasta cierta forma le funciona como terapia para reforzar su identidad y sobre todo su propósito de vida. Para nosotros como público, es un deleite ver las actuaciones de ambos protagonistas.

Más fascinado no podría estar por el trabajo de director Jonathan Demme, quien mantiene una atmósfera de suspenso con una impecable calidad. Conocedor de la trama con la que cuenta, no necesita de trucos para impactar a su audiencia y deja que respire su cinta con escenas en donde sus personajes actúan de lo más casual posible, creando simpatía y dándoles peso para cuando la acción se desarrolla. Otro punto fascinante es como enfoca la cámara al rostro de los actores sin piedad, logrando transmitir con sus expresiones un rango de sentimientos que van del miedo hasta el deseo. Y si quieren un ejemplo, sólo basta recordar como Lecter recuerda la cena que le proporcionó un entrevistador del censo.

‘La cabaña del terror’, una brillante burla a todo un género

Hace unos días comentaba en la crítica de Siniestro (Scott Derrickson, 2012), que el genero del terror/horror no era tanto de mi agrado ni mucho menos de un seguimiento constante a comparación de otros mucho más innovadores y en crecimiento interesante como lo es la ciencia ficción, por mencionar alguno. Tuve la oportunidad de ver The cabin in the woods, ese es su titulo original, mucho más lógico y sublime que el que erróneamente le pusieron en Latinoamérica  por Internet, pues las excelentes críticas que obtuvo el filme dirigido por Drew Goddard y co-escrita por Joss Wheedon, a quien en Hollywood ya consideran un dios por su divertidísima Los vengadores, me llamaron poderosamente la atención. Ahora que finalmente se ha estrenado en México acudí a verla como es debido, y mi sensación es la misma: un formidable homenaje disfrazado de farsa hacia un genero muy irregular, al menos en años recientes.

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La cabaña del terror, para quienes no sepan nada o tengan poco información de la película, NO es una película de terror/horror. Al menos no con los consentimientos y clichés propios del genero, en un sentido «serio». No. Es una burla audaz y brillante acerca de toda la estructura fílmica de un genero cinematográfico que a pesar de tener los mismos elementos y recursos, sigue vendiendo y atrayendo a grandes masas a las salas de cine. El echo de ver a jóvenes, por lo general, siendo despedazados por cualquier monstruo de pesadilla, pareciera ser más que suficiente para pagar un boleto de cine. Goddard y Wheedon pensaron lo mismo y decidieron burlarse de esa desgastada fórmula. Y vaya manera de hacerlo.

No quiero dar spoilers con respecto a la película pues no creo que eso deba ser tratado en la crítica, así que me limitare a decir pequeños fragmentos de la trama y del contexto en general. La primera secuencia de La cabaña del terror, luego de los acertados créditos iniciales, nos presenta a dos trabajadores Richard Sitterson (Richard Jenkins) y Steve Hadley (Bradley Whitford), los cuales están llevando una plática de lo más cotidiana, a ellos se les une un tercer personaje, Wendy Lin, interpretada por Amy Acker. Discuten e inmediatamente sale el titulo de la película en pantalla. Corte y en la siguiente secuencia vemos a los cinco personajes, jóvenes, claro, que serán los protagonistas de la historia. ¿Curioso? Si fuese una cinta de horror convencional, bien podrían haber empezado por los pobres adolescentes, pero desde la primera secuencia ya nos damos cuenta de que estamos viendo algo muy diferente.

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Les comento esto para que al momento de ver la película no se vayan por el camino fácil y la juzguen sin argumentos validos. Vean todo elcontexto que envuelve a la cinta y de ahí pueden analizarla. Esto lo comento pues mucha gente la ha atacado sin razón alguna e inclusive se ha salido de la sala de cine. Incomprensible. Más teniendo en cuenta que estamos ante una original y astuta idea que debiese ser estudiada y vista al menos unas tres veces. Los primeros personajes que aparecen, trabajadores, son en realidad los «controladores» de un ritual sangriento, que lleva muchos siglos en marcha. Su misión es reunir cada determinado tiempo a cinco jóvenes, cada uno de ellos con el clásico estereotipo: La virgen, la puta, el atleta, el nerd y el tonto; para ser asesinados por monstruos escogidos al azar por ellos mismos. Al morir los cinco pobres infelices, ese sacrificio va destinado a dioses que viven debajo de la Tierra para poder mantener el orden el en mundo y que no sea un caos.

Habiéndoles dicho esto, es evidente que pudiera parecer una especia de broma estúpida y sin sentido alguno. Pero como trasfondo argumentativo y tomando en cuenta que se están burlando del genero, funciona a la perfección. En realidad lo que a simple vista son «controladores» que manejan a los pobres adolescentes a su gusto para que estos puedan morir, son el público mismo, nosotros. Así es. Y no solo el público sino también los estereotipos del género y las reglas tan cansinas del mismo. La pizarra de los monstruos, donde se llevan a cabo las apuestas, y la divertida burla al cine asiático son una genialidad y te resumen a la perfección lo que estás viendo. Múltiples películas son homenajeadas acá, siendo quizás la más notable Evil Dead. Pero por si no estabas contento, refiriendo a los fanáticos, el tramo final es un orgasmo de placer. A todos los verdaderos amantes, no a los que aparentan, se la pasarán como niños pequeños disfrutando del festival de sangre y diversión que supone el clímax de la historia. Una joya.

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Antes de juzgar y malinterpretar La cabaña del terror, les sugiere que vean mucho cine de terror/horror y que entiendan el trasfondo que sostiene la cinta, quizás así tengan una mejor idea lo que están viendo. Personalmente la recomiendo ampliamente para el público seguidor de dicho genero, pues encontrará un producto sumamente entretenido y endiabladamente audaz y original. De las mejores propuestas fílmicas que nos ha llegado en el año y por mucho. No quiero arruinarles con spoilers, pero ese desenlace, de la película en si, es sumamente hermoso. No se la pierdan, es una opción en cartelera que vale mucho la pena. Claro, siempre y cuando desees ver una historia inteligente.