Recomendaciones de Terror

Analizamos los clásicos del cine de terror y hacemos recomendaciones de aquellas dignas de un visionado.

‘Holocausto Caníbal’, atroz, desgarradora y (un poco) desagradable

Antes de comenzar este artículo quisiera pedir una disculpa pues me he retraso considerablemente en la periodicidad del ciclo de cine de terror, mismo que iba a comprender únicamente el mes de Octubre (por obvias razones) pero que ahora se ha extendido hasta Noviembre, mes en el cuál finalizará. La película que hoy nos ocupa es no solo una de las más controversiales de la historia del cine sino también un referente en el género found footage, mismo que popularizó El proyecto de la Bruja de Blair a finales de los años 90´s. Lo cierto es que ya antes otros cineastas y artistas (porque eso son) habían sembrado la bases narrativas para este tipo de relatos, siendo Holocausto Caníbal quizás la más importante de todas.

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La película dirigida por Ruggero Deodato es una producción italiana, hablada en inglés y ambientada en la selva de Colombia (si, así como leyeron). La idea del idioma se debió a que una película hablada en inglés es mucho mejor distribuida que una hablada en italiano o español. Es la verdad, ayer y hoy. En cuanto a que se consideré una película italiana se debe principalmente a que varios actores son en realidad de aquella nacionalidad y por fortuna dominaban a la perfección el idioma ingles, algo que Deodato agradeció eternamente. Pero ahora, centrándonos en el legado de ésta película, ¿es en realidad tan importante y trascendente como la historia la cataloga? ¿O es otra pérdida de tiempo ante una película que ha envejecido con el paso del tiempo? Me decanto por lo primero, definitivamente.

Holocausto caníbal está dividida en dos partes visiblemente interesantes: por un lado tenemos a un grupo de jóvenes cineastas que pretenden realizar un documental sobre el Amazonas y diversas tribus que ahí habitan y que han sido presuntamente catalogadas como caníbales; por otro lado, tenemos a un antropólogo (interpretado por Robert Kerman) que es enviado al mismo lugar donde fueron los jóvenes, esto debido a que los últimos han desaparecidos y se cree que han sido devorados por los caníbales, por ende Kerman se sumergirá en el corazón de la selva para descubrir de una vez por todas qué fue lo que pasó con los documentalistas.

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La primera parte de la película (la búsqueda de los documentalistas) no luce realmente como nada innovador ni tampoco aterrador, al contrario, parece algo muy genérico y ya visto con anterioridad en infinidad de películas salvo por un pequeño detalle que salta a la vista: la muerte real de un animal. Bueno, eso y la mutilación vaginal de una mujer provocada por una piedra en forma de pene. Pero vamos, no es algo tan horrible, al menos no de la forma en la que está filmada aunque si podría resultar algo incomodo y desagradable para aquellos de estomago sensible. Sin embargo, esos dos detalles que menciono son solamente el principio del verdadero horror que el filme trata y que aborda de una manera muy compleja e inteligente.

La cosa es así: los jóvenes han sido asesinados. El antropólogo encuentra el material fílmico que los cineastas grabaron y es en esta parte donde la verdadera película comienza, al menos aquella que trasciende. Resulta que los supuestos documentalistas eran en realidad una estafa, una mentira: manipulaban de manera despiadada los hechos y situaciones para su propio beneficio ( y por ende obtenían una mayor ganancia monetaria). Ahora, quizás muchos de ustedes se estén preguntando si esa no es la finalidad del documental, la de manipular la historia que el director quiere venderte. Por supuesto, pero nunca algo cómo lo que verán aquí. Deodato nos presenta finalmente la idea original de su película: la crueldad del hombre contra la naturaleza, incluidos animales y gente que la habitan. El hombre con poder, claro.

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Y es que Holocausto caníbal realmente va de eso: el ser humano y su despiadada naturaleza por destruir todo. Los jóvenes cineastas eran unos asesinos y despiadados infelices que mataron animales, violaron mujeres y quemaron aldeas de nativos, entre otras muchas cosas, todo esto con el fin de crear una historia «interesante» para poder vender en su documental. Y como justicia divina, adivinaron, son masacrados. Si eso no es venganza poética no sé cuál será. Y es que Deodato no se fue por el cliché clásico de «los pobres e inocentes jóvenes fueron asesinados por unos despiadados caníbales». Fue justamente lo contrario. Y con ello llegamos a la gran lección que la película y el director querían: ¿Quiénes son realmente los monstruos? Me queda claro que nosotros, gente civilizada, así nos llaman. Y a los nativos que viven en la selva casi desnudos les llamamos incivilizados y una potencial amenaza. Increíble.

En lo que respecta a controversias y demás circunstancias, hay unos puntos que deseo compartirles. En primer lugar está el evidente maltrato animal (se dice que siete animales fuesen asesinados). Es evidente la postura del director al morirse con la idea (una muy extremista) de lo salvajes y peligrosos que son los humanos y por ende matan todo a su paso, incluyendo tortugas, monos y demás criaturas indefensas. Pero también salta la duda razonable: ¿era necesario mostrarlo? Digo, mostrarlo así de crudo y literal. Bien pudieron usar efectos visuales o maquillaje, y de paso librarse de demandas judiciales. En Italia, Deodato fue citado por un juez para que explicará las fuertes imágenes que se mostraban en la película pues pensaban que se trataba de una cinta Snuff (muertes reales filmadas). Si bien las únicas muertes reales fueron de animales, tanto el juez como mucha gente por aquél entonces realmente creyó que los actores (los jóvenes documentalistas) y uno que otro nativo fueron asesinados en realidad. De ahí el impacto que tuvo la película aún hasta nuestros días. Realismo, así le dicen.

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En segundo lugar, retomando lo del párrafo anterior, podemos encontrarnos el otro tipo de abusos que trata el director: sexuales. Aquí no encuentro mayor problema, pero nunca falta alguien que se desgarre las vestiduras. Y es que los abusos explícitos que se pueden ver (violación, destrucción vaginal y hasta un pene cercenado) están bien fundamentados narrativamente y sirven para reforzar el impacto visual de la película. A diferencia de las muertes animales, que aún sigo pensando que pudieron haberse evitado, los crímenes sexuales lucen desgarradores y potencializan la crudeza que trataron de recrear. Es así pues que Holocausto caníbal se erige como una gran película del género del terror, concretamente del found footage, y que sirve de plataforma para que nuevos directores vean otras formas de contar una historia de humanidad y venganza. Si no la han visto, denle una oportunidad. Eso si, procuren que su madre no esté a mil kilómetros a la redonda.

Halloween (1978). La evolución del filme slasher

‘Halloween’, del aclamado director John Carpenter, es fundamental para entender el género ‘slasher’ que en la actualidad abunda en cartelera. Hace un buen número de años se consideraba un riesgo financiar este tipo de filmes, o tan siquiera estar involucrado porque portaría el estigma de crear basura de mal gusto. Hoy se ha convertido en un género que tiene su sitio asegurado como el más rentable, seguro y en algunos casos hasta respetado gracias a películas pioneras como esta misma.

Por lo general, una película tarda en reclamar respeto, pero esta vez, el impacto inicial llega en los primeros minutos cuando marca nuestras mentes con la imagen de un niño de seis años disfrazado con un traje de payaso y perpetuando el acto innombrable como es asesinar a su propia hermana. El estilo, la forma y la innovación de ver la acción dentro de la mascara del asesino es lo que convierte tal momento en icónico y que marca un precedente en el género.

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Sin saber nada al respecto de ‘Halloween’, de inmediato me hizo recordar a ‘Psycho’ de Alfred Hitchcock, en especial la forma en como el asesino mantiene el arma para crear un suspenso que tiene su clímax en una imagen que lacera la mente; es indudablemente de tal escuela. Carpenter inclusive en entrevistas no oculta su inspiración y hasta se podía haber catalogado como plagio, si no fuera porque evoluciona el terror a niveles que en la actualidad esta presente en el cine como una fórmula desgastada.

Después de varios años en donde el niño llamado Michael Myers es educado en el arte de la sanidad dentro de un centro psiquiátrico -lamentablemente sin mucho éxito-, logra escaparse gracias a la ayuda de una enfermera muy asustada como para detenerlo.  Y como hay que darle significado a esta aventura, resulta que los tiempos no pudieron ser mejores que en vísperas de Halloween. Otros directores y guionistas nos hubieran ofrecido los detalles del escape, pero prefiero la sencillez de ver a una enfermera gritar ante un vidrio de auto roto. Eso, o simplemente las limitaciones económicas. Y eso no hay forma de como disfrazarlo.

Es evidente lo humilde que es la producción y que en buena medida Carpenter logra disfrazar con el uso inteligente de la cámara y mucha técnica lo que podría haber pasado como proyecto de estudiante de cine. Pero hay detalles como los efectos de sonido que delatan las condiciones austeras que debieron de haber superado. Y de todas formas, creo que es parte del encanto. No existe un aire de ser un producto artificial de Hollywood porque logra transmitir un horror sincero que lamentablemente podemos presenciar.

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Es después de la fuga de Myers cuando la película se dedica a desarrollar el personaje de Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) con todo y sus actividades cotidianas. Es cierto, que en la actualidad esto de ver como la adolescente conversa con su amiga mientras regresan de la escuela, resulta decadente ante una audiencia hambrienta de adrenalina, sin embargo, esto que podríamos llamar relleno tiene el objetivo de generar suspenso, miedo y que uno no puede poner en duda la recompensa en un tercer acto que es de pesadillas.

La forma en como se genera una tensión siempre presente de que Laurie es vigilada por una ente extraño, en donde solo su instinto logra ayudarla a mantenerla en constante vigilancia, es algo que se ha perdido y que se sacrifica por el impacto inmediato con herramientas como ver sangre, sonidos o efecto visual. La sencillez de nuevo se impone como un acierto y no tanto como un impedimento.

El desenlace es de lo más memorable y sobretodo por Curtis que trae a la mesa una vulnerabilidad apropiada a la edad del personaje, pero más por la astucia que demuestra al momento de sobrevivir. Un detalle es que a actriz tenga los pulmones para gritar de terror, y otra es que uno se lo crea, y vaya que esos instantes cuando Myers se enfoca en aniquilar a la niñera son emocionantes, llenos de adrenalina y suspenso.

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No se me puede olvidar la banda sonora que forma parte de otro ingrediente más de la fórmula de Hitchcock, y que bien muestra su modernidad al ser de tipo electrónico. Cada escena es magnificada con esa incesante melodía que alarma los sentidos.

Uno de los pocos detalles de los que pueda quejarme es de la explicación paranormal que ofrecen a la inmortalidad de Myers. Es cierto que el hombre resiste a los golpes y balazos como un ente fuera de este mundo, pero eso de catalogarlo como el «Bogeyman», pues pierde algo de seriedad y hasta me ocasionó risa. Es algo menor, que de seguro es magnificado en las secuelas a las que por lo visto tengo ver.

Mientras me quedo con la grata experiencia que fue ‘Halloween’ como una de las películas que marcó el camino a un género que permanece a nuestros días.

El Ente. La película que asustó a Scorsese

El Ente es una película de horror diferente. No es la típica película de fantasmas que solo buscan venganza o muerte y que provocan terror en el espectador. Más bien, es una película donde el fantasma solo se ubica con la familia para atormentar. Es una película que más que asustar al espectador, lo pone un tanto intranquilo y es algo difícil de creer.

La historia nos habla sobre una familia compuesta por una madre y sus 3 hijos que, inesperadamente, son acosados por una entidad que solo busca violar a la madre. En un principio ella cree que fue atacada por una persona, mas no logra encontrar a nadie. Pero la entidad vuelve al ataque, por lo que la madre busca hacer lo posible con tal de librarse de eso, antes de que ocurran acciones más lamentables.

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El primer punto que vale la pena destacar de la película es la dirección de Sidney J. Furie quien, sin contar con un presupuesto grande, se las apaña para crear un ambiente misterioso y terrorífico al mismo tiempo: las escenas en la casa mientras el ente ataca son de mucha tensión y podría provocar algunos sustos entre la gente, como dice el titulo el propio Scorsese la considera como una de las películas más terroríficas jamás hechas. En lo personal no encuentro a la entrega muy tenebrosa, de hecho más que considerarla como una película de terror, la veo más como una de ciencia ficción dado que durante la película se habla más de dimensiones paralelas que sobre fantasmas. Eso no quita que el filme tenga momentos muy espeluznantes (la violación para la madre ante los ojos de su prometido es brutal), pero veo más este filme como uno de misterio que de horror.

Otro punto a destacar aquí es sin duda las actuaciones, particularmente de Barbara Hershey como Carla Moran, la victima del ente; habría que echarle un vistazo a su actuación, ya que es sencillamente perfecta: el tener que interpretar a una mujer violada por algo que no puede ver debió ser un gran reto y lo resuelve de gran forma. Además de eso, lidiar con ser una mujer a la que se niegan creerle lo que le está sucediendo (de hecho, en un principio ni ella se lo cree) y que todos los doctores parecen dar por sentado que su pasado conflictivo la está llevando a eso.

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El resto de los actores está bastante bien, destacando Ron Silver como el Dr. Phil Sneiderman como el psicólogo de Carla, quien en un principio quiere creerle la historia que cuenta, pero que sus conocimientos médicos y las advertencias de sus colegas le hacen dudar de esto.

La música de Charles Bernstein y la cinematografía de Stephen H. Burum también ayudan a crear en enorme ambiente de suspenso, especialmente todas las escenas en la casa, donde ocurren la mayoría de los momentos de mayor tensión.

Hay muchas escenas memorables, pero el ataque a Carla por parte del ente mientras su prometido se queda boquiabierto viendo lo que ocurre es sin lugar a dudas de los mejor en esta película.

Ahora, si hay un punto de la película que se me hace un poco extraño es al momento de ingresar los doctores paranormales al asunto. No porque sea malo o se sienta fuera de lugar, sino porque se siente diferente a lo que se maneja normalmente en estos asuntos. Aquí no hay rituales, o amuletos anti monstruos, ni siquiera hay una historia de fondo para este ente; más bien, hay un desarrollo científico sobre como poder derrotar a este ente o por lo menos averiguar cómo detenerlo. Por eso mi mención a que esto no era una película de terror para mi, si no una de ciencia ficción. Mas que aterrarme ante la situación, me animo a saber cómo detener algo que no pueden ver.

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Sobre el final, también es algo que se siente diferente: es un final pesimista, pero no de los que nos acostumbra el cine de terror normal. Es más bien, como si internamente el personaje de Carla hubiera hecho un trato con el ente, quien nunca abandona a la familia. Es pesimista, pero se siente de una manera muy diferente a lo acostumbrado.

Martin Scorsese colocó esta película como una de mas aterradoras que ha visto en su vida. A mí no me pareció así, pero si puedo entender el porqué. Si ustedes les interesan saber los motivos, les recomiendo bastante verla ya que, incluso si no la encuentran aterradora, es un interesante proyecto que merece mejor atención.

‘The Loved Ones’, la princesa que soñaba con el amor

Cuando escribí el artículo sobre The Babadook les mencione en reiteradas ocasiones que hay una nueva corriente independiente que está sacando a flote proyectos muy interesantes concernientes al género del terror y el horror. Eso es una alegría. Debido a que Hollywood y las grandes compañías fílmicas suelen seguir una fórmula ya establecida, el público ya ha empezado a cansarse y busca nuevos desafíos, nuevos horizontes y nuevas ideas. Es ahí donde cintas como The Babadook y la que ahora les compartiré, The Loved Ones, entran en acción para el goce total de los fans del género y para los amantes del cine como tal.

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Si bien es cierto que el presupuesto que ostenta The Loved Ones es algo alto para considerarla como una película pequeña o independiente (se estima que costó alrededor de 4 millones de dolares), las formas en cómo está filmada y el poco conocimiento que tiene el público de su existencia si la vuelven partícipe del selecto grupo de películas de culto del género del terror. Tal es así que en pocos países pudo tener una proyección comercial; su éxito radicó principalmente en exhibirse en festivales alrededor del mundo. Una lástima pues creó que estamos ante un relato muy realista y escalofriante sobre la malinterpretación del amor y el desbordamiento de la obsesión más enfermiza para encontrar la propia felicidad y el goce físico y espiritual. Pero vayamos por partes.

La historia que Sean Byrne nos cuenta (director y guionista) es muy simple, diría que demasiado pero es ahí donde radica su encanto. Byrne da pocos detalles sobre la atmósfera de la historia, inclusive nunca sabemos ni el año en que estamos ni mucho menos la ciudad (es probable que sea alguna zona rural de Australia) y ni falta que hace. La verdad. La historia no indaga en profundizar ni el contexto ni tampoco el trasfondo emocional y narrativo que tienen los personajes que vemos en pantalla, incluido el protagonista (Xavier Samuel). La película abre con un plano de una carretera y hay un vehículo que la transita, el único, mismo que es conducido por el propio Brent (a quien da vida Xavier), el cual está prendiendo a manejar junto a su padre. Durante el viaje un accidente ocurre, ajeno a Brent, y su padre fallece, provocando con ello una sensación de culpa y odio en Brent que lo lleva hasta la posibilidad de suicidarse.

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El director va rápido. No indaga en las causas del accidente ni tampoco profundiza en la reacción inmediata, por el contrario nos lleva seis meses después del accidente para darnos cuenta que Brent está a punto de graduarse de la preparatoria e ir al baile de graduación. Es en ese momento que conocemos a una misteriosa chica llamada Lola (interpretada por una brutal Robin McLeavy) que intenta invitar al baile a Brent pero desafortunadamente es rechazada. De ahí en adelante las cosas se pondrán muy horripilantes, sobretodo para Brent y sus seres queridos. De ahí el titulo de la película. Lola no es la chica dulce ni linda que por segundos aparenta ser, no, muy lejos de la realidad de la sociedad, ella es posiblemente la encarnación del horror. Y es en ese punto que el director y la película como tal logran su cometido: dar miedo.

Ahora bien, en dos párrafos les presente la premisa del relato; la verdad es que la historia como tal es mucho más simple. No miento. Y ojo, eso no es malo, al menos no en este caso. La historia se desarrolla principalmente en dos vertientes: por un lado vemos el inminente secuestro de Brent por parte de Lola para hacerlo vivir un infierno; en segundo término tenemos al amigo de Brent yendo al baile de graduación con una chica que no sabemos muy bien (como espectador) qué se trae entre manos ni el por qué actúa de la forma en lo que hace. Parecieran dos historias muy separadas pero es agradable descubrir que conforme se llega al climáx de la historia las motivaciones personales de los personajes se entrelazan y adquieren un toque muy lógico y deprimente. Del mismo modo, aunque no lo resaltaría mucho, tenemos otra perspectiva alterna del relato el cual incluye a la madre de Brent y novia de éste tratando de averiguar dónde se encuentra. Más temprano que tarde la novia de Brent descubrirá el horror que le cayó a su novio.

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Lo realmente mágico, por llamarlo de alguna manera, de la historia y el manejo de acciones por parte del director es que se nota muy realista en el sentido de que lo que está ocurriendo realmente puede pasar y estoy seguro que pasó más veces de lo que las noticias se dieron cuenta. Una chica obsesionada con el amor (Lola), alejada de la civilización, con una relación incestuosa con su padre, con una idea enfermiza hacia los hombres y probablemente virgen, bueno, saquen ustedes sus conclusiones. ¿De qué puede ser capaz? ¿Asesinar? Claro, pero lo realmente divertido es: ¿cómo? Byrne retrata muy bien, apoyado por una magnífica actuación, la psicología de Lola y el cómo ve ella la sociedad y su propio mundo que ha creado donde ella es reina y soberana. Para ella no hay reglas ni mucho menos justicia, salvo la que ella creé conveniente. Es una princesa que ve lo incorrecto, lo imperdonable, lo restringido y lo abominable como meras palabras que le son ajenas. Tiene un serio problema y Brent lo descubrirá de una forma muy dolorosa.

Entonces, ¿por qué recomendarles esta interesante película? Muy fácil: es una visión jodida y realista de un asesino serial. En este caso de una adolescente. Una adolescente intoxicada por la creencia del amor y del príncipe azul pero que lejos de soñar con cuentos de Disney se enfoca en la distorsión de un ideal a conveniencia propia. En pocas palabras: conseguir lo que uno anhela sin importar las formas. Les recomendaría que traten de ver esta historia con una visión más allá de lo común, no traten de verla como una simple película sino como una infernal crítica social a un suceso terrible que no es tan imposible de que acontezca, muy por el contrario, yo diría que las cosas que ocurren en las zonas urbanas, lejos de la población y en varias partes del mundo son más horribles de lo que Byrne nos ha contado.

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Para los amantes del género del terror y de asesinos seriales, esta es su película. Denle un visionado y estoy seguro de que quedarán gratamente sorprendidos. Seguramente ya ha obtenido un estatus de culto y pueden encontrarla en tiendas digitales muy famosas como Amazon o Mixup, inclusive si navegan por el basto Internet, también. The Loved Ones es una refrescante propuesta del cine de terror que ya ha sido explota con anterioridad en otras historias, es cierto, pero nunca con la sencillez y realismo de ésta.

El Espinazo del Diablo. Fantasmas con Del Toro.

Hablar de Guillermo del Toro es quizás hablar del director mexicano más talentoso de la actualidad. Se trata de un hombre que produce lo que quiere aunque le tome mucho tiempo, y normalmente sale con resultados bastante positivos. Mucho se ha hablado en los últimos años sobre el trabajo de Alfonso Cuarón o de Alejandro González Iñárritu, pero del Toro es quizá quien ha creado más un clásico a futuro.

Pero lo cierto también es que del Toro ha tenido que batallar bastante al momento de hacer cine en territorio norteamericano, pues sus obras prácticamente reciben muy poca promoción, lo que convierte a sus obras en sendos fracasos en taquilla (en EUA “Titanes del Pacífico” se vio superada, increíblemente, por “Son como niños 2”). Y fue algo con lo que tuvo que convivir desde su primera película de producción estadounidense, “Mimic”, en 2001 que tuvo una buena  entre la crítica, pero que fracaso enormemente en las taquillas.

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Después de esa primera mala experiencia, el director mexicano se fue a España a trabajar en esta entrega que, a más de 15 años de haberse realizado, esta convertida en una de las mejores películas de fantasmas jamás hecha. Y es hecha con muy bajo presupuesto y con actores no muy reconocidos, salvo Eduardo Noriega. Pero el talento de del Toro pudo más que las limitantes y terminó sacando un pequeño clásico de la manga.

Y la verdad es que el seguimiento que la película ha recibido con el paso del tiempo es bastante bien merecido. Hay tantas que brillan en gran forma en esta película que es difícil saber por dónde empezar. Creo que su primera fortaleza viene en unas sólidas actuaciones: como dije, no se trata aquí de grandes nombres, sino de gente que sabe cómo hacer su trabajo bien. En especial destacaría a los niños de esta entrega que se sienten reales y no como si estuvieran leyendo carteles con sus frases.

La historia de fondo me agrada también y el enfoque que le dan a los fantasmas. Aquí no se trata de seres malos que matan a todos aquellos que osan estar en su morada (algo típico del género) o no se trata de fantasmitas amigables que solo quieren ser tus amigos. Se tratan de espíritus con más sed de justicia que de venganza y que tratan de comunicarse con los niños para tratar de dar a entender el mensaje.

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La cinematografía es otro gran elemento para la entrega; la película fue realizada en Madrid y el edificio donde fue filmado se muestra pacífica y terrorífica al mismo tiempo. La música y la edición también están en buen nivel, los diálogos inteligentes y en general todo ralla en un buen nivel.

Si hay un punto que le cuestionó a la película son las motivaciones del villano; no digo que Eduardo Noriega de una mala interpretación, pero las motivaciones de su personaje se sienten muy simples: estas en una Guerra Civil y es dinero por lo cual se armó todo el alboroto. Para acabarla, como que Guillermo quiso darle una historia de fondo para tratar de simpatizar con él, pero se siente muy rápido y ayuda en nada. Al final, incluso terminas detestándolo más.

Pero eso no quita méritos a una película que para del Toro, que venía de una mala experiencia, se recuperará; hoy en día la película todavía es bien recibida por la gente y no deja de ser considerada como un clásico en cuanto a películas de fantasmas. Y no dejaría de recomendárselas ampliamente, sobre todos si están más que dispuestos una película de fantasmas, pero con una propuesta totalmente diferente.

Viernes 13 (1980). Cuando mami se pone loca.

En 1960, Alfred Hitchcock levantó el escándalo entre las conservadoras audiencias norteamericanas con “Psicosis”, película considerada por muchos como la madre de toda película slasher, al menos para Hollywood. Su éxito y popularidad serían el ejemplo para la creación de otras películas del mismo género que se convertirían en franquicia, como “Masacre en Texas”, “Halloween”, “Pesadilla en la Calle del Infierno” y, por supuesto «Viernes 13».

Ciertamente se puede decir que cada una de estas películas aportó algo con el que se identificaría al genero slasher : “Masacre en Texas” aportó la idea de hacer de esto una franquicia, “Halloween” agregó la historia de fondo, “Pesadilla en la Calle del Infierno” agregó que puedes morir incluso en los sueños, y “Viernes 13” aporta ver las muertes desde el punto de vista del asesino. Todas estas películas, con el paso del tiempo, se ganaron el mote entre los fans de sus franquicias o del género.friday_the_13th_1980_8

Pero cuando me pongo a analizar de una manera fría, “Viernes 13” es la única película del género que se ha ganado el mote de clásico sin tenerlo del todo bien merecido. Los fans mas fuertes quizás aprecien esta película, pero a mi gusto es de todas las entregas mencionadas la más débil. Todo su aporte del punto de vista del villano no es más que la extensión de la secuencia inicial de “Halloween”, con un giro un tanto pésimo. Hay tantas cosas tan malas en esta película que es difícil empezar.

Quizá el problema más grave viene en las actuaciones: muchos de estos eran jóvenes buscando fama y obviamente elegirían cualquier película para empezar, pero las actuaciones que ofrecen son para lamentar. Se sienten tan falsas, tan poco naturales que podrían enfurecer a más de uno. Kevin Bacon, en uno de sus primeros trabajos como actor, esta increíblemente mal y tira a decir los peores diálogos del filme.

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Uno creería que la presencia de Betsy Palmer como Pamela Voorhees agregaría algo de calidad al asunto, pero lo cierto es que Betsy actúa incluso peor que los principiantes. Sus momentos como una mujer trastornada son lamentables y resulta poco creíble como la asesina en turno.

Si las actuaciones son malas, el otro problema de la película es que los personajes son pobres. Nunca llegas a tener simpatía por ninguno de ellos, al grado de que hasta te alegras de verlos morir. Quizás dándole crédito a la película, los estereotipos de personajes que interpretan los actores se convertirían en algo común dentro del género; pero mientras en otras entregas notas cierto esfuerzo de los actores por destacar, aquí ni siquiera eso.

La historia también tiene un montón de incoherencias que la hace ver mal: ¿cómo es posible que la asesina tenga muy buenas formas ante las víctimas, y con la última tenga tantos problemas? Tantos años existiendo ese campamento y sus problemas, ¿y nadie se ha parado a investigar que sucede? ¿Como es posible que el campamento siga sin terminarse y tienen tan poca gente trabajando con ellos?

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La pelea final entre la última sobreviviente y la asesina es el colmo de los ridículos. Al final uno se pregunta como la señora Voorhees, siendo como es, mato a los otros chavos. Betsy Palmer transmite pocas emociones al momento de pelear y, francamente, nunca llega algún momento donde en verdad me sentir tener cuidado.

Supongo que puedo mencionar algunos elementos destacables a favor, como los efectos especiales, algo avanzados para su tiempo; si, hoy lucen anticuados, pero ayudaron a crear cierto temor en su momento. Las muertes Bacon y su novia son algo memorables. Y la música no está mal, aunque por momentos pareciera copiarle a “Psicosis” e incluso a “Tiburón”. Y el final, podríamos decir que es memorable, pero carece de sentido a como se venía manejando el filme.

Es por eso que lo considero como un clásico forzado por los propios fans, pero “Viernes 13” no deja de ser un mal filme. Las secuelas, el crossover con Freddy Krueger y el remake del 2009 vendrían a mejorar un poco la situación a mi gusto, lo que la hace dejar muy mal parada esta entrega.