octubre 2015

‘The Loved Ones’, la princesa que soñaba con el amor

Cuando escribí el artículo sobre The Babadook les mencione en reiteradas ocasiones que hay una nueva corriente independiente que está sacando a flote proyectos muy interesantes concernientes al género del terror y el horror. Eso es una alegría. Debido a que Hollywood y las grandes compañías fílmicas suelen seguir una fórmula ya establecida, el público ya ha empezado a cansarse y busca nuevos desafíos, nuevos horizontes y nuevas ideas. Es ahí donde cintas como The Babadook y la que ahora les compartiré, The Loved Ones, entran en acción para el goce total de los fans del género y para los amantes del cine como tal.

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Si bien es cierto que el presupuesto que ostenta The Loved Ones es algo alto para considerarla como una película pequeña o independiente (se estima que costó alrededor de 4 millones de dolares), las formas en cómo está filmada y el poco conocimiento que tiene el público de su existencia si la vuelven partícipe del selecto grupo de películas de culto del género del terror. Tal es así que en pocos países pudo tener una proyección comercial; su éxito radicó principalmente en exhibirse en festivales alrededor del mundo. Una lástima pues creó que estamos ante un relato muy realista y escalofriante sobre la malinterpretación del amor y el desbordamiento de la obsesión más enfermiza para encontrar la propia felicidad y el goce físico y espiritual. Pero vayamos por partes.

La historia que Sean Byrne nos cuenta (director y guionista) es muy simple, diría que demasiado pero es ahí donde radica su encanto. Byrne da pocos detalles sobre la atmósfera de la historia, inclusive nunca sabemos ni el año en que estamos ni mucho menos la ciudad (es probable que sea alguna zona rural de Australia) y ni falta que hace. La verdad. La historia no indaga en profundizar ni el contexto ni tampoco el trasfondo emocional y narrativo que tienen los personajes que vemos en pantalla, incluido el protagonista (Xavier Samuel). La película abre con un plano de una carretera y hay un vehículo que la transita, el único, mismo que es conducido por el propio Brent (a quien da vida Xavier), el cual está prendiendo a manejar junto a su padre. Durante el viaje un accidente ocurre, ajeno a Brent, y su padre fallece, provocando con ello una sensación de culpa y odio en Brent que lo lleva hasta la posibilidad de suicidarse.

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El director va rápido. No indaga en las causas del accidente ni tampoco profundiza en la reacción inmediata, por el contrario nos lleva seis meses después del accidente para darnos cuenta que Brent está a punto de graduarse de la preparatoria e ir al baile de graduación. Es en ese momento que conocemos a una misteriosa chica llamada Lola (interpretada por una brutal Robin McLeavy) que intenta invitar al baile a Brent pero desafortunadamente es rechazada. De ahí en adelante las cosas se pondrán muy horripilantes, sobretodo para Brent y sus seres queridos. De ahí el titulo de la película. Lola no es la chica dulce ni linda que por segundos aparenta ser, no, muy lejos de la realidad de la sociedad, ella es posiblemente la encarnación del horror. Y es en ese punto que el director y la película como tal logran su cometido: dar miedo.

Ahora bien, en dos párrafos les presente la premisa del relato; la verdad es que la historia como tal es mucho más simple. No miento. Y ojo, eso no es malo, al menos no en este caso. La historia se desarrolla principalmente en dos vertientes: por un lado vemos el inminente secuestro de Brent por parte de Lola para hacerlo vivir un infierno; en segundo término tenemos al amigo de Brent yendo al baile de graduación con una chica que no sabemos muy bien (como espectador) qué se trae entre manos ni el por qué actúa de la forma en lo que hace. Parecieran dos historias muy separadas pero es agradable descubrir que conforme se llega al climáx de la historia las motivaciones personales de los personajes se entrelazan y adquieren un toque muy lógico y deprimente. Del mismo modo, aunque no lo resaltaría mucho, tenemos otra perspectiva alterna del relato el cual incluye a la madre de Brent y novia de éste tratando de averiguar dónde se encuentra. Más temprano que tarde la novia de Brent descubrirá el horror que le cayó a su novio.

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Lo realmente mágico, por llamarlo de alguna manera, de la historia y el manejo de acciones por parte del director es que se nota muy realista en el sentido de que lo que está ocurriendo realmente puede pasar y estoy seguro que pasó más veces de lo que las noticias se dieron cuenta. Una chica obsesionada con el amor (Lola), alejada de la civilización, con una relación incestuosa con su padre, con una idea enfermiza hacia los hombres y probablemente virgen, bueno, saquen ustedes sus conclusiones. ¿De qué puede ser capaz? ¿Asesinar? Claro, pero lo realmente divertido es: ¿cómo? Byrne retrata muy bien, apoyado por una magnífica actuación, la psicología de Lola y el cómo ve ella la sociedad y su propio mundo que ha creado donde ella es reina y soberana. Para ella no hay reglas ni mucho menos justicia, salvo la que ella creé conveniente. Es una princesa que ve lo incorrecto, lo imperdonable, lo restringido y lo abominable como meras palabras que le son ajenas. Tiene un serio problema y Brent lo descubrirá de una forma muy dolorosa.

Entonces, ¿por qué recomendarles esta interesante película? Muy fácil: es una visión jodida y realista de un asesino serial. En este caso de una adolescente. Una adolescente intoxicada por la creencia del amor y del príncipe azul pero que lejos de soñar con cuentos de Disney se enfoca en la distorsión de un ideal a conveniencia propia. En pocas palabras: conseguir lo que uno anhela sin importar las formas. Les recomendaría que traten de ver esta historia con una visión más allá de lo común, no traten de verla como una simple película sino como una infernal crítica social a un suceso terrible que no es tan imposible de que acontezca, muy por el contrario, yo diría que las cosas que ocurren en las zonas urbanas, lejos de la población y en varias partes del mundo son más horribles de lo que Byrne nos ha contado.

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Para los amantes del género del terror y de asesinos seriales, esta es su película. Denle un visionado y estoy seguro de que quedarán gratamente sorprendidos. Seguramente ya ha obtenido un estatus de culto y pueden encontrarla en tiendas digitales muy famosas como Amazon o Mixup, inclusive si navegan por el basto Internet, también. The Loved Ones es una refrescante propuesta del cine de terror que ya ha sido explota con anterioridad en otras historias, es cierto, pero nunca con la sencillez y realismo de ésta.

El Espinazo del Diablo. Fantasmas con Del Toro.

Hablar de Guillermo del Toro es quizás hablar del director mexicano más talentoso de la actualidad. Se trata de un hombre que produce lo que quiere aunque le tome mucho tiempo, y normalmente sale con resultados bastante positivos. Mucho se ha hablado en los últimos años sobre el trabajo de Alfonso Cuarón o de Alejandro González Iñárritu, pero del Toro es quizá quien ha creado más un clásico a futuro.

Pero lo cierto también es que del Toro ha tenido que batallar bastante al momento de hacer cine en territorio norteamericano, pues sus obras prácticamente reciben muy poca promoción, lo que convierte a sus obras en sendos fracasos en taquilla (en EUA “Titanes del Pacífico” se vio superada, increíblemente, por “Son como niños 2”). Y fue algo con lo que tuvo que convivir desde su primera película de producción estadounidense, “Mimic”, en 2001 que tuvo una buena  entre la crítica, pero que fracaso enormemente en las taquillas.

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Después de esa primera mala experiencia, el director mexicano se fue a España a trabajar en esta entrega que, a más de 15 años de haberse realizado, esta convertida en una de las mejores películas de fantasmas jamás hecha. Y es hecha con muy bajo presupuesto y con actores no muy reconocidos, salvo Eduardo Noriega. Pero el talento de del Toro pudo más que las limitantes y terminó sacando un pequeño clásico de la manga.

Y la verdad es que el seguimiento que la película ha recibido con el paso del tiempo es bastante bien merecido. Hay tantas que brillan en gran forma en esta película que es difícil saber por dónde empezar. Creo que su primera fortaleza viene en unas sólidas actuaciones: como dije, no se trata aquí de grandes nombres, sino de gente que sabe cómo hacer su trabajo bien. En especial destacaría a los niños de esta entrega que se sienten reales y no como si estuvieran leyendo carteles con sus frases.

La historia de fondo me agrada también y el enfoque que le dan a los fantasmas. Aquí no se trata de seres malos que matan a todos aquellos que osan estar en su morada (algo típico del género) o no se trata de fantasmitas amigables que solo quieren ser tus amigos. Se tratan de espíritus con más sed de justicia que de venganza y que tratan de comunicarse con los niños para tratar de dar a entender el mensaje.

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La cinematografía es otro gran elemento para la entrega; la película fue realizada en Madrid y el edificio donde fue filmado se muestra pacífica y terrorífica al mismo tiempo. La música y la edición también están en buen nivel, los diálogos inteligentes y en general todo ralla en un buen nivel.

Si hay un punto que le cuestionó a la película son las motivaciones del villano; no digo que Eduardo Noriega de una mala interpretación, pero las motivaciones de su personaje se sienten muy simples: estas en una Guerra Civil y es dinero por lo cual se armó todo el alboroto. Para acabarla, como que Guillermo quiso darle una historia de fondo para tratar de simpatizar con él, pero se siente muy rápido y ayuda en nada. Al final, incluso terminas detestándolo más.

Pero eso no quita méritos a una película que para del Toro, que venía de una mala experiencia, se recuperará; hoy en día la película todavía es bien recibida por la gente y no deja de ser considerada como un clásico en cuanto a películas de fantasmas. Y no dejaría de recomendárselas ampliamente, sobre todos si están más que dispuestos una película de fantasmas, pero con una propuesta totalmente diferente.

Viernes 13 (1980). Cuando mami se pone loca.

En 1960, Alfred Hitchcock levantó el escándalo entre las conservadoras audiencias norteamericanas con “Psicosis”, película considerada por muchos como la madre de toda película slasher, al menos para Hollywood. Su éxito y popularidad serían el ejemplo para la creación de otras películas del mismo género que se convertirían en franquicia, como “Masacre en Texas”, “Halloween”, “Pesadilla en la Calle del Infierno” y, por supuesto «Viernes 13».

Ciertamente se puede decir que cada una de estas películas aportó algo con el que se identificaría al genero slasher : “Masacre en Texas” aportó la idea de hacer de esto una franquicia, “Halloween” agregó la historia de fondo, “Pesadilla en la Calle del Infierno” agregó que puedes morir incluso en los sueños, y “Viernes 13” aporta ver las muertes desde el punto de vista del asesino. Todas estas películas, con el paso del tiempo, se ganaron el mote entre los fans de sus franquicias o del género.friday_the_13th_1980_8

Pero cuando me pongo a analizar de una manera fría, “Viernes 13” es la única película del género que se ha ganado el mote de clásico sin tenerlo del todo bien merecido. Los fans mas fuertes quizás aprecien esta película, pero a mi gusto es de todas las entregas mencionadas la más débil. Todo su aporte del punto de vista del villano no es más que la extensión de la secuencia inicial de “Halloween”, con un giro un tanto pésimo. Hay tantas cosas tan malas en esta película que es difícil empezar.

Quizá el problema más grave viene en las actuaciones: muchos de estos eran jóvenes buscando fama y obviamente elegirían cualquier película para empezar, pero las actuaciones que ofrecen son para lamentar. Se sienten tan falsas, tan poco naturales que podrían enfurecer a más de uno. Kevin Bacon, en uno de sus primeros trabajos como actor, esta increíblemente mal y tira a decir los peores diálogos del filme.

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Uno creería que la presencia de Betsy Palmer como Pamela Voorhees agregaría algo de calidad al asunto, pero lo cierto es que Betsy actúa incluso peor que los principiantes. Sus momentos como una mujer trastornada son lamentables y resulta poco creíble como la asesina en turno.

Si las actuaciones son malas, el otro problema de la película es que los personajes son pobres. Nunca llegas a tener simpatía por ninguno de ellos, al grado de que hasta te alegras de verlos morir. Quizás dándole crédito a la película, los estereotipos de personajes que interpretan los actores se convertirían en algo común dentro del género; pero mientras en otras entregas notas cierto esfuerzo de los actores por destacar, aquí ni siquiera eso.

La historia también tiene un montón de incoherencias que la hace ver mal: ¿cómo es posible que la asesina tenga muy buenas formas ante las víctimas, y con la última tenga tantos problemas? Tantos años existiendo ese campamento y sus problemas, ¿y nadie se ha parado a investigar que sucede? ¿Como es posible que el campamento siga sin terminarse y tienen tan poca gente trabajando con ellos?

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La pelea final entre la última sobreviviente y la asesina es el colmo de los ridículos. Al final uno se pregunta como la señora Voorhees, siendo como es, mato a los otros chavos. Betsy Palmer transmite pocas emociones al momento de pelear y, francamente, nunca llega algún momento donde en verdad me sentir tener cuidado.

Supongo que puedo mencionar algunos elementos destacables a favor, como los efectos especiales, algo avanzados para su tiempo; si, hoy lucen anticuados, pero ayudaron a crear cierto temor en su momento. Las muertes Bacon y su novia son algo memorables. Y la música no está mal, aunque por momentos pareciera copiarle a “Psicosis” e incluso a “Tiburón”. Y el final, podríamos decir que es memorable, pero carece de sentido a como se venía manejando el filme.

Es por eso que lo considero como un clásico forzado por los propios fans, pero “Viernes 13” no deja de ser un mal filme. Las secuelas, el crossover con Freddy Krueger y el remake del 2009 vendrían a mejorar un poco la situación a mi gusto, lo que la hace dejar muy mal parada esta entrega.

Misión Rescate. La fuerza de sobrevivir

En la actualidad no causa confianza el nombre del director Ridley Scott. Su filmografía es una montaña rusa de grandes éxitos y también fracasos. No sabes que es lo que te va a tocar.  El director sin duda tiene talento, es solo que no ha logrado encontrar su nicho de historias, pero parece que por fin con ‘Prometeo’ y ‘Misión Rescate’, esta mostrando preferencias por el género de la ciencia ficción. Y le esta funcionando.

La trama del filme tiene como protagónico el botánico Mark Watney (Matt Damon), uno de los seis exploradores que merodean la superficie de Marte analizando rocas (en verdad, es todo lo que hacen). En el día Sol 19, ocurre una tormenta de arena que provoca la evacuación de emergencia de la tripulación. Obvio que en la ‘corretiza’ por llegar al cohete, algo sucede y abandonan a Mark porque piensan que esta muerto. El dilema es aterrador, considerando que la lucha por sobrevivir se realiza con limitados recursos (aunque ni tanto), en un planeta inhóspito y con una alta frecuencia al caos.

La historia del hombre que lucha contra la naturaleza es una narración presente en la mayoría de las películas. Básicamente casi todas tienen a su protagonista en algún momento de un filme enfrentando su mortalidad. Es ese temor a la muerte el que nos mantiene atentos a la acción. La diferencia esta cuando toda tu película gira alrededor de la misma temática, entonces debes de encontrar formas para ampliar una premisa que en otros casos se resuelve en minutos.

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Para que ‘Misión Rescate’ funcione, debe de crear una cadena de sucesos que Mark debe de solucionar, de lo contrario su vida esta en peligro. Es entonces que la narración convenientemente lo ubica en un tiempo que asume uno que es alrededor del año 2050, cuando ya existe la infraestructura necesaria para albergar un campamento en el planeta rojo, vehículos de transportación, trajes de alta capacidad de oxígeno y paneles solares súper eficientes. Si Mark se encontrara en tal situación en la actualidad; pues digamos que el libro en el que esta basada la película no alcanzaría ni a panfleto.

Ya resuelto el escenario, toca el turno a los actores para transmitir la veracidad de una situación hipotética. Matt Damon es una de varias razones para que la película funcione y podría haber sido la única si no fuera porque esta respaldado por el elenco del grupo de actores más confiables de Hollywood que no se conforman con ser relleno.

Después de Damon, quien más destaca es la bella actriz Jessica Chastain, en un personaje que canaliza la culpa que conlleva el mando de una misión espacial. Quizás no sea tan convincente en transmitir su aparente rango militar, lo que si demuestra es la amistad que tiene con este grupo de exploradores que deberán decidir entre el compañerismo o sus vidas. También tenemos a los altos directivos de la NASA interpretados por Chiwetel Ejiofor, Jeff Daniels, Kristen Wiig y hasta Sean Bean (confirmo que el Sr. Bean no muere). Creo que queda claro que talento sobra.

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Lo mejor es que esta vez Ridley Scott parece que se fue a un retiro, curso de actualización o de plano al Tíbet para inspiración, porque lo que consigue en ‘Misión Rescate’, sobrepasa lo que le creíamos conocer de él.  Al inicio, podemos ver que hace el uso de sus fortalezas como director al enfocarse la mayor parte del tiempo en un solo personaje y el seguir el hilo narrativo de la supervivencia. Él es especialista en lograr hacer que sus actores transmitan esa fuerza de voluntad necesaria para merecerse vivir. De las películas de su filmografía que he visto, me recuerda a ‘Black Hawk Down’, ‘Gladiador’, Alien , la trama del androide en Blade Runner y hasta en los científicos despistados de Prometeo. Casi siempre de alguna forma sus filmes tienen esa característica, y ya era hora que le sacará provecho.

El diseño de producción se ha vuelto otra de las fortalezas en donde Ridley está involucrado, en especial cuando se trata de tecnología espacial, el hombre esta a la cabeza. La mayor parte del tiempo estaba entretenido de como estaba organizado el campamento, los dispositivos y creo que la joya es el diseño de la nave que nos transporta a Marte (parece un condominio de lujo que incluye gimnasio). Claro que es entendible si un grupo de personas han de permanecer por años en un mismo lugar, al menos deben de incluir entretenimiento.

Lo más irreconocible de Ridley, es el optimismo con el que enfunda la película. Aún en las peores situaciones, no se llega al dramatismo extremo, o a la necesidad de la tragedia, siempre existe un aire de esperanza. Algo envidiable en la actualidad de reproducir.

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Esta historia es un producto de la globalización en que vivimos, en donde las barreras geopolíticas desaparecen con el noble fin de lograr salvar un individuo.  Desde el elenco multicultural, las locaciones internacionales y … hasta el gobierno chino con su imagen de potencia global ( que por cierto más vale que me vaya acostumbrando a ver China hasta en la sopa, porque ese mercado consume la basura que Hollywood no logra vender en otras partes); todo transmite la unión como especie en un objetivo.

Aún con todo el ingenio utilizado para lograr salvar a Mark, y los diálogos tan oportunos del libreto de Drew Goddard; los tecnicismos requieren ser diluidos y por lo tanto con cada problema se nos viene una explicación que logre hacer comprender a la audiencia lo que esta sucediendo. Es por eso que tenemos una variedad de montajes musicales, explicaciones con objetos, otros personajes interpretando; bueno, vaya que si se vuelve un ejemplo de las formas que tiene el cine de explicarnos la trama. Aunque a ratos parezca un episodio de Viaje a las Estrellas, con palabrotas de astrodinámica que esperemos a niños de la audiencia les encienda el apetito por la ciencia.

El final es predecible y por lo tanto es mejor ni tan siquiera pensar en ello. Ahora si que es la experiencia de la que debemos de estar agradecidos y no tanto el destino. Eso creo que quizás sea mi mayor lamento, aunque lo acepto porque viene incluido en el mensaje que se trata de propagar. Entonces nunca se traiciona pretendiendo ser una tragedia por el simple hecho de llamar la atención o buscar el impacto, es por eso que lo hace apetecible para la audiencia y por lo tanto a Hollywood que le gusta contar este tipo de historias.

Se que a muchos no les gustan las comparaciones odiosas, así que espero que no cometan el error de creer que es una versión de ‘Interestelar’. Quienes gusten de comparar, podrían hacerlo con el filme ‘Gravedad’,  y solo por el tema de sobrevivencia.

‘Misión Rescate’ los hará emocionarse e inclusive algunos llegar hasta la lágrimas. Es un auténtica sorpresa, tanto por el director, los actores y la fecha de estreno que por lo general no promete. Si pueden, denle una oportunidad.

Ghibli: El Castillo en el Cielo. Aventura de altura

Seguimos con nuestra aventura a través de las grandes obras de estudio Ghibli con nuestra segunda entrega de lo que merecidamente se puede considerar otro clásico del cine. Continuemos.

Antecedentes

Gracias a una co-producción entre tres empresas: Tokuma Shoten, Hakuhodo y Top Craft, es que fue posible la adaptación del manga al cine de ‘Nausicaä del Valle del Viento’. El éxito y reconocimiento fue inesperado, pero no desperdiciado por el triunvirato integrado por Hayao Miyazaki, Isao Takahata y Toshio Suzuki. Los estudios de animación Top Craft, quienes contribuyeron a Nausicaä, sufren de una bancarrota en junio de 1986. Este hecho no paso desapercibido por el grupo de amigos y deciden adquirir la empresa, que después renombran en lo que hoy en día conocemos como estudio Ghibli.

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En esos tiempos el riesgo era tremendo porque con un solo fracaso todo se iba al caño. Entonces, para mantener el riesgo al mínimo se decidió no contratar empleados de tiempo completo y solo temporales para una sola película. Así que cuando la producción terminaba, todo el equipo se quedaba sin empleo. Era tanta la incertidumbre, que el lugar de trabajo era un piso en renta de un edificio en un suburbio de Tokio. Tales políticas de austeridad fueron implementadas por Isao Takahata y fue gracias a su habilidad de administración lo que ayudó al estudio a mantenerse a flote.

Es en este contexto es como se dio la segunda producción ‘El Castillo en el Cielo’, que desafortunadamente en su idioma oficial tiene un nombre impronunciable y se ha preferido modificar para no alterar la paz mental de nosotros los hispanoparlantes.

La historia

Una joven llamada Sheeta es perseguida por dos bandos antagónicos. De un lado tenemos un grupo de piratas comandados por Dola, una señora de edad que mantiene en orden su equipo de hijos con estricta disciplina y obviamente con ambición de riqueza. Por el otro, Muska es un agente secreto que desea encontrar el mítico castillo que vuela en los cielos con el único fin de obtener poder para dominar el mundo.

El tan mencionado castillo en el cielo fue alguna vez una de tantas ciudades de una civilización tan avanzada, que lograba canalizar el poder de las piedras ‘volucite’ para hacer volar tan enorme estructura, crear armas y robots gigantes. Después de una catástrofe desconocida, los sobrevivientes decidieron vivir en tierra firme y lo poco que se sabe de ellos es a través de testigos que creen haber visto el castillo, leyendas y escasos escritos.

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Después de caer literalmente de los cielos, nuestra protagonistas se encuentra el joven llamado Pazu, quien se esfuerza al máximo por proteger a la dama de todo aquel que desea hacerle daño. Juntos entablan una relación de amistad que los llevará a luchar contra quienes buscan el poder del castillo.

Tras inevitables complicaciones con el bando de Muska,  es que se descubre la ubicación de la anomalía en los cielos y es así como se emprende una carrera por llegar al castillo. Por lo tanto se vuelve imperativo que Sheeta y Pazu logren llegar primero para evitar que la tecnología avanzada caiga en las manos equivocadas y eso lo deben de lograr sin importar que tengan que realizar una alianza inesperada con uno de los bandos.

Lo que sigue los dejare para que lo descubran por ustedes mismos, solo basta decir que el castillo contiene un secreto mucho más afín a la filosofía de Miyazaki y en el cual radica el valor del filme.

Sheeta: la dama que busca el equilibrio del mundo

En esta ocasión nuestra protagonista carece de un dilema tan complejo que la torture a lo largo de la película. Como la primera mitad es una constante de escenas de persecución, existe muy poco tiempo para adentrarnos a la mente de una chica que a lo mucho lucha con una herencia que jamás pidió. Mientras comienza a archivar sus recuerdos y descubre el poder de la gema volucite, es cuando sus motivaciones se enfocan en evitar a toda costa que el poder del Castillo en el Cielo sea obtenido por gente con intenciones malignas.

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Lo que me gusta de parte de Miyasaki es que sus heroínas no andan pregonando amor al prójimo, si no que a través de los hechos es que logra transmitir un carácter noble, fuerte, pero sobre todo en armonía con su entorno. Aún cuando se encuentra la vida de Sheeta en peligro, ella busca el menor daño posible de su robot protector, o inclusive a costa de su propia vida decide detener a Muska. No existe escena de preocupación por su persona, más bien por el bienestar de los otros. Y es muy difícil lograrlo sin hacer ver a tu personaje como uno que satisfaga su ego o querer ser recordado como un héroe. Prácticamente la motivación del personaje es el de ser el instrumento que logre el equilibrio del mundo.

La presión de Ghibli por no fracasar

Aunque en resumen, la premisa suele ser demasiado parecida a Nausicaä, en contexto Castillo en el Cielo no se cubre en la seriedad de la anterior y se siente más libre de experimentar comedia, aventura y acción. Es aparente que se estaba tratando de solucionar lo que algunos considerarían un defecto de Nausicaä. Es entonces que optaron por hacer más amena su próxima película, o simplemente rellenar una trama que si la vemos detenidamente, no es tan compleja como la anterior. Pues el experimento no resultó del todo porque la audiencia fue menor, aunque no tanto para encender focos rojos en estudio Ghibli, pero para si resultar una experiencia que agregaría a una fórmula que se establecería en sus próximas producciones.

El mensaje omnipresente

No es desconocida la misión de Miyazaki por permear sus obras en un contexto que permitan la introspección a nuestros problemas ecológicos. Es una de sus características fundamentales que hacen que lo admiremos como un ser humano ejemplar. El que aquí sigue presente, aunque sea en el último acto de la película, era de esperarse. Quizás no sea tan poderoso o incisivo como en Nausicaä, sin embargo funciona para ofrece importancia a una obra que parecía buscar más emoción y menos contenido.Robot Castillo en el Cielo

Al final de la película, descubrimos robots gigantes que tiene como función cuidar el legado de lo que alguna vez fue una gran civilización. Su diseño en apariencia artificial, con el paso del tiempo se ha ido adaptando al medio ambiente hasta ser cubierto por vegetación e inclusive llega a convivir con la fauna del lugar.  Esta simbiosis parece contradictoria porque el robot es producto de una creación humana y no tanto de la naturaleza que ahora incansablemente protege. Mientras que el humano al haber evolucionado de la madre tierra, muestra una ignorancia absoluta del mundo que le rodea.

Otro tema que Miyazaki profundiza es en el de la ambición humana por el poder, sobretodo el como lo ha corrompido hasta perderse en interminables luchas que no le permiten ver que la felicidad ya esta dada. Inclusive en la sencillez de la vida que lleva Pazu nos da a mostrar que la realización del ser humano esta en su vida cotidiana que involucra el trabajo y detalles tan sencillos como el dar de comer a un grupo de palomas.

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La lucha entre Muska y Dola por obtener la piedra de volucite de Sheeta, es una de ambición, la diferencia entre ambos es que las motivaciones de Dola y su grupo de piratas se alteran al descubrir la importancia de su misión por evitar que un gran poder caiga en las manos equivocadas. Tampoco quiere decir que cambien por completo y se vuelvan una pandilla de santos, porque no lo son, simplemente encuentran también valor en la amistad y por lo tanto existe lugar para desviarse de su ambición de oro. Por el otro bando tenemos a Muska que empeña en lograr el poder sin importar a quien tenga que usar de escalón para lograrlo, destruyendo todo a su paso hasta quedar solo y sin quien le pueda rescatar.

Aventura y acción de altura

No tuve ningún minuto de aburrimiento durante la película, a pesar de contener varias escenas en donde son prácticamente persecuciones. Sin embargo, hasta tales momentos de aparente movimiento frenético, siempre existen detalles que hacen como siempre especiales las películas de Miyazaki. En comparación del resto de las películas actuales, siempre hay algo en pantalla que llama la atención, en especial el funcionamiento de las naves aéreas o los movimientos de los robots con sus largos brazos. Es ese cuidado que tiene al crear tales seres de ingenio, lo que convierte a la película en un gozo para nuestros ojos.

El legado

La fórmula Miyazaki (aún en desarrollo en esos tiempos) funciona una vez más para darle un respiro a su naciente estudio de animación. Su estreno no fue tan exitoso como lo fue con Nausicaä que tuvo una asistencia de 915,000, comparado dos años después en 1986, Castillo en el Cielo logró atraer la mirada de  775,000 personas. De todas formas, la crítica también fue positiva tanto en Japón como en los festivales en el extranjero.

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Tristemente, como la mayoría de las películas de estudios Ghibli, no fue hasta la década pasada y gracias a la distribución de Disney que disfrutamos de las maravillas de su filmografía.

Cada año, desde el 2 de abril de 1988, la película es transmitida en televisión abierta en Japón y desde 2003, se ha creado un fenómeno en internet en donde los usuarios comienzan a transmitir la palabra de encantación ‘Balse’ (Japonés: バルス, Barusu), que pronuncia Sheeta durante una escena clave que nos deja con la boca abierta. Con el uso de twitter, tal actividad llegó a su clímax el 2 de agosto de 2013, con el uso de la palabra a un ritmo de 143,199 por segundo.

Pues, eso es todo por esta ocasión. Acompáñenos la próxima vez, cuando toca el turno a lo que es el relato más trágico de la historia de la animación: La tumba de las luciérnagas.

Referencias:

‘Ghibli – Its Start’ The Hayao Miyazaki Web  [documento en línea: http://www.nausicaa.net/miyazaki/ghibli/history/history1e.html; acceso: 2 de octubre de 2015].

Eisenberg, Eric. agosto 20, 2013. Hayao Miyazaki’s Castle In The Sky Helps Break The Record For Most Tweets In A Single Second [documento en línea: http://www.cinemablend.com/new/Hayao-Miyazaki-Castle-Sky-Helps-Break-Record-Most-Tweets-Single-Second-39091.html; acceso: 2 de octubre de 2015].

‘The Babadook’, el monstruo que llevamos dentro

Con este artículo damos formalmente inaugurada nuestra sección especial que celebraremos en Cinéfilo Criticón durante el mes de Octubre: Cine de terror. Y horror. Y es que ambos términos son muy diferentes entre si, siendo el primero (terror) el referente a situaciones «reales» y que bien podrían suceder en nuestra vida diaria, como por ejemplo: asesinos seriales; el segundo término (horror) es quizás el más querido entre los fans, pues radica principalmente en el fenómeno paranormal, acontecimientos y situaciones fantasiosas que son imposibles que ocurran en nuestra realidad (tales como entes demoníacos o monstruos de pesadillas). Es importante señalar este punto debido a que la primera película que publicaremos en el sitio toma parte de ambos términos para erigirse como un relato muy original y terriblemente aterrador que nos habla de algo que bien podría ser real pero que al mismo tiempo se da licencias de llevar las situaciones a un extremo que podría rayar en la fantasía. Claro, eso no le quita su enorme potencial. Veamos.

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A principios del año pasado, concretamente en enero, había una película que estaba dando de que hablar en el festival de Sundance, y no era Whiplash. Como muchos sabrán, Sundance se ha convertido, en años recientes, en una enorme plataforma para distribuir películas de bajo presupuesto y mayormente independientes (sin grandes reflectores). Si tu intención es sacar adelante un proyecto con tus propios recursos, te aconsejó que vayas a Sundance y si las cosas salen bien podrás encontrar distribución y quizás financiamiento para tus próximos proyectos. Pero bueno, volviendo al tema, The Babadook se estrenó oficialmente en dicho certamen y la crítica rápidamente la encumbró como un suceso que valía la pena verse. Evidentemente la película obtuvo una modesta distribución y pudo ser visionada casi en todo el mundo, México incluido, pero como es costumbre con este tipo de películas y sobretodo con el género, digamos que el recibimiento del público no fue el esperado.

Hay una línea de separación muy marcada entre espectador y crítico de cine (profesional): madurez. El primero generalmente disfruta algo basado en gustos y experiencias propias, mientras tanto el segundo se remite a tecnicismos y fundamentos históricos (vale, haber visto mucho, MUCHO, cine). Ambos bandos no es que estén en desacuerdo o sean enemigos pero generalmente suelen diferir mucho en cuanto a la percepción de un producto en común, en este caso el cine de terror y horror. Ha surgido en años recientes un terrible distanciamiento entre público y crítica, principalmente por gustos y opiniones muy diferentes y claramente subjetivas unas de otras. Esto no siempre es malo, pero ha habido excepciones, como la que representó The Babadook.

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Y es que el debut (en largometraje) de la guionista y directora Australia, Jennifer Kent, tomando como referencia un cortometraje que ella misma hizo, supone un ladrillazo muy marcado en el gusto personal del fan promedio de cine de terror-horror. Nuestra sociedad y cultura, principalmente la mexicana, ha crecido con la ideología de que aquello que debería dar miedo son X ó Y cosas, y si una u otra no aparecen en una película entonces ésa película es «mala», «decepcionante» y, la mejor, «no da miedo». Enmarque esas palabras entre comillas debido a que cada persona las usa y refiere muy indistintamente una de la otra. Lo que para mí puede resultar bueno para otra persona puede resultar malo. Y está bien. Pero eso si, debes dar tus argumentos.

The Babadook no es una película de terror u horror convencional o que provoque miedo como tal, al menos no ese miedo que te hace no poder conciliar el sueño por tres días. No, es algo que va más allá. Algo más real. Y es ahí donde radica su encanto. La historia es muy simple: una madre y su hijo no llevan la mejor de las vidas posibles, ni mucho menos una sana relación madre-hijo. Por un lado el niño sufre de un cambio marcado de actitud que lo hace ser señalado y discriminado por la sociedad, así como sus maestros y compañeros de clases; la madre, por otro lado, sufre de depresión, misma que surgió ante la muerte de su esposo (murió de camino al hospital cuando ella iba a dar a luz), hecho que de alguna manera la hace a ella odiar a su hijo. Mientras ella se sumerge poco a poco en el abismo de la depresión, su hijo empieza a balbucear y sugerir que hay un monstruo que lo acecha en su dormitorio y en su casa. Avanzada la trama, el mismo niño encuentra un libro infantil llamado The Babadook que por arte de magia simplemente apareció en su cuarto. Haciendo caso omiso de tan extraño suceso , la madre toma el libro y por deseo de su hijo comienza a leerlo. Es a partir de este punto que empezaran a ocurrir cosas muy extrañas en la casa y sobretodo, con la madre misma.

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Uno de los problemas más grandes para ver este película, yo diría el más grande, es que los medios de comunicación así como diversas personas relacionadas con el cine la han catalogada como una de las mejores películas de terror en años, inclusive muchos la han puesto por encima de El exorcista. Esas opiniones hacen que tú, psicológicamente, te fabriques una idea de lo que vas a ver y si resulta que no es lo que te vendieron, pues es evidente que salgas enojado y/o estafado. Eso fue lo que sucedió con The Babadook. Y si aún no la has visto, te recomiendo que la veas con la mente abierta. No la juzgues tan apresuradamente, disfrútala.

Entonces, ¿es The Babadook una película decepcionante y que no da miedo? No, aunque si representa un serio desafío para el que la pretenda visionar. La directora nos ofrece un terror disfrazado inteligentemente con tintes paranormales y fantasiosos, pero en el trasfondo nos oculta algo muy real, una enfermedad humana muy temida: la depresión. Es a partir de ahí que los sucesos que vemos en pantalla van a potencializar las consecuencias de esta enfermedad y el cómo puede destruir a tus seres queridos. Por lo tanto, no hay ni maldición alguna, ni un libro maldito, ni mucho menos un demonio y/o espíritu que desea poseer a su hijo o a ella misma; no, todo radica en su mente. Es por ello que muchas personas puedan sentirse decepcionadas y estafadas, más esto no da derecho de menospreciar una propuesta fresca y muy convincente de que el verdadero horror se encuentra dentro de nosotros.

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La actriz protagónica (Essie Davis, brutal) así como su hijo (un formidable Noah Wiseman) son los únicos personajes que la historia necesita para infundir miedo en el espectador y en la narrativa que Kent ofrece, no hay nada más y tampoco se echa de menos. Estamos ante una historia de terror en el sentido de que una esposa ha caído en una terrible enfermedad y ante su demencia ve como una solución real y posible el asesinar a su propio hijo y a todos aquellos que se le pongan enfrente. Fueron estos elementos los que hicieron que la película fuera adorada por la crítica y odiada por el público, pues como ya lo he manifestado con anterioridad, hubo un malentendido gigantesco. Pero como también lo dije, eso no te da derecho de dejar de emitir un juicio objetivo y con fundamentos ante el portentoso aporte que Kent hizo en el género del terror, mezclando elementos fantasiosos para darle un mayor impacto a una historia muy simple en contenido pero brutal en alcances de forma y desarrollo. The Babadook es una recomendable opción que les ofrezco para empezar este mes.