Animación

Cars 3, de intenciones no se vive

En 2006, cuando estábamos a la expectativa de ver una película con autos que hablan, nadie dudaba de la capacidad de Pixar para crear algo memorable. La audiencia como siempre respondió con una gran taquilla, pero por primera vez se tuvo el rechazo de la crítica que vio una baja de calidad en comparación a las historias que nos tenían acostumbrados. Luego para sorpresa de todos, se anuncia una secuela que nadie pidió, y que luego se puso en evidencia que fue realizada por chantaje comercial al haber sido adquiridos por Disney y obligados a generar harto dinero porque de todos los personajes (Wall-E, Up), nadie había vendido tanto como ‘Cars’. Ahora después de tanto tiempo, parece que los ejecutivos quienes vociferaban jamás realizar secuelas innecesarias, buscan redimirse con una tercera película que logre salvar el buen nombre de Pixar.

La trama narra el ocaso de la vida profesional del corredor Rayo McQueen.  Cierto que estamos hablando de carros que hablan, pero nunca se ha escondido la temática principal que es el de mostrar el espíritu sano de competencia. Repentinamente nuevos competidores jóvenes comienzan a poner en evidencia que Rayo MacQueen debe de pensar en el retiro, lógico que quiere seguir en la cima, hasta que en uno de sus intentos por lograr superar a su rival, comete un terrible error que termina en el choque impactante que tanto nos venden los tráilers. En teoría la premisa funciona porque va de acuerdo a la motivación de vida que tiene tu protagonista. Atrás por fin se quedan las tramas absurdas de conspiraciones ecológicas de la segunda parte y se regresa lo básico que es construir tu película alrededor de un Rayo McQueen que se enfrenta a enemigo del paso del tiempo.

Como es costumbre, se deben de agregar los personajes de comedia como Mate para alegrar el día. Me guste o no forman parte de la saga, además que no puedes eliminarlos de la noche a la mañana, sin terminar con explicaciones absurdas como que fueron secuestrados por extraterrestres. Sin embargo, para mi sorpresa, la mayoría del tiempo la absurda comedía se mantiene relegada en favor de mantener seriedad en la historia que se quiere contar.

El director Brian Fee, mantiene la mayoría del tiempo el control de una obra que se hubiera beneficiado del formato de cortometraje. Existen demasiados montajes de entrenamientos, escenas largas en una sola ubicación que no aportan demasiado, o visitas a lugares que pretenden crear nostalgia de una primera película que ya se olvidó. Por más esfuerzo que se hace para que fluya la película con naturalidad, no deja de sentirse como un gran relleno.

En mi ingenuidad llegue a pensar que Pixar daría importancia a este proyecto, pero al ceder el control al novato director Brian Fee, se confirma que esto es su vaca de hacer dinero. Cierto que esta vez el libreto tiene algo que ofrecer, más no se tiene la experiencia para que la obra trascienda. Claro ejemplo es como la falta de dramatismo merma demasiado a este filme, tanto que se hacen a un lado las consecuencias del aparatoso accidente que sufre Rayo McQueen y los hacen pasar como meros rasguños. Esta bien que sea una película infantil, más no puedes cometer el error de quitarle importancia a un evento clave en la vida de tu protagonista.

Es lamentable que el conflicto principal de decidir el futuro de Rayo McQueen en el circuito de carreras, sea decidido de tal forma que pase desapercibido. La elección de Cruz Ramírez como substituto femenino ocurre como una idea repentina. Con esto no quiero decir que no se haya justificado, después de todo tenemos toda una película que apunta a tal conclusión.  El error esta en la falta de emotividad. En donde debió de haber existido un gran montaje dramático que acentué el momento, en segundos regresamos a la gran carrera de autos porque se supone es lo que nos mantiene despiertos. De nada sirve presumir el realismo en el asfalto del circuito de carreras, cuando no eres sincero con tu protagonista para ofrecer una auténtica aventura que te haga sentir que valió la pena.

En lo general ‘Cars 3’ no es terrible, pero no quita del todo el mal sabor de boca de sus predecesoras. Tal y como llegó al cine como un producto para vender, nos deja con un filme que se dedicó ha intentar solucionar la falta de calidad en su historia, pero que no lo logra por la falta de capacidad y atención por parte de Pixar. Y eso no se vale.

Lego Batman. Ensamblando entretenimiento

La ‘Lego Película’ era una apuesta a la que muy pocos tenían fe; la publicidad, los tráilers, hasta el título de la película parecían una parodia de una idea llevada al extremo. Es por eso, que ni la casa productora tenía confianza, menos considerando que para Warner Brothers las películas de animación no necesariamente han sido éxitos en taquilla. Para evitar perdidas económicas la WB decidió asociarse con Village Roadshow Pictures para coproducir la película. Si no fuera suficiente, el estreno se programó en el pozo de perdición de febrero, todo con el fin de evitar un descalabro mayor. El resultado todos lo conocemos: La ‘Lego Película’ sorprendió al mundo con una historia llena de humor, colorido, demasiada creatividad, y sobretodas las cosas; mucho, mucho dinero.

Es así como tenemos ‘Lego Batman’, una película que nace del impacto que tuvó en la audiencia el caballero oscuro y que ahora tiene la responsabilidad de continuar el legado establecido por Phil Lord y Chris Miller, pero ahora de las manos del director Chris McKay, quien es conocido por su trabajo en el programa de televisión Robot Chicken. El resultado es un filme que logra satisfacer a la audiencia con lo básico del entrenimiento, más no logra ni igualar el legado de ‘La Lego Película’.

En tiempos donde el Batman oficial es aniquilado por tantos individuos que no tienen idea a donde llevar el personaje, la versión de juguete no se topa con tal dilema, y sin tapujos se dedica a divertirnos desde los primeros segundos de la cinta con todo lo absurdo que rodea a Batman: ridículos villanos, su obvia identidad secreta, la incompetente policía de ciudad Gótica, múltiples disfraces,  o el simple hecho que Bruce Wayne no ha podido superar el trauma de la perdida de sus padres; todo es motivo de burla y por lo tanto del interés del público adulto que disfrutará cada uno de los dilemas de un Batman suficientemente distinto a los tantos que conocemos.

Pero como es una película infantil, Bruce Wayne debe de aprender la valiosísima lección de volver a formar parte de una familia. La moraleja no brilla de originalidad si no fuera porque se trata de Batman y con ello los guionistas le agregan detalles que lo hacen ver único, le agregan algunos chistes afines a su personalidad, se burlan de su mitología, pero más de eso, no hay un análisis profundo que nos haga refleccionar. A lo mucho uno se tiene que conformar con los nuevos personajes que aparecen para acompañarlo en su aventura y esperar el inevitable desenlace en donde aprende su lección, porque no había de otra.

Este ‘Lego Batman’ al principio cuesta trabajo en aceptarlo. Aún cuando los chistes son constantes, muchos de ellos son tan rápidos que ni tiempo tienes de reaccionar. Además que no todos funcionan y se crean espacios donde nada más estas esperando la próxima sorpresa o de plano el cambio de escenografía. Es a la mitad del filme con un Guazón dispuesto a cruzar dimensiones y desatar el mal sobre el mundo de Lego Gótica, cuando la película logra una coherencia narrativa y no se dedica a lanzar chistes de cualquier cosa.

Con el solo objetivo de detener a los villanos es cuando el director director Chris McKay logra mantener un ritmo aceptable al inyectar grandes cantidad de creatividad a lo que podría haberse considerado una masiva explotación de basura plástica. Como si se tratara de un circo de tres pistas, hay tanto que ver en la pantalla que ni tiempo tienes de pensar. Así es, lejos de la trama, desarrollo de personajes o aspecto visual; lo mejor que tuvo que ofrecerme el filme fueron sus escenas frenéticas de acción.

El desenlace es predecible y no es requerido del uso de neuronas para conocer a donde nos lleva esta Lego aventura. No existe revelaciones sorpresa sobre la naturaleza del universo o motivos ultra secretos por el que existe este filme. En pocas palabras, nada que trascienda dentro de su género.

Es difícil superar a la ‘Lego Película’ porque nos engaño al hacernos creer que era entretenimiento desechable; cuando resultó todo lo contrario. Dentro de tanta locura esconde un mensaje de libertad, creatividad y sobretodo amor. Con ‘Lego Batman’ existe la herencia de creatividad, más no la ambición para lograr una historia diferente. Esta vez se queda en entretenimiento pasajero que al final del día solo sirve para rellenar referencias en Wikipedia.

‘Kubo y la búsqueda del samurái’, oda a la aventura

Tenía tiempo que no escribía una crítica fílmica, principalmente por qué no encontraba una excusa o una motivación para hacerla. Por petición de mi compañero Miguel, aún obstinado en argumentar que las películas de DC «no son tan malas», me he decidido a escribir las líneas que están leyendo debido a que se trataba de los estudios Laika, responsables de la película que nos ocupa, y de otras más que han tenido un éxito en taquilla y crítica moderadamente significativo. Pese a que no soy fan de Laika he de reconocer que son gente seria que se esfuerzan en entregar al publico un producto de calidad, al menos en el apartado técnico. ¿Narrativamente? No tanto.

     Kubo

Si has vivido debajo de una piedra la última década entonces no reconocerás títulos como CoralineParaNorman y Los Boxtrolls. De lo contrario es probable que las hayas visionado o al menos visto en cartelera. Todas ellas son responsables de los estudios de animación Laika, mismos que que se encargan de la difícil y hermosa técnica del stop-motion (consiste en darle movimiento a objetos inertes mediante la repetición). Si bien Coraline era un trabajo por encargo, sus siguientes proyectos fueron obras originales que posicionaron a Laika como un rival de animación muy serio para Diney-Pixar y DreamWorks. Sus historias eran muy irregulares pero la belleza visual dentro de éstas bastaba para satisfacer a la audiencia, misma que en su mayoría consistia en niños. Este año estrena Kubo and the Two Strings, título original que va más acorde con la idea general de la historia que al que le otorgaron en México. Pero bueno, pasemos a la crítica.

La película comienza de forma hipnotizante y magnífica, como las grandes historias de héroes deberían comenzar. Desafortunadamente son solo cinco minutos de magia. El resto del relato nunca llega a alcanzar el punto máximo que vimos en el inicio pero eso tampoco quiere decir que el viaje no valga la pena, todo lo contrario. No pienso soltar spoilers ni nada parecido, por ello trataré de mencionar solo puntos argumentales básicos que no les arruinarán la experiencia. Kubo es un pequeño niño que vive junto a su madre, en el interior de una cueva que yace en un risco frente al mar. Todos los días Kubo deja su hogar y va al pueblo más cercano para realizar un acto de magia con el que conseguirá dinero, y por ende comida, además de entablar amistades con los residentes que ahí habitan. Llegada la puesta de sol, el atardecer, Kubo regresa a su hogar donde su madre lo espera. Cabe mencionar que es solo en este momento del día en particular cuando la madre de Kubo parece despertar de un hechizo que la atormenta.

Kubo2

Conforme avanza la trama nos damos cuenta, como espectadores, que el abuelo de Kubo (por parte de su madre) es responsable de la muerte de su padre y del exilio de su madre, así mismo entenderemos que Kubo es un niño especial que guarda un extraordinario poder en sus ojos, mismo poder que busca con recelo su peligroso abuelo. Hasta aquí dejaré la trama pues lo mejor es que la disfruten sin saber prácticamente nada sobre los puntos claves del relato. Ahora bien, creo que he disfrutado Kubo debido a que es un gran homenaje a los héroes en lugar de una película satisfactoria. De hecho, no creo que sea una película memorable ni mucho menos pero vaya que está bien trabajada en el factor emocional y es ahí donde radica su gran valor.

Unos párrafos arriba comentaba sobre las obras anteriores de Laika, que tampoco es que sean muchas, y me quiero centrar en una de ellas en particular, sobretodo porque guarda muchas similitudes con Kubo. Esa película es ParaNorman. Para los que no la hayan visto básicamente guarda la misma premisa que Kubo: un niño con habilidades únicas que las utilizará en su viaje emocional para resolver el conflicto de la historia. En el caso de Norman, protagonista de ParaNorman, su habilidad es ver a los muertos y sobre ello se construye la historia de la película. Pero hay un pequeño detalle: el tercer acto de la película cambia drásticamente la estructura narrativa de la película, tanto que parece una historia completamente diferente. No se preocupen, no diré spoilers acá tampoco. Pero mi queja va más o menos con lo siguiente: en los estudios Laika se preocupan más por la apariencia visual y técnica de su película que por el guión . Y eso es un error muy grave.

Kubo3

¿Por qué menciono todo esto? Bueno, primero y principal porque deseo que Laika trabaje arduamente sobre ese terreno en particular, el guión. Se enfocan más en presumir la grandeza de su trabajo visual que descuidan la historia pensando que al ser dirigida a niños no importa. No es así. El público merece respeto y cuantas menos preguntas se formulen en su cabeza al terminar la proyección, mejor. Segundo, y no menos importante, el guión si importa, chicos. Por mucho que películas comerciales como Batman v Superman o Escuadrón Suicida insistan en que a las grandes masas le interesa solo la acción y el espectáculo, están equivocados. Es la historia junto a los personajes lo que hacen memorable y única a una película. Lo demás pasa a segundo término. Pero volvamos a Kubo, me he ido del tema. Una disculpa.

La comparación de ParaNorman con Kubo se debió a que ambas guardan el grave error de ocultar con su técnica visual los agujeros e incongruencias de la trama, machacando, de paso, lo que pudo haber sido una historia sumamente perfecta. A diferencia de ParaNormanKubo no sufre tanto sus carencias narrativas pues el director Travis Knight, quién es también el director de los estudios Laika, se transporta a las bases fundamentales del cine y de cualquier historia: corazón y humanidad. Y Kubo desborda ambas cosas por todo su metraje. Sobretodo la relación entre padres e hijos y el temor a ser olvidados. Es una película con un tema muy bello y que es respaldado por una hermosa puesta en escena, personajes inolvidables y un mensaje muy poderoso hacia su principal público: los niños.
Kubo4

No me malinterpreten. No odié la película ni tampoco guardo odio hacia Laika, así como tampoco amé Kudo, simplemente les he expuesto los tonos blancos y negros que caracterizan a un pequeño y humilde estudio de cine que si se propone mejorar en sus historias podría ser un serio contendiente para ser una agradable opción en cartelera y hacer frente a monstruos del marketing como lo son Disney-Pixar y DreamWorks. Nada me haría más feliz pero deben reflexionar algunas cuestiones. De momento espero que les vaya muy bien en taquilla, sobretodo en el marcado internacional donde no se encuentra ningún producto significativamente notable en estas fechas.

Volviendo a la experiencia que resulta la película como tal solo les diré que vale completamente su dinero y, más importante, su tiempo. Es una hermosa historia que conectará con el público pues pese a estar desarrollada en una cultura tan mística y antigua como la japonesa, el corazón de la historia se puede conectar con todo el mundo. Es una aventura fascinante que guarda su fuerza en homenajear y seguir al pie de la letra El héroe de las mil caras de Joseph Campbell , un libro que es la base fundamental para entender El viaje del héroe no solo en el cine sino en todo medio impreso, visual e incluso imaginario. Para los que estén familiarizados con el término seguro adoraran Kubo y la búsqueda del samurái. Para los demás, disfruten un brillante ejercicio técnico y visual sobre el héroe que todos llevamos dentro y sobre la importancia de la familia y los seres que amamos. No es perfecta pero vaya que es emocionante.

«Buscando a Dory», y la innovación de Pixar

Todo parecía indicar que Pixar se había recuperado. Con “Intensamente” como una de las mejores películas del 2015 (ganadora del Oscar a mejor filme animado en realidad y mi película favorita del año anterior de hecho) y con “Un Gran Dinosaurio” siendo una entrega decente (aunque algo decepcionante), uno pensaría que por fin habíamos recuperado a Pixar y que pronto volverían esas obras originales que convirtieron a esta marca en la dueña de la animación 3D; o si no, volverían con secuelas que estarían a la altura de sus obras originales como paso con la trilogía de “Toy Story”. Pero que equivocado puede estar uno.

“Buscando a Dory” ha sido enorme hit en la taquilla (es cuestión de días para que supere los mil millones de dólares a nivel mundial) y la crítica la aclama (95% con los respetados tomates); pero a mi gusto se trata solo de una secuela cumplidora, muy lejos de lo memorable que “Buscando a Nemo” llegó a ser. Mas que acercarse a la calidad que las secuelas de Woody y Buzz, “Buscando a Dory” hace equipo con “Monsters University” en el grupo de secuelas que no serán malas, pero que no le hacen justicia a las películas que continúan.

23436689

El problema principal que veo con la película es lo innecesaria de su existencia: a diferencia de la original del 2003, que nos llevó a explorar las profundidades del mar de una manera muy divertida y escalofriante, esta secuela del 2016 solo nos lleva a un acuario, que no es tan emocionante o divertido como quisieron vender. Mientras la anterior película teníamos a Marlin y Dory pasar a un barco hundido lleno de tiburones, a las fosas, a las corrientes marítimas, en zona pesquera y en la bahía, aquí es solo ver a Dory pasar de pecera en pecera sin que haya muchos cambios, salvo en nuevo pez con que se encuentre.

Los personajes principales también recaen en un problema: mientras que Dory aun sigue siendo un personaje algo divertido de ver, Marlin se convierte en un personaje odioso: cómo es posible que este personaje no haya aprendido nada en verdad de la aventura anterior, cuando el mensaje interno de la película pasada fue repetido hasta el cansancio. Pero si Marlin es odioso, Nemo es un caso aun peor: en la anterior película uno podía tolerarlo dado que el enfoque principal fue en su padre y Dory, pero aquí que ya lo tuvimos más tiempo en acción, en verdad resulta ser un estorbo. Está ahí para juzgar a su padre por el trato hacia Dory, y nada más. No aporta en verdad nada a la historia, no apoya en verdad en la búsqueda de su amiga. Si Marlin era innecesario, Nemo es incluso más innecesario.

Otro pecado con la película son los personajes secundarios: en la original del 2003 tuvimos demasiados personajes secundarios, pero memorables dentro de lo que cabe: los tiburones, los peces imitadores, las tortugas, los peces del dentista, entre otros. Aquí tenemos menos personajes (diría que solo 3) y de esos el pulpo es el más rescatable.

23436703

 

Uno podría decirse, leyendo mi crítica, que esta película es mala, y no lo es la realidad: solo es una película correcta que de haber sido un filme original y de algún estudio nuevo no resultaría malo; pero cuando se trata de uno de los mejores estudios en todo el mundo de la animación y de la secuela de una de las películas animadas mas amadas de todos los tiempos, el nivel de decepción es impresionante. No dudo que una secuela de “Buscando a Nemo” hubiera sido muy buena, a pesar de todo el tiempo que ya paso, con el mayor esfuerzo y cuidado posible en la historia (en animación, sabemos que Pixar sale ganador siempre). Aquí se nota claramente las ganas de lucrar con los recuerdos de quienes han visto “Buscando a Nemo” una y otra vez.

“Buscando a Dory” es una correcta película, pero el sabor de decepción es grande. Pixar en verdad necesita dejar de producir secuelas y concentrarse en material original, que fue lo que le dio el estatus de empresa gigante que aun sigue siendo.

Ghibli: El Castillo en el Cielo. Aventura de altura

Seguimos con nuestra aventura a través de las grandes obras de estudio Ghibli con nuestra segunda entrega de lo que merecidamente se puede considerar otro clásico del cine. Continuemos.

Antecedentes

Gracias a una co-producción entre tres empresas: Tokuma Shoten, Hakuhodo y Top Craft, es que fue posible la adaptación del manga al cine de ‘Nausicaä del Valle del Viento’. El éxito y reconocimiento fue inesperado, pero no desperdiciado por el triunvirato integrado por Hayao Miyazaki, Isao Takahata y Toshio Suzuki. Los estudios de animación Top Craft, quienes contribuyeron a Nausicaä, sufren de una bancarrota en junio de 1986. Este hecho no paso desapercibido por el grupo de amigos y deciden adquirir la empresa, que después renombran en lo que hoy en día conocemos como estudio Ghibli.

Miyazaki

En esos tiempos el riesgo era tremendo porque con un solo fracaso todo se iba al caño. Entonces, para mantener el riesgo al mínimo se decidió no contratar empleados de tiempo completo y solo temporales para una sola película. Así que cuando la producción terminaba, todo el equipo se quedaba sin empleo. Era tanta la incertidumbre, que el lugar de trabajo era un piso en renta de un edificio en un suburbio de Tokio. Tales políticas de austeridad fueron implementadas por Isao Takahata y fue gracias a su habilidad de administración lo que ayudó al estudio a mantenerse a flote.

Es en este contexto es como se dio la segunda producción ‘El Castillo en el Cielo’, que desafortunadamente en su idioma oficial tiene un nombre impronunciable y se ha preferido modificar para no alterar la paz mental de nosotros los hispanoparlantes.

La historia

Una joven llamada Sheeta es perseguida por dos bandos antagónicos. De un lado tenemos un grupo de piratas comandados por Dola, una señora de edad que mantiene en orden su equipo de hijos con estricta disciplina y obviamente con ambición de riqueza. Por el otro, Muska es un agente secreto que desea encontrar el mítico castillo que vuela en los cielos con el único fin de obtener poder para dominar el mundo.

El tan mencionado castillo en el cielo fue alguna vez una de tantas ciudades de una civilización tan avanzada, que lograba canalizar el poder de las piedras ‘volucite’ para hacer volar tan enorme estructura, crear armas y robots gigantes. Después de una catástrofe desconocida, los sobrevivientes decidieron vivir en tierra firme y lo poco que se sabe de ellos es a través de testigos que creen haber visto el castillo, leyendas y escasos escritos.

Castillo en el cielo-Dola

Después de caer literalmente de los cielos, nuestra protagonistas se encuentra el joven llamado Pazu, quien se esfuerza al máximo por proteger a la dama de todo aquel que desea hacerle daño. Juntos entablan una relación de amistad que los llevará a luchar contra quienes buscan el poder del castillo.

Tras inevitables complicaciones con el bando de Muska,  es que se descubre la ubicación de la anomalía en los cielos y es así como se emprende una carrera por llegar al castillo. Por lo tanto se vuelve imperativo que Sheeta y Pazu logren llegar primero para evitar que la tecnología avanzada caiga en las manos equivocadas y eso lo deben de lograr sin importar que tengan que realizar una alianza inesperada con uno de los bandos.

Lo que sigue los dejare para que lo descubran por ustedes mismos, solo basta decir que el castillo contiene un secreto mucho más afín a la filosofía de Miyazaki y en el cual radica el valor del filme.

Sheeta: la dama que busca el equilibrio del mundo

En esta ocasión nuestra protagonista carece de un dilema tan complejo que la torture a lo largo de la película. Como la primera mitad es una constante de escenas de persecución, existe muy poco tiempo para adentrarnos a la mente de una chica que a lo mucho lucha con una herencia que jamás pidió. Mientras comienza a archivar sus recuerdos y descubre el poder de la gema volucite, es cuando sus motivaciones se enfocan en evitar a toda costa que el poder del Castillo en el Cielo sea obtenido por gente con intenciones malignas.

pazu y sheeta

Lo que me gusta de parte de Miyasaki es que sus heroínas no andan pregonando amor al prójimo, si no que a través de los hechos es que logra transmitir un carácter noble, fuerte, pero sobre todo en armonía con su entorno. Aún cuando se encuentra la vida de Sheeta en peligro, ella busca el menor daño posible de su robot protector, o inclusive a costa de su propia vida decide detener a Muska. No existe escena de preocupación por su persona, más bien por el bienestar de los otros. Y es muy difícil lograrlo sin hacer ver a tu personaje como uno que satisfaga su ego o querer ser recordado como un héroe. Prácticamente la motivación del personaje es el de ser el instrumento que logre el equilibrio del mundo.

La presión de Ghibli por no fracasar

Aunque en resumen, la premisa suele ser demasiado parecida a Nausicaä, en contexto Castillo en el Cielo no se cubre en la seriedad de la anterior y se siente más libre de experimentar comedia, aventura y acción. Es aparente que se estaba tratando de solucionar lo que algunos considerarían un defecto de Nausicaä. Es entonces que optaron por hacer más amena su próxima película, o simplemente rellenar una trama que si la vemos detenidamente, no es tan compleja como la anterior. Pues el experimento no resultó del todo porque la audiencia fue menor, aunque no tanto para encender focos rojos en estudio Ghibli, pero para si resultar una experiencia que agregaría a una fórmula que se establecería en sus próximas producciones.

El mensaje omnipresente

No es desconocida la misión de Miyazaki por permear sus obras en un contexto que permitan la introspección a nuestros problemas ecológicos. Es una de sus características fundamentales que hacen que lo admiremos como un ser humano ejemplar. El que aquí sigue presente, aunque sea en el último acto de la película, era de esperarse. Quizás no sea tan poderoso o incisivo como en Nausicaä, sin embargo funciona para ofrece importancia a una obra que parecía buscar más emoción y menos contenido.Robot Castillo en el Cielo

Al final de la película, descubrimos robots gigantes que tiene como función cuidar el legado de lo que alguna vez fue una gran civilización. Su diseño en apariencia artificial, con el paso del tiempo se ha ido adaptando al medio ambiente hasta ser cubierto por vegetación e inclusive llega a convivir con la fauna del lugar.  Esta simbiosis parece contradictoria porque el robot es producto de una creación humana y no tanto de la naturaleza que ahora incansablemente protege. Mientras que el humano al haber evolucionado de la madre tierra, muestra una ignorancia absoluta del mundo que le rodea.

Otro tema que Miyazaki profundiza es en el de la ambición humana por el poder, sobretodo el como lo ha corrompido hasta perderse en interminables luchas que no le permiten ver que la felicidad ya esta dada. Inclusive en la sencillez de la vida que lleva Pazu nos da a mostrar que la realización del ser humano esta en su vida cotidiana que involucra el trabajo y detalles tan sencillos como el dar de comer a un grupo de palomas.

Muska y Sheeta

La lucha entre Muska y Dola por obtener la piedra de volucite de Sheeta, es una de ambición, la diferencia entre ambos es que las motivaciones de Dola y su grupo de piratas se alteran al descubrir la importancia de su misión por evitar que un gran poder caiga en las manos equivocadas. Tampoco quiere decir que cambien por completo y se vuelvan una pandilla de santos, porque no lo son, simplemente encuentran también valor en la amistad y por lo tanto existe lugar para desviarse de su ambición de oro. Por el otro bando tenemos a Muska que empeña en lograr el poder sin importar a quien tenga que usar de escalón para lograrlo, destruyendo todo a su paso hasta quedar solo y sin quien le pueda rescatar.

Aventura y acción de altura

No tuve ningún minuto de aburrimiento durante la película, a pesar de contener varias escenas en donde son prácticamente persecuciones. Sin embargo, hasta tales momentos de aparente movimiento frenético, siempre existen detalles que hacen como siempre especiales las películas de Miyazaki. En comparación del resto de las películas actuales, siempre hay algo en pantalla que llama la atención, en especial el funcionamiento de las naves aéreas o los movimientos de los robots con sus largos brazos. Es ese cuidado que tiene al crear tales seres de ingenio, lo que convierte a la película en un gozo para nuestros ojos.

El legado

La fórmula Miyazaki (aún en desarrollo en esos tiempos) funciona una vez más para darle un respiro a su naciente estudio de animación. Su estreno no fue tan exitoso como lo fue con Nausicaä que tuvo una asistencia de 915,000, comparado dos años después en 1986, Castillo en el Cielo logró atraer la mirada de  775,000 personas. De todas formas, la crítica también fue positiva tanto en Japón como en los festivales en el extranjero.

balse

Tristemente, como la mayoría de las películas de estudios Ghibli, no fue hasta la década pasada y gracias a la distribución de Disney que disfrutamos de las maravillas de su filmografía.

Cada año, desde el 2 de abril de 1988, la película es transmitida en televisión abierta en Japón y desde 2003, se ha creado un fenómeno en internet en donde los usuarios comienzan a transmitir la palabra de encantación ‘Balse’ (Japonés: バルス, Barusu), que pronuncia Sheeta durante una escena clave que nos deja con la boca abierta. Con el uso de twitter, tal actividad llegó a su clímax el 2 de agosto de 2013, con el uso de la palabra a un ritmo de 143,199 por segundo.

Pues, eso es todo por esta ocasión. Acompáñenos la próxima vez, cuando toca el turno a lo que es el relato más trágico de la historia de la animación: La tumba de las luciérnagas.

Referencias:

‘Ghibli – Its Start’ The Hayao Miyazaki Web  [documento en línea: http://www.nausicaa.net/miyazaki/ghibli/history/history1e.html; acceso: 2 de octubre de 2015].

Eisenberg, Eric. agosto 20, 2013. Hayao Miyazaki’s Castle In The Sky Helps Break The Record For Most Tweets In A Single Second [documento en línea: http://www.cinemablend.com/new/Hayao-Miyazaki-Castle-Sky-Helps-Break-Record-Most-Tweets-Single-Second-39091.html; acceso: 2 de octubre de 2015].

Especial en Cinéfilo Criticón: Studios Ghibli

A petición de un usuario de nuestra comunidad, ganador de un desafío de fotogramas, hemos decidido crear la entrada que hoy les presentamos. Si bien la idea original era enumerar la filmografía del estudio japonés de animación Ghibli de lo mejor a lo peor, hemos decidido hacer un significativo cambio: analizar película por película. Creo que es un tanto injusto el hacer un ranking de sus mejores películas pues considero que gran parte de su filmografía es cine de grandísima calidad narrativa y técnica. Todas y cada una de sus historias merecen un visionado, por ello es que decidimos retratar su legado de esta manera.

Filmografía

Les recordamos que los estudios anunciaron hace un año que cerrarían la producción de largometrajes debido principalmente a la salida del mítico Hayao Miyazaki. Si bien Ghibli no ha anunciado un cierre definitivo de sus estudios, al menos no de momento, si han dejado muy en claro que están en una etapa de reestructuración que bien podría demorar varios años. Una lástima pues estamos ante un estudio cinematográfico que ha dado más al cine de lo que ha recibido a cambio del público, mucho del cual desconoce su obra.

En próximos días iniciaremos está maravillosa aventura con la cual esperamos que ustedes, nuestra comunidad, puedan revisionar y adentrarse (en caso de no haber visto estas películas) por un mundo de fantasía que convirtió al cine de animación en un género no solo creado para niños sino para un público mucho más maduro y enamorado del séptimo arte. La primera película será Nausicaä del valle del viento, asimismo daré un breve resumen de los inicios del estudio y de los involucrados a través de todos estos años. Acompáñennos, valdrá mucho la pena.