diciembre 2015

Mi mundo Star Wars

El vivir en la frontera trae ciertos beneficios, y uno de ellos era ver Star Wars en televisión abierta. A cada rato pasaban la que ahora se conoce como Episodio IV, en un canal de esos pobretones que transmitía programación de infocomercial y si tenia suerte Xena. Entre cambio de canales, un día encuentro un Luke Skywaker en medio del desierto manejando el vehículo que flota al raz del suelo. Por supuesto, que uno de niño le provoca curiosidad ver tal artefacto, y por lo tanto no dejas de mirar atento a pesar de que no comprendes lo que sucede.

Hay que ser sinceros. Si alguien comienza por mostrarte Episodio IV sin conocer nada al respecto, ¿acaso le entiendes? Es inevitable esa confusión de los primeros minutos al ver un hombre vestido todo de negro, con mascara extraña y con una voz de victima atrapada en pozo. Luego el shock traumático de la heroica dama con peinado de albóndigas que te hace pensar que definitivamente no estas en esta galaxia. La única advertencia que existe para la experiencia que es Star Wars, son las icónicas letras amarillas informando vagamente lo que sucede y de todas formas no me sentía satisfecho.

Episodio IV

En la actualidad la cultura popular esta tan permeada por el universo de George Lucas, que es una anomalía encontrar a alguien que no haya al menos escuchado de tales películas. Se ha vuelto un referente y hasta obligación el ver la saga. Pero yo en mi infancia, ni sabia que existía tal cosa. Esas breves escenas que vi en la televisión fueron suficientes para atraparme. Fue algo increíble. Jamás había sentido tanta fascinación que se puede comparar a un trance hipnótico.

Aún con todo y la filosofía de la fuerza, o que Obi Wan Kenobi no dejase de hablar, yo seguía atento. No me importaba el destino, los pocos minutos con estos personajes fueron suficientes para seguirlos a donde fuese. En teoría esto no debía de funcionar, sin embargo algo te atrapa, y para mi el momento donde me enamore por completo de la saga fue cuando Luke miraba el atardecer de los dos soles en Tatooine con la excelsa banda sonora de John William.

Sin internet, ni bibliotecas cercanas, me era difícil saber que existían secuelas de Star Wars. Bueno, ni a videocassetera llegaba. Fue hace fue un par de años después que con esfuerzos se adquirió el templo a la reproducción en baja definición, cuando en una visita al videoclub me encuentro con la caratula de Darth Vader y ya se imaginaran que mi corazón creció más que el Grinch en Navidad.

EpisodioV

Mirar las primera imágenes del ‘Imperio Contraataca’ fue como el ‘Bucket Challenge’, pero de emoción.  Mis ojos no podían creer los monstruos mecánicos en medio de la tundra del planeta de Hoth, ni mucho menos los retos que nuestros héroes tenían que superar.

La transcendencia llegó con la revelación del parentesco de Luke en una escena que hasta hoy es parodiada, y que en la actualidad si trataran de recrear con seriedad tal escena, seria prácticamente una burla. Desde entonces ‘Contraataca’ se volvió un clásico que hasta la fecha se utiliza como medida para comparar secuelas.

Es que este segundo filme de la saga trajo tantas cosas nuevas, emocionantes y cautivadoras al mundo Star Wars, que cualquier expectativa que tuviera era poco comparado a lo que nos ofrece.

Para mi, el terminar la película con tan oscuro destino de Han Solo, casi me infartaba. No puedo imaginar quienes esperaron años para ver la continuación, yo por fortuna tenía el videocassette a la mano. Lástima que el VI capítulo sea un escalón abajo y digamos que un aviso a los rellenos de película que sufriríamos años después.

La solución al dilema de Han fue de lo poco rescatable que tiene esta secuela, para después que soportar un largo letargo de aventuras con monos enanos. No me voy hacer el inocente. Conozco la intención de George Lucas hacia el público infantil, y el mismo ha reclamado la falta de inocencia para aceptar sus creaciones, pero se vuelve insoportable tanto tiempo para llegar a una batalla final, que das gracias que puedas adelantar al momento del clímax.

Episodio VI

El valor del ‘Retorno del Jedi’ radica en la lucha final que tiene Darth Vader y Luke, incluyendo el emperador que prácticamente es publicidad para pasta de dientes por su constante sonrisa. Lo demás es relleno, incluyendo los lazos familiares de Luke con Leia , además del enlace matrimonial con Han Solo.

Para mi fortuna, no tuve que esperar mucho tiempo para ver el tan publicitado Episodio I, si acaso espere un año para ver los inicios del trágico hombre seducido por el lado oscuro de la fuerza. Y haya voy al cine, con hasta sonido THX, la pantalla más grande, y pues el resultado todos lo saben: es una lucha constante para no dormir, es un reto, una especie de prueba para los verdaderos fanáticos. ¡Que aburrimiento!

Por cierto, ni para que hablar de Jar Jar. Es inútil. Sería una purga innecesaria de todos mis adjetivos negativos para ese ser que hasta la fecha marca nuestras mentes.

Episodio II intenta lograr aumentar la adrenalina con batallas extensas de efectos visuales, la lucha de espadas de Yoda que no sabes si reír o sorprenderte, pero de todas formas no sientes que fuera Star Wars. Es como una versión alterna en donde me obligan a aceptar que esto es el mismo universo que aprendía a querer.

precuelas Star Wars

Después de dos películas innecesarias, es que llegamos al momento cumbre donde por fin vemos la conversión de Anakin Skywalker en Darth Vader. Con todo y excesos en efectos visuales, diálogos patéticos, y actuaciones inconsistentes; el gran misterio es revelado. La conexión con la trilogía principal se establece y pues aquí se supone que termina todo.

Como verán mi mundo Star Wars es de altibajos, uno donde el amor prevalece a pesar de que su mismo creador casi aniquila. Respeto el ingenio, el riesgo y hasta la valentía que tuvo George Lucas, en verdad, se merece un monumento. Se podía decir que fue un visionario que evidente fue apoyado por otros grandes talentos en crear la galaxia lejana.

Mientras me mantengo a la expectativa de lo que Disney nos pueda ofrecer, y que en mi opinión considero innecesario, no dejaré de querer una obra que desafió expectativas, pero sobre todo lo que mi pobre imaginación podía tan siquiera llegar a comprender. Solo por eso Star Wars jamás lo olvidaré.

James Bond, el espía por excelencia.

Hablar de James Bond es hablar quizás del padre de todas las películas de espías, del blockbuster antes de que Spielberg lo inventara, de la primera gran franquicia de la historia del cine, con más de 50 años de historia y con 24 películas al momento (incluyendo “Spectre”, a estrenarse próximamente). Es hablar de un personaje que ha marcado a varias generaciones de cinéfilos y que no parece tener fin. Conozco de gente que no tiene gusto por estas películas, pero sin duda alguna había que tenerle respeto, pues mantener a este personaje activo para el público que va cambiando con el paso del tiempo no debe ser cosa fácil.

He de admitir que, antes del 2015, nunca había visto ninguna película de James Bond. No sabría explicar cómo, pero jamás me llamaron la atención sus películas. Era consciente de su existencia, su popularidad y todo su historial, pero jamás me aproxime a ellos por curiosidad. No tenía planes de empezar a ver todas las películas……………..hasta que vi el casting que se tenía preparado ara “Spectre” y me entro la curiosidad; así que, en uno de mis retos más grandes que me he puesto en cines, dispuse a verme las 23 películas que se han estrenado en cine, desde “Dr. No” en 1962 hasta “Skyfall” en 2012.

Y ya que pude terminar de verlas, he de admitir que salí con una buena sensación al final, pues en general son películas con buena calidad, buenas actuaciones y buenas historias. Pero me sería muy difícil, por no decir imposible, dedicarle a cada película un artículo dado el limitado tiempo que suelo disponer. Pero no quise dejar fuera la posibilidad de dar mi opinión sobre esta franquicia y, animado por mi compañero Josh, he decidido hacer un artículo en el cual doy mi opinión sobre cada James Bond que hemos tenido en la pantalla grande y como ha cambiado el personaje para adaptarse a la época en donde se ubica.

Antes de empezar, debo aclarar que aquí solo se trata de mi opinión personal. Puede que mi opinión no coincida con la opinión que un fan de toda la vida podría tener sobre alguna etapa o que crean que estoy exagerando. Al final, es solo un sentir y no significa que yo tenga la última palabra. Ahora sí, sin más comenzamos:

01

Sean Connery, la introducción a la mitología.

En 1962 se estrenaría la primera película de la franquicia y la era Connery: “Dr. No”, película que mostraría los primeros trazos de cómo se llevaría la serie por años y presentó algunos elementos indispensables para futuras entregas. La era Connery incluye 7 películas: 5 consecutivas (“Dr. No”, ”From Russia With Love”,”Goldfinger”,”Thunderball” y «You Only Live Twice”), 1 regreso oficial (“Diamonds Are Forever”) y un regreso “no oficial” (“Never Say Never Again”), siendo esta ultima la única que no vi.

La era Connery puedo definirla como algo violenta, al menos para la época en que se maneja: tenemos a un James Bond matando a diestra y siniestra y que usa la violencia con tal de obtener la información que quiere, incluso con las mujeres en caso de ser necesario. Eso no le quita sus momentos elegantes a Connery, pero como dije el personaje si es un tanto violento (de nuevo, acorde a la época en donde se ubica).

Mi sentir con esta etapa fue algo incomodo: no por la violencia, sino por lo increíblemente anticuados que lucen algunos diálogos, escenas y escenarios en donde se desarrollan las películas. Salvo “From Russia With Love” y ”Goldfinger”, fue algo complicado ver estas entregas pues por momentos hubo una parte de mi que solo quería burlarse de lo viejo que se veía.

Sean Connery hace un excelente trabajo como un 007 brutal y elegante al mismo tiempo, llenando la pantalla en cada momento que aparece, pero James Bond no es el único personaje que destaca: en “From Russia With Love” se encuentra el jefe de los agentes británicos en Estambul Ali Kerim Bey, protagonizado por Pedro Armendáriz Sr., y como villano se encuentra un asesino de la organización Spectre Donald “Red” Grant, interpretado por Robert Shaw (así es, el Capitán Quint en “Jaws”); en Goldfinger tanto el villano como el secuaz son de lo más creativo en su momento: Auric Goldfinger, interpretado por Gert Fröbe y Oddjob, interpretado por Shirley Eaton.

Eso no significa que en las otras películas de su etapa no hubiera otros buenos personajes, pero a mi gusto quedan muy pálidos en comparativa a los mencionados; podría destacar a Akiko Wakabayashi, quien interpreta al agente Aki, quien apoya a Bond durante su aventura en “You Only Live Twice”; a Bruce Glover y Putter Smith como Mr. Wind y Mr. Kidd respectivamente, como los secuaces de Blofeld en “Diamonds Are Forever”; Joseph Wiseman como el Dr. No, el villano de la primer película; al personaje de Ernst Stavro Blofeld, el jefe de la organización criminal Spectre, interpretado por Anthony Dawson en “Thunderball”, Donald Pleasence en “You Only Live Twice”, Telly Savalas en “On Her Majesty’s Secret Service” (esto en la entrega de Lazenby) y Charles Gray en “Diamonds Are Forever” (el personaje como todavía tendría un cameo en el inicio de “For Your Eyes Only”, pero al parecer no es del todo reconocido); y, por supuesto, están las famosas chicas Bond cuya función, al principio de la franquicia, era ser el interés romántico de James (o por lo menos, el interés carnal del 007). Algunas tenían una función un poco más funcional que otras, pero estas no empezaron a cambiar si no hasta la llegada de Timothy Dalton al protagónico. Entre las destacadas se encuentran Ursula Andress como Honey Ryder en “Dr. No”, Daniela Bianchi como Tatiana Romanova en “From Russia With Love” y Honor Blackman como Pussy Galore en “Goldfinger”.

En fin, la era Connery se califica bastante bien, introduce bien al personaje, sus elementos y todas sus características y pone a Sean Connery como el 007 definitivo. Yo en lo personal disfruto de “From Russia With Love” y de “Goldfinger”, pero eso no le quita méritos a las demás entregas.

02

George Lazenby, la ingenuidad que acabo una carrera.

La primer salida de Connery como Bond se armo una polémica impresionante en su momento, pues la gente quería más del 007 y ante la negativa de Sean, se tuvo que hacer un casting. Y el elegido termino siendo el desconocido George Lazenby quien es, hasta la fecha, considerado como el más infame de todos los intérpretes de James Bond.

Los motivos abundan, pero en general atacan una actitud arrogante de parte de Lazenby y su constante intromisión en los asuntos personales de los demás actores. También se ataca a la intensidad con la que hacia las escenas de acción, donde llego a lesionar a varios dobles.

Pero el principal problema de Lazenby por la cual es considerado el más infame agente secreto es debido a su desempeño en “On Her Majesty’s Secret Service”. Mientras que en las escenas de acción Lazenby muestra un despliegue más salvaje que el propio Connery, donde falla es en lo interpretativo: hay simplemente escenas donde no te crees si actuación y terminas hasta burlándote del propio actor.

Pese a eso, Lazenby tenía preparado un contrato a su favor para continuar como James Bond por 7 anos mas, pero el actor decidió no continuar con el pape, en parte por la presión que vivió, en parte porque creyó que tendría mejores ofertas que Bond (ofertas que nunca llegaron), y “On Her Majesty’s Secret Service” quedo como su única película dentro de la franquicia. Y debo decir que, pese a Lazenby, “On Her Majesty’s Secret Service” se mantiene quizá como una de las mejores películas de la franquicia. Nos muestra a un Bond diferente, que sufre más de lo que está acostumbrado (el final es uno de los más trágicos en la franquicia), la acción es brutal (aquí Lazenby se desenvuelve en gran forma) y la historia es por demás interesante.

Aquí se vale destacar el papel de Diana Rigg como Tracy di Vicenzo, la chica Bond que consigue lo que hasta ahora ninguna ha logrado: domesticar al agente mujeriego. Con esto me imagino que ya deben de saber el trágico final que comente en el párrafo anterior. Quien brilla aquí también es Ilse Steppat como Irma Bunt, secuaz de Blofeld en esta ocasión.

La película, aun con sus virtudes, tuvo una recepción tibia en taquilla, y tras la salida de Lazenby, se termino por convencer a Connery de filmar una película más (“Diamonds Are Forever”), pero tras eso era el momento de elegir a un nuevo James Bond.

03

Roger Moore, la taquilla por encima de la calidad.

Roger Moore llego para interpretar a James en Bond en 1973, cuando se estrenó “Live and Let Die”. Hablando de solo películas oficiales, Moore es el que tiene la mayor cantidad de películas protagonizadas: 7 (“Live and Let Die”, ”The Man with the Golden Gun”, ”The Spy who Loved Me”, ”Moonraker”, ”For Your Eyes Only”, ”Octupussy” y ”A View to Kill”), y todas de manera consecutiva.

Si hay algo que noto en las películas de Moore es el bajón en la violencia o los temas que tocan sus películas; los productores, en su afán de expandir las audiencias de Bond, recuperar algo de las ganancias que no pudieron obtener con la película de Lazenby y viendo las ganancias que tuvieron don “Diamonds Are Forever”, decidieron bajarle el tono al 007, al grado de parecer comedia por momentos. Moore en muchas de sus películas luce siempre con una sonrisa, como dando a entender que no se estaba tomando en serio el papel.

Esto viene dejando varias opiniones encontradas: por un lado, logras presentar al 007 a una nueva generación que seguramente podría simpatizar con el personaje, también se pueden tener nuevas ideas al momento de crear las historias y Roger Moore, aun con todo y eso, logra derrochar carisma y no niegas que apoyas a su personaje; pero por otro lado, durante la película ocurren cosas por demás ridículas (autos avanzando a pesar de haber sido cortados por la mitad, mujeres cayendo en los brazos de Bond aun sin decir nada) y las historias se van reciclando de manera terrible, no sin mencionar que van copiando algunas películas populares del momento.

El principal problema de Moore fue que su era surgió justo en la etapa de los blockbusters, ya los nombres de Steven Spielberg y George Lucas abundaban por todos lados, y acostumbraron a sus audiencias a películas un tanto livianas en cuanto a contenido. Los productores tuvieron que adaptar a Bond a los tiempos que corrían y he ahí el cambio en el contenido. No es que suene mal eso, el detalle es que dan a entender que el publico tenia la razón y por ello la prioridad fue la taquilla por encima de la calidad: no importaba lo que pusieras en pantalla, sino lo ingresaba a los bolsillos, siendo “Moonraker” el punto de recaudación mal alto en su momento, pero también el punto más bajo en cuanto a calidad (algunos la nombran como James Bond conoce Star Wars).

En lo personal, solo puedo decir que disfruto de dos películas de la era Moore: “The Spy who Loved Me” y ”For Your Eyes Only”, donde Moore se topa con personajes mejor definidos y las historias, por muchos disparates que hagan, son interesantes y bien llevadas. Y de hecho, presenta un par de buenos personajes: Anya Amasova a.k.a. Agent Triple X , la espía rusa de la KGB que hace equipo Bond, interpretada por Barbara Bach en “The Spy who Loved Me”; y Mandíbulas, un ayudante de los villanos cuya característica es que sus dientes son de metal, interpretado por Richard Kiel en la misma película y en “Moonraker”.

También destacan en la era Moore: Solitaire, interpretada por Jane Seymour, la psíquica del villano de la película y el interés romántico del 007; Dr. Kananga, interpretado por Yaphet Kotto, líder de la mafia, ambos en “Live and Let Die”; Francisco Scaramanga y Nick Nack, villanos en la entrega “The Man with the Golden Gun”, interpretados por Christopher Lee y Herve Villechaizee; Mary Goodnight, la ayudante torpe de Bond en “The Man with the Golden Gun”, interpretada por Britt Eckland; Max Zorin, un psicópata que busca dominar en el mercado de los microchips, interpretado por Christopher Walken; y May Day, ayudante de Max Zorin, interpretada por “Grace Jones”.

La era Moore para mi es algo complicada debido al tono que decidieron darle a las películas, pero tiene sus fans y no niego que tiene las películas que disfrute;  pero la formula se desgastaba y Moore ya no podía continuar con el paquete por lo que llego la hora de volver a calzar a James.

04

Timothy Dalton, la franquicia en estado de coma.

Lo curioso de Timothy Dalton es que este fue el tercer intento que tuvo para convertirse en James Bond (ya antes había caído ante Connery y Moore) y ofrece bastantes resultados en cuanto a actuación, pero la taquilla no lo acompañó.

Como dije, la fórmula que utilizaron para Roger Moore poco a poco se había agotado y los productores, pese a eso, decidieron continuar con su uso, solo que ahora con un actor diferente. Se eligió a Timothy Dalton, quien le puso mucha seriedad a su trabajo, y eso término por incomodar a las audiencias, quienes no terminaron convencidos con el actor gales.

La era de Dalton compone un par de películas (“The Living Daylights” y ”Licence to Kill”), ninguna destacando en taquilla y dejando a Bond estancado por años, hasta la llegada de Pierce Brosnan. El problema de la era Dalton fue el mismo actor, pues al momento de interpretar a Bond en su primer película, tuvo que lidiar con un libreto lleno de comedia, típico de la era Moore pero a la que Dalton no estaba acostumbrado; y al momento de llegar a su segunda entrega, le pusieron una historia más acorde a Dalton, pero que la audiencia no identificaba y termino dándole la espalda al nuevo 007.

En lo personal disfrute de ambas películas, un poco más de la primera tal vez: Dalton es un 007 furioso, y despliega con buena altura sus líneas, las historias son interesantes (aun con sus detalles) y los personajes femeninos empezaban a tener una actitud más activa que con cualquiera de los Bond anteriores.

En esta etapa destacan: Maryam d’Abo, quien interpreta a Kara Milovy, en un principio la chica del villano, cuyo plan implica la utilización de armas brutales en áreas revolucionarias (“The Living Daylights”); Robert Davi, quien interpreta a Franz Sanchez, el narcotraficante más grande de Latinoamérica; Talisa Soto como Lupe Lamora, la novia de Franz Sanchez; y Carey Lowell como Pam Bouvier, quien ayuda a Bond en su misión (“Licence to Kill”). Cabe decir sobre “Licence to Kill” que parte de la película fue grabada en territorio mexicano y abundan muchas personalidades de la televisión, como Pedro Armendáriz JR, siguiendo el legado de su padre en aparecer en películas Bond (aunque en un papel muy pequeño), Claudio Brook, Jorge Russek, Sergio Corona y Humberto Elizondo.

Es una pena al final que Dalton no haya terminado por brillar, pero eso no le quita méritos a haber realizado un buen trabajo como Bond, aunque la taquilla haya dicho lo contrario.

05

Pierce Brosnan, el renacer del Fénix.

La salida de Dalton significo la pausa más larga que la franquicia había soportado, pues tuvieron que pasar 6 años para que se pudiera ver otra película del famoso agente en la pantalla grande. El tiempo debió haber servido para revisar que se podía hacer con el personaje, pues estaba claro que Bond estaba pasado de moda y las historias parecían muy anticuadas para la época actual. La Guerra Fría había terminado, dándole un golpe brutal al género de los espías en el cine por lo que había que trabajar en algo que reviviera el interés en la gente por el mítico 007.

Lo primer que se decidió hacer es darle más peso a las mujeres aquí; cierto, con Dalton ya habían empezado a tener peso, pero aquí tenían que ser más activas; y empezó todo bien con la elección de Judi Dench como la nueva jefa de Bond, a quien parece no tolerarle muchas de sus actitudes.

La llegada de Pierce Brosnan vino a darle una frescura al personaje que tanto necesitaba: Brosnan combina la ferocidad de Connery con la actitud socarrona de Moore, convirtiéndose para muchos en el Bond perfecto.

La era Brosnan abarca un total de 4 películas (“GoldenEye”, ”Tomorrow Never Dies”, ”The World Is Not Enough” y ”Die Another Day”), de las cuales puedo decir que las primeras tres están son intensas, divertidas y bastante innovadoras, mientras que la ultima abusa de homenajes ya que se festejaba el 40 aniversario de “Dr. No”.

La realidad disfrute bastante de esta etapa, de hecho las “GoldenEye” es de mis favoritas de la franquicia. Cuando empecé mi maratón de filmes de James Bond, esta era la etapa a la que más ansiaba llegar. Era la etapa que mas recodaba de mi infancia (por los anuncios principalmente), y quería ver qué fue lo que me perdí. Y vaya que me perdí bastante. Con Pierce Brosnan, los casos de James Bond se tornan interesantes y dan giros que a veces agarra a uno desprevenido, eso sin mencionar algunas escenas memorables, como ver a Bond manejar un tanque ruso en las calles de Moscú.

Entre los personajes destacables aquí estarían: Sean Bean como el Alec Trevelyan, el agente 006 en “GoldenEye”, un tanto desaprovechado como villano pero igual muy efectivo; Robbie Coltrane como Valentin Dmitrovich Ourumov, un ex-agente de la KGB convertido en gangster que apoya a Bond en algunos casos(“GoldenEye” y ”The World Is Not Enough”); Jonathan Pryce como Elliot Carver, un controlador de medios de comunicación que manipula la información a su antojo (“Tomorrow Never Dies”); Allan Cumming como Boris Grishenko, un programador de computadores aliado de Trevelyan (“GoldenEye”); y por supuesto, la colección de chicas Bond: en “GoldenEye” tenemos a Famke Jensen (así es, Jean Grey en las películas de X-Men) como Xenia Onatopp, una psicópata ayudante de Trevelyan con una inusual forma de matar; e Izabella Scorupco como Natalya Simonova, como otra programadora informática, indispensable para desactivar el programa GoldenEye; en “Tomorrow Never Dies” tenemos a Teri Hatcher como Paris Carver, esposa de Elliot Carver y ex-novia de James; Michelle Yeoh como la coronel Wai Lin, quien investiga a Carver y apoya a Bond; en “The World Is Not Enough”, esta Sophie Marceau como Elektra King, una dueña de petróleo; Denisse Richards como Christmas Jones, una física nuclear que estudia propiedad de King; y en “Die Another Day” están Halle Berry como Jynx, agente de la NSA que auxilia a Bond en el caso; y Rosamund Pike como Miranda Frost, una agente doble encargada de traicionar James.

“Die Another Day” marco el final de la era Brosnan, quien no acabo muy bien parado con los productores y volvió a nacer la tarea de encontrar un nuevo rostro para el 007, pero sin que sucumba a la enorme sombra que Pierce dejó.

06

Daniel Craig, la salvaje actualidad.

Cuando se anuncio en 2005 que Daniel Craig será el encargado de interpretar a James Bond en futuras adaptaciones del agente 007, tengo entendido que hubo gente (fans principalmente) que detesto la idea. La principal razón es porque Craig era feo (hombres fijándose en eso, que cosas), nada que ver con la imagen que muchos solían relacionar con el agente Bond, un carita que con un guiño tiene derritiendo a muchas chicas. Además, se trataba de un completo desconocido en el momento y había temores de que usaran a Bond solo como medio para buscar mejores ofertas, así como paso con Lazenby.

Los productores se mantuvieron firmes en sus decisiones, y Craig tuvo que aguantar la presión que fans y medios le imponían aunque por creíbles circunstancias, pues difícil superar una sombra tan grande como la que dejo Brosnan. Pero Craig se mantuvo firme y, ante lo sorpresa de propios y extraños, “Casino Royale” su primer película en 2006 se convirtió quizá en la mejor película de la franquicia y Craig se gano a la gente de manera instantánea, con el Bond más humano que se haya visto al momento. Difícil de creer que a este señor ya lo tenían muerto antes de empezar todo.

La era de Craig comprende hasta ahora 3 películas, con la cuarta a punto de estrenarse (“Casino Royale”, ”Quantum of Solace”, ”Skyfall” y ”Spectre”), todas con un formidable desempeño en taquilla y con una aceptación en general de la crítica, excepto por “Quantum of Solace”.

Algo que muchos podrían notar sobre la este James Bond (al menos en “Casino Royale”) es el tono un tanto realista que el filme parece tomar. Muchos dicen que toma como principal referencia a la saga de Jason Bourne para poner a este nuevo agente Bond, pero como no he visto esa saga (propósito en el 2016) no puedo juzgar. Mas sin embargo si tiene como referencia a la película “Batman Begins” de Chirstopher Nolan. Y es que en este filme, al igual que en la del encapotado de DC Comics, al personaje de Bond le quitan todos los elementos fantásticos que eran característicos de la serie (los gadgets, los planes raros, las superarmas, etc.) y en vez de eso, tenemos a un Bond con armas comunes y atacando a un villano con un plan meramente simple.

Me atrevería a mencionar que no he disfrutado de toda esta era de la misma forma en que disfrute de la era Brosnan, pero aun así me le he pasado de maravillas con la era Craig, quien me atrevo a pensar que poseen la mejor película de la franquicia en “Casino Royale”. Aquí tenemos a un Bond completamente diferente a cualquiera de los anteriores: este Bond es un asesino a sangre fría, la violencia que despliega es tremenda, pero también la humanidad que aparece con él; Craig es simplemente perfecto.

Entre los personajes principales podríamos destacar a Le Chiffre, un banquero que debe dinero a terroristas, interpretado por Mads Mikkelsen en “Casino Royale”; Felix Leiter, agente de la CIA que apoya a Bond, interpretado por Jeffrey Wright en “Casino Royale” y “Quantum of Solace”; Rene Mathis, contacto en las misiones de Bond, interpretado por Giancarlo Giannini en “Casino Royale” y “Quantum of Solace”; Raoul Silva, ex agente del MI6 y cyberterrorista, interpretado por Javier Bardem en “Skyfall”; “M”, la jefa de Bond en el MI6, interpretada por Judi Dench en las tres películas; incluso “Quantum of Solace” cuanta con la presencia del mexicano Joaquín Cosio y hasta Alfonso Cuaron y Guillermo del Toro contribuyeron un poco en la película. Entre las chicas bond, solo destacaría a dos: Vesper Lynd, tesorera de la agencia, interpretada por Eva Green (a mi gusto, la mejor chica Bond al momento) en “Casino Royale”; y Camille Montes, agente boliviana en busca de venganza por la muerte de sus padres, interpretada por Olga Kurylenko en “Quantum of Solace”. En esta misma película aparece también Gemma Arterton, como una agente de MI6 encargada de regresar a Bond a Inglaterra, pero su participación es completamente olvidable.

Este fin de semana se estrena “Spectre”, que aparenta ser la última película de Daniel Craig como el 007 y promete ser un espectáculo impresionante.

Conclusiones.

Con todo y defectos, James Bond es sin lugar una de las franquicias más rentables en la historia del cine y su secreto de cómo se ha mantenido en el gusto del público no es ningún misterioso: supo cómo adaptarse a las nuevas generaciones, supo cómo mantenerse a los tiempos que le tocaron, y les ha sacado el mayor provecho posible.

Esperemos que esta nueva aventura cumpla con las enormes expectativas que se le tienen y podamos disfrutar un episodio más de Bond, JAMES BOND.

 

Les dejo él un pequeño video tributo que se le hizo al personaje durante su 50 aniversario, con un el tema de fondo de “Casino Royale” (“You Know My Name”, de Chris Cornell) que he encontrado se encuentra muy infravalorado al lado de temas como el de “Skyfall”, “Goldfinger” y “GoldenEye”. Disfruten el video y digan sus comentarios.

Especial en Cinéfilo Criticón: ‘Star Wars: Episodios I-VI’

Como ustedes sabrán, a menos de que hayan vivido debajo de una piedra los últimos cuatro años, el próximo mes de diciembre llegará a los cines de todo el mundo (literal) la séptima entrega de la saga espacial creada por George Lucas en los años 70´s; si, nos referimos a Star Wars. Y no es una película cualquiera ni mucho menos. Para bien o para mal estamos hablando de la película más anticipada en la historia del cine. No es broma. Podrá ser un tremendo éxito o un estrepitoso fracaso, en cualquiera de los dos casos marcará un antes y un después en esa maquinaria gigantesca que es el séptimo arte. Al menos el comercial, el taquillero. Aquél que arrastra masas y genera ingresos monetarios inverosímiles. Star Wars es Star Wars y muchos serán testigos de un contraataque de marketing publicitario como nunca antes se ha visto. En ningún medio. No por nada se ha convertido, en poco menos de dos meses, en la película con mayor recaudación en preventas (para las entradas de medianoche).
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Se que mucha gente no ha visto Star Wars, o han visto únicamente las precuelas, y no sienten ese «amor» por la saga. Personalmente fui atrapado a una edad muy pequeña (mi hermana mayor era fanática) y desde entonces he sentido una terrible fascinación por todo lo que rodea al universo y a la mitología que Lucas creó y que con el paso del tiempo ha tenido un impacto profundo y trascendente en la cultura popular. Ríos de dinero han corrido en el nombre de Star Wars desde su estreno hasta nuestros días (libros, cómics, videojuegos, juguetes, accesorios de ropa, etc), y eso solo es una muestra del enorme cariño que millones de personas y generaciones (padres-hijos) han vivido y sufrido a lo largo de los años. Es por ello que en Cinéfilo Criticón nos hemos dado a la tarea de iniciar un breve, pero muy profundo, viaje crítico analizando las seis películas que componen la travesía de la familia Skywalker.

Por una parte me duele en el alma hacer una reseña de las temidas precuelas, debido principalmente a que destruyeron casi por completo el mito que se había formado con la saga, pero también es entendible incluirlas porque de una u otra forma componen la historia completa que Lucas quiso contar. Otra duda que igualmente me traía dolores de cabeza era el orden en el cual reseñaría las películas. Pensé seriamente iniciar con la trilogía original (Episodios IV, V y VI) para posteriormente sufrir las precuelas (Episodios I, II y III), pero luego caía en la razón de que debía ser en orden cronológico pues fue así como Lucas contempló su historia. Una tristeza a decir verdad pero es lo que hay.

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Así pues, acompañenos durante los próximos días hasta el 18 de diciembre revisionando las seis películas que componen una de las sagas fílmicas más queridas (y odiadas) en la historia del cine. En menos de un mes conoceremos si la larga espera que supone El Despertar de la Fuerza habrá valido la pena, sobretodo si tomamos en cuenta que hace diez años vimos en cines la última aventura que se desarrolló en una galaxia muy, muy lejana. Ojalá Daniel Fleetwood (el fan que falleció a causa de cáncer pero que pudo ver el Episodio VII) nos hubiese dicho si J.J. Abrams cumplió la titánica labor de volver a enamorar a millones de fans de la trilogía original y reivindicar a Lucas por el pecado tan grande que cometió en sus fallidas precuelas. Pronto lo sabremos. Lo que si es cierto es una cosa: Fleetwood se ha unido a la Fuerza y desde dónde se encuentre confiará en nosotros para ocupar una butaca el próximo 18 de diciembre y presenciar la película más importante de este siglo, o la más decepcionante.

Spectre. Daniel Craig contra los fantasmas del pasado Bond.

“Casino Royale” en 2006 significó un cambio de enormes proporciones para la franquicia de James Bond, pues la película tuvo un realismo que no se había visto en ninguna de las anteriores del 007: un Bond letal y frio al momento de asesinar, mujeres mucho más inteligentes e independientes, casos más realistas; “Casino Royale” fue sin lugar a dudas una película que pareciera que cambiaria las cosas alrededor de la franquicia.

Pero conforme las secuelas fueron pasando, el Bond/Craig poco a poco se había vuelto a meter a los viejos territorios que Connery, Lazenby, Moore, Dalton y Brosnan recorrieron en sus épocas. Poco a poco esos puntos que no entraron en “Casino Royale” se fueron presentando en “Quantum of Solace” y “Skyfall”, provocando opiniones divididas: los fans amaron volver poco a poco a esos elementos tan icónicos en la franquicia, mientras que otros, que se estrenaron con Craig (o que quedaron fascinados con su entrada la franquicia), como que detestaron varios de esos detalles. Con ese panorama en contra o a favor, “Spectre” llega para dividir aun más las aguas entre el público: hay quienes acabaron rendidos ante la película, pero hay quienes terminaron casi odiando lo que Sam Mendes presento en la gran pantalla.

Bond

Es difícil de saber por dónde empezar en esta película, pero creo que empezare con los aspectos positivos y lo primero que destaco son las actuaciones: para esta entrega del 007, nos encontramos quizá ante un enorme casting que desborda carisma a pesar de lo limitados que están sus personajes: Craig sigue demostrando que esta mas que completo para el papen de Bond, con un poco mas de humor muy al estilo de Connery;  Christoph Waltz se siente desaprovechado pero aun saca a flote su talento para destacar como el villano de la película; Ralph Fiennes, Ben Wishaw y Naomie Harris como M, Q y Moneypenny lucen bastante sólidos en sus escenas; y Lea Seydoux demuestra ser una buena chica Bond. También destaco aquí a Dave Bautista (Batista, ex luchador de la WWE) como Hinx, el asesino en turno de la película: es brutal, es callado y con él no se puede jugar sin salir lastimado.

La acción es bastante notable a mi parecer: cuando supe que habían grabado escenas en México (pagadas por el gobierno aparentemente), temía que fuese a ser una escena mal hecha, solo para atraer al público mexicano; y el resultado fue no solo una de las mejores escenas de toda la película, sino más bien una de las mejores escenas de toda la franquicia, haciendo una toma larga increíble apenas comenzando. El resto de la acción no está mal tampoco: la pelea en el tren entre Bond y Hinx es intensa, así como la escena en las montanas; y la pelea en el desierto del Sahara es intensa.

Spectre

Pero no todo lo que brilla es oro en esta entrega de James Bond. Aunque tiene un buen casting, la película comete un par de pecados: el primero es no darle un trato del todo bueno a los nuevos personajes, salvo a Bautista; Waltz logra sobresalir, pero más a su talento que al trato a su personaje que queda bastante a deber y Seydoux es solo un adorno para Craig; y el segundo pecado es el increíble desperdicio de Monica Bellucci. Voy a confesar que antes del 2015 mi conocimiento sobre el agente 007 y su enorme franquicia me era desconocida, pero al momento de saber Bellucci estaría aquí, fue cuando me decidí a ver todas las películas; y saber que todo lo visto fue solo para un cameo de 5 minutos (o menos) me parece insultante, para la enorme figura de la actriz.

La acción en un principio está bien, pero conforme avanza como que va perdiendo lógica (no fuerza), especialmente en sus últimos minutos, cuando la saga literalmente se adentra en terrenos dignos de la era Roger Moore.

lea

Pero en donde la película en verdad presenta sus fallas en con la historia, que es muy entretenida, pero hace huecos por doquier. Donde radican los problemas es con Spectre. La organización criminal enemiga de Bond por excelencia aunque tiene un plan bastante interesante, falla en su ejecución de manera tan lamentable, que uno se pregunta cómo es que Bond batallo tanto para poder detenerlos. Las conexiones que tratan de hacer con las películas anteriores también fallan; y la idea de emparentar a Bond con el líder de la organización no es mala, pero no siento que este del todo aprovechada.

No es mala “Spectre”, de hecho diría que es bastante recomendable (mas de lo que fue “Quantum of Solace” o incluso “Skyfall”), pero en verdad le hacía falta una repasada al guion, que por momentos quiere bordear lo ridículo, y eso afecta mucho la opinión; al final, no deja de ser una buena opción en la gran pantalla.

La Cumbre Escarlata. Del Toro reciclado.

Parece haber una maldición de Del Toro en el cine: una maldición con la que nació, una maldición de la que no puede huir, una maldición a la que no puede renunciar; una maldición que indica que, prácticamente, todas sus películas tiran a fracaso en taquilla, al menos en los Estados Unidos. Muchos a lo mejor no le toman importancia al asunto ya que mucha taquilla no implica calidad de la película (tan solo veamos las atrocidades de Michael Bay), pero importa cuando esto interrumpe futuros proyectos que, a la larga, podrían jamás darse.

Para Del Toro el fracaso taquillero de “La Cumbre Escarlata” en Estados Unidos no es el primero en su carrera, de hecho su anterior película, “Titanes del Pacifico”, se estrello espantosamente ante “Son como niños 2” de Adam Sandler y lo que evito la catástrofe fue la taquilla internacional; pero este punto negativo le ha impedido a Guillermo poder sacar proyectos que tiene planeados desde hace tiempo (“En las Montanas de la Locura”) o que los fans piden a gritos (“Hellboy 3”).

Pareja

Pero haciendo a un lado el desempeño en taquilla del filme, ¿este es bueno o malo? Diría que estamos a una película muy buena, pero que se queda corta en sus intenciones. Del Toro entrega otra película que visualmente es impresionante y hermosa, pero nos entrega una historia que el propio Guillermo ya nos ha entregado anteriormente, y los personajes no quedan del todo bien parados ante las intenciones que les pone el libreto.

En sí, “La Cumbre Escarlata” no deja de ser una versión más extendida y más cara de “El Espinazo del Diablo” también de Guillermo: otra vez tenemos espíritus que no buscan venganza sino justicia, nuevamente tenemos a una chica confundida con las acciones de los fantasmas, nuevamente vemos que la verdadera maldad viene de los humanos, y nuevamente tenemos un tétrico lugar donde se desarrolla la historia, y nuevamente tenemos un clímax extraño donde al final se hace justicia. Es “El Espinazo del Diablo”, solo con actores más famosos y con más presupuesto.

Esto en realidad no implica nada malo, después de todo “El Espinazo del Diablo” es una gran película de fantasmas, puede que de las mejores en su género, pero ahí también radica el problema principal: la película es vendida como una película de horror o terror, pero queda lejos de eso: tiene fantasmas, pero estos no actúan como seres malvados que buscan asustar a la victima (o lo que sea que los  fantasmas puedan hacerles a los humanos) sino que tratan de ayudar en la investigación de la protagonista sobre sus anfitriones. Así es, esto vendría siendo mas una película detectivesca, con elementos sobrenaturales de agregados; algo similar a lo que paso con “The Amazing Spiderman 2”, catalogada por muchos como una historia de amor, con Spiderman infiltrado.

Fantasma

En cuanto a actuaciones, la película tiene un cast bastante sólido: Tom Hiddleston (colgando un rato su disfraz de Loki), Jessica Chastain, Mia Wasikowska (mostrando buenas dotes de actuación antes de volver a transformarse en la Alicia sin gracia de Tim Burton), Charlie Hunnam (su reencuentro con Del Toro desde “Titanes del Pacifico”) y Jim Beaver; de sus eternos, solo Doug Jones regresa como uno de los fantasmas de la película, mientras Ron Pearlman brilla por su ausencia, cosa rara con Del Toro. Todos brindan buenas actuaciones y demuestras de que están hechos.

Si bien las actuaciones son buenas, los personajes no quedan del todo bien parados: el personaje de Charlie Hunnam demuestra porque es un buen médico, ya que su trabajo detectivesco es lamentable; la chica que interpreta Mia es una inepta de esas; pero lo peor lo cargan los villanos: tanto Hiddleston como Chastain están excelentes en sus interpretaciones, pero las intenciones aparentes de sus personajes son lamentables: ¿la creación de una maquina cualquiera implicaba tantas muertes? Si el dinero les preocupaba, pues ya habían encontrado varias veces la solución, solo para poder caer de nuevo en la idea de la maquina. Por muy simple que se veía el villano en “El Espinazo del Diablo”, al menos sus intenciones tenían más sentido que los de aquí.

Chastain

Además, está el caso de su relación con la casa, pues durante el tráiler Hiddleston habla como si hubiera una maldición, como si jamás pudiera abandonar la casa; pero en toda la película no hay un momento que indique que estén ligados a la casa permanentemente. No hay una maldición, no hay un don, no hay nada que los ligue, por lo que esta línea y la necedad de no irse de ahí me parece mala, más cuando esa casa parece hundirse a cada rato como el Titanic.

En general, no estamos ante una mala propuesta: la película tiene todos los atributos de Guillermo del Toro, pero también viene con nuevos defectos, siendo su mayor problema lo repetitivo que parece ser. Vale la pena echarle un vistazo, pero no esperen grandes sustos, solo buenos momentos.

‘Holocausto Caníbal’, atroz, desgarradora y (un poco) desagradable

Antes de comenzar este artículo quisiera pedir una disculpa pues me he retraso considerablemente en la periodicidad del ciclo de cine de terror, mismo que iba a comprender únicamente el mes de Octubre (por obvias razones) pero que ahora se ha extendido hasta Noviembre, mes en el cuál finalizará. La película que hoy nos ocupa es no solo una de las más controversiales de la historia del cine sino también un referente en el género found footage, mismo que popularizó El proyecto de la Bruja de Blair a finales de los años 90´s. Lo cierto es que ya antes otros cineastas y artistas (porque eso son) habían sembrado la bases narrativas para este tipo de relatos, siendo Holocausto Caníbal quizás la más importante de todas.

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La película dirigida por Ruggero Deodato es una producción italiana, hablada en inglés y ambientada en la selva de Colombia (si, así como leyeron). La idea del idioma se debió a que una película hablada en inglés es mucho mejor distribuida que una hablada en italiano o español. Es la verdad, ayer y hoy. En cuanto a que se consideré una película italiana se debe principalmente a que varios actores son en realidad de aquella nacionalidad y por fortuna dominaban a la perfección el idioma ingles, algo que Deodato agradeció eternamente. Pero ahora, centrándonos en el legado de ésta película, ¿es en realidad tan importante y trascendente como la historia la cataloga? ¿O es otra pérdida de tiempo ante una película que ha envejecido con el paso del tiempo? Me decanto por lo primero, definitivamente.

Holocausto caníbal está dividida en dos partes visiblemente interesantes: por un lado tenemos a un grupo de jóvenes cineastas que pretenden realizar un documental sobre el Amazonas y diversas tribus que ahí habitan y que han sido presuntamente catalogadas como caníbales; por otro lado, tenemos a un antropólogo (interpretado por Robert Kerman) que es enviado al mismo lugar donde fueron los jóvenes, esto debido a que los últimos han desaparecidos y se cree que han sido devorados por los caníbales, por ende Kerman se sumergirá en el corazón de la selva para descubrir de una vez por todas qué fue lo que pasó con los documentalistas.

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La primera parte de la película (la búsqueda de los documentalistas) no luce realmente como nada innovador ni tampoco aterrador, al contrario, parece algo muy genérico y ya visto con anterioridad en infinidad de películas salvo por un pequeño detalle que salta a la vista: la muerte real de un animal. Bueno, eso y la mutilación vaginal de una mujer provocada por una piedra en forma de pene. Pero vamos, no es algo tan horrible, al menos no de la forma en la que está filmada aunque si podría resultar algo incomodo y desagradable para aquellos de estomago sensible. Sin embargo, esos dos detalles que menciono son solamente el principio del verdadero horror que el filme trata y que aborda de una manera muy compleja e inteligente.

La cosa es así: los jóvenes han sido asesinados. El antropólogo encuentra el material fílmico que los cineastas grabaron y es en esta parte donde la verdadera película comienza, al menos aquella que trasciende. Resulta que los supuestos documentalistas eran en realidad una estafa, una mentira: manipulaban de manera despiadada los hechos y situaciones para su propio beneficio ( y por ende obtenían una mayor ganancia monetaria). Ahora, quizás muchos de ustedes se estén preguntando si esa no es la finalidad del documental, la de manipular la historia que el director quiere venderte. Por supuesto, pero nunca algo cómo lo que verán aquí. Deodato nos presenta finalmente la idea original de su película: la crueldad del hombre contra la naturaleza, incluidos animales y gente que la habitan. El hombre con poder, claro.

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Y es que Holocausto caníbal realmente va de eso: el ser humano y su despiadada naturaleza por destruir todo. Los jóvenes cineastas eran unos asesinos y despiadados infelices que mataron animales, violaron mujeres y quemaron aldeas de nativos, entre otras muchas cosas, todo esto con el fin de crear una historia «interesante» para poder vender en su documental. Y como justicia divina, adivinaron, son masacrados. Si eso no es venganza poética no sé cuál será. Y es que Deodato no se fue por el cliché clásico de «los pobres e inocentes jóvenes fueron asesinados por unos despiadados caníbales». Fue justamente lo contrario. Y con ello llegamos a la gran lección que la película y el director querían: ¿Quiénes son realmente los monstruos? Me queda claro que nosotros, gente civilizada, así nos llaman. Y a los nativos que viven en la selva casi desnudos les llamamos incivilizados y una potencial amenaza. Increíble.

En lo que respecta a controversias y demás circunstancias, hay unos puntos que deseo compartirles. En primer lugar está el evidente maltrato animal (se dice que siete animales fuesen asesinados). Es evidente la postura del director al morirse con la idea (una muy extremista) de lo salvajes y peligrosos que son los humanos y por ende matan todo a su paso, incluyendo tortugas, monos y demás criaturas indefensas. Pero también salta la duda razonable: ¿era necesario mostrarlo? Digo, mostrarlo así de crudo y literal. Bien pudieron usar efectos visuales o maquillaje, y de paso librarse de demandas judiciales. En Italia, Deodato fue citado por un juez para que explicará las fuertes imágenes que se mostraban en la película pues pensaban que se trataba de una cinta Snuff (muertes reales filmadas). Si bien las únicas muertes reales fueron de animales, tanto el juez como mucha gente por aquél entonces realmente creyó que los actores (los jóvenes documentalistas) y uno que otro nativo fueron asesinados en realidad. De ahí el impacto que tuvo la película aún hasta nuestros días. Realismo, así le dicen.

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En segundo lugar, retomando lo del párrafo anterior, podemos encontrarnos el otro tipo de abusos que trata el director: sexuales. Aquí no encuentro mayor problema, pero nunca falta alguien que se desgarre las vestiduras. Y es que los abusos explícitos que se pueden ver (violación, destrucción vaginal y hasta un pene cercenado) están bien fundamentados narrativamente y sirven para reforzar el impacto visual de la película. A diferencia de las muertes animales, que aún sigo pensando que pudieron haberse evitado, los crímenes sexuales lucen desgarradores y potencializan la crudeza que trataron de recrear. Es así pues que Holocausto caníbal se erige como una gran película del género del terror, concretamente del found footage, y que sirve de plataforma para que nuevos directores vean otras formas de contar una historia de humanidad y venganza. Si no la han visto, denle una oportunidad. Eso si, procuren que su madre no esté a mil kilómetros a la redonda.