Archivo de la etiqueta: Cine de Arte

La Forma del Agua. El Metodo Oscaril

 

Estamos a unas semanas de que se realice una nueva edición de la entrega de los premios Oscar; para ese entonces han pasado muchas cosas entre la anterior y la que viene: se vinieron algunos de los mayores éxitos en la historia, como «Vengadores: Infinity Wars», «Aquaman», «Jurassic World», en México son días de cambios en la política, las crisis económicas que suelen abundar por estas fechas, por lo que la euforia de los Oscar pasados ya habrá sido olvidada para una gran mayoría, aun y con lo latinos que fueron estos premios: desde el triunfo de la película chilena «Una Mujer Fantástica» en la categoría de película extranjera, las celebridades latinas apareciendo para anunciar premios, el triunfo de «Coco» en sus categorías respectivas y, por supuesto, los triunfos que consiguió Guillermo del Toro como Mejor Director y Mejor Película por «La Forma del Agua», película que el propio Memo se ha encargado de encumbrar al decir que se trata de su mejor película, lo mejor que ha hecho en su carrera, su carta de amor a la humanidad. En fin, todo lo que los directores dicen sobre su entrega al momento de buscar premios y nominaciones.

Pero mas allá de los aplausos que Guillermo del Toro se ha llevado en donde exhiba esta película, «La Forma del Agua» (la versión live action buena de «La Bella y la Bestia»)  se siente como un elemento muy extraño dentro de su Filmografía . Tiene todos los elementos característicos de las películas del tapatío: los grandes diseños, una buena producción, un casting fenomenal, personajes interesantes, una buena historia y jugada eterna de poner que los verdaderos monstruos en estas historias son los humanos y sus ambiciones. Tiene todos los elementos característicos de Guillermo, pero en el proceso se siente que algo falto en la película: alma.

Se que sonara medio tonto para ustedes que uno escriba que le falto alma a una película, pero a lo que voy es a esto: la película es escrita, dirigida y producida por Guillermo, pero se siente mas como si estuviera recibiendo consejos de como convencer a los expertos de la Academia de que su película es la buena (a lo mejor aconsejado por sus amigos ya ganadores del Oscar en Dirección, Alfonso Cuaron y Alejandro Gonzalez Iñarritu). Lo que debió ser, en el papel, la película mas arriesgada de la carrera de Memo, se convirtió en la mas predecible.

El principal punto en favor de la película es sin lugar a dudas la actuación de Sally Hawkins como Eliza Esposito, la bella en cuestión. Hawkins, quien tiene que estar callada el 90% de la película, solo necesita mirarnos a los ojos para podernos cautivar con su historia de la chica muda que solo a través de lenguaje de signos y, como dije, miradas puede comunicarse con la gente, aunque sean pocos los que entienden a la mujer. Una actuación digna de Oscar, que desgraciadamente no gano.

Pero no nada mas Hawkins demuestra una actuación de nivel, todos los secundarios están en gran forma, incluida una siempre efectiva Octavia Spencer, como la amiga que siempre la ayuda en todo lo que puede; un encantador Richard Jenkins, como el amigo gay de Hawkins y quien mas la comprende; y en enérgico aunque algo caricaturizado Michael Shannon, como el jefe embriagado de poder que no duda en usarlo para sus planes.

En cuanto a detalles técnicos, el diseño de la criatura es fantástico: no sera original (me recuerda bastante al Monstruo de la Laguna Negra), pero es bastante llamativo y muy bien actuado por parte de Doug Jones. La fotografía de Dan Laustsen es excelsa y la musica de Alexandre Desplat en gran nivel.

El principal problema de la película es la historia que maneja: en si, no hay nada nuevo bajo el sol: el romance prohibido, con un claro mensaje en contra de prejuicios raciales, que a cada rato salen a relucir en Estados Unidos, y si bien es loable el intento de del Toro, también es cierto que no varia mucho la manera en que avanza la historia.

También tiene claros momentos en donde no se que esta realizando con algunos personajes, especialmente con Shannon, de gran actuación pero que por momentos raya en lo ridículo, mas parecido a su General Zod en «El Hombre de Acero».

Al final, «La Forma del Agua» es una muy buena película, pero que te deja la sensación de que pudo haber sido mejor, y de que había mejores opciones de triunfo en aquellos premios (personalmente, le habría dado el Oscar a «Dunkirk»). Solo espero que este triunfo no deje mareado a nuestro fanboy favorito de monstruos y siga realizando mejores trabajos.

Ida, la ganadora a película extranjera aunque duela

Para el cinéfilo humilde que consume Harry Potter, Juegos del Hambre y Hobbits, el ver esta película sería un shock a su sistema al grado de dejarlo catatónico. De inmediato les causaría nauseas y emprendería la huida de la sala de cine para reclamar la devolución de su dinero. No porque contenga imágenes detestables, si no porque se comunica en un lenguaje extraño al cual no estamos acostumbrados.

En estos tiempos donde la tecnología nos ofrece colores en alta definición, el director Paweł Pawlikowski manda al demonio la cámara digital y nos ofrece su obra en blanco y negro, además de una relación de aspecto parecido al de una televisión. Lo que parecen caprichos (algo incómodos para la audiencia), resultan ser un homenaje al cine polaco porque al igual que la trama que se desarrolla en los años 60s, se acostumbraba filmar en monocromo y en ese aspecto.

ida y wanda

La historia gira alrededor de un momento crucial en la vida de Anna (Agata Trzebuchowska), y como días antes de tomar los hábitos de monja se le pide visitar a su tía Wanda Gruz (Agata Kulesza). Una solicitud inofensiva, si no fuese que destapa un pasado que se creía olvidado, a tal grado que modifica por completo la identidad de nuestra protagonista.

Quede fascinado en como el director Pawlikowski en sus aparente calma, enmarcaba a dos protagonistas que sin decir una sola palabra, mostraban el peso de un pasado que las atormentaba. En especial Wanda Gruz, quien es brutalmente interpretada por la actriz Agata Kulesza. Cada una de sus escenas era una demostración de carácter y fortaleza que rivalizaba con cualquiera. Su personaje está incluso por encima de la ley, y aún con todo el poder, nunca ha logrado perdonar sus errores que le han costado su felicidad. De verdad es cautivante.

Para Wanda la aparición de su sobrina es el recordatorio viviente de una etapa llena de dolor, mientras que para Anna esto resulta una inconveniencia terrible que nunca pidió. Por más cordialidad o lazos de sangre que puedan existir entre ambas, siempre termina con una reacción de rechazo porque ambas no aceptan los estilos de vida que han elegido. Es entonces que se vuelve imperativo para Wanda tratar de despertar en su sobrina a los placeres del mundo que Anna a decidido ignorar.

Es al final donde la película desafía las expectativas, porque sin intentar ser evidente, transforma por completo el personaje de Anna en un individuo capaz de reforzar su identidad. Lo que simulaba en su ejecución ser anticuado, el libreto jamás lo es.

Ida-peli

La protagonista que no es actriz profesional, se la pasa la mayor parte del filme sin demostrar a la cámara su angustia o cualquier otro sentimiento. Es el director quien acepta inteligentemente el reto de utilizar recursos visuales para comunicar el estado de animo de Anna. Admito que al no existir demasiado estimulo del que estamos acostumbrados: con actores declarando sentimientos, golpeando, llorando o frunciendo la ceja; resulta ser desconcertante y llegas a catalogar la película como lenta, pero es porque no entendemos el transfondo de lo que ocurre. Para entender uno literalmente uno debe de recurrir a videos donde me expliquen como están compuestos los planos, la complejidad del vestuario, y sí, hasta el color. No debería de ser necesario, sin embargo se comprende.

Me siento incapaz de expresar en estas breves líneas todos los motivos del porque me ha gustado ‘Ida’. Lejos de justificar sus meritos en el aspecto técnico, puede decirles que disfrute la dualidad que existe entre sus protagonistas y sobretodo el desenlace que sigo tratando de entender. Lo que se veía como la evolución natural de una protagonista, lo evade con una decisión opuesta a lo que nosotros podemos catalogar como felicidad.

Si tienen oportunidad, no duden en mirar esta obra y no sean egoístas en pensar que debe de rebajarse para ser accesible a su audiencia. A veces, también nosotros debemos poner de nuestra parte para comprender, y eso no es siempre malo, porque descubrimos otra forma de ver la vida, el arte y el cine que decimos querer.

Leviatán, y su justicia divina

Muchas veces veo los logos de los premios ganados por las películas en diversos festivales y me hacen dudar si valen la pena. Eso me paso con ‘Leviatán’ quien han escuchado reiteradamente como la favorita para llevarse el premio Oscar a Mejor Película Extranjera. Lo digo porque se ha vuelto como un aviso de que se trata de ese cine introspectivo del cual no estoy acostumbrado y muchas veces tienes que mover neuronas para entender más allá de las imágenes.

Con casi tres horas de duración, esta obra se gana su nombre de largometraje. No voy a negar que al principio no le encuentras sabor al caldo porque el tratamiento del director Andrey Zvyagintsev es muy sutil en sus formas. Nunca pretende indicarte con un láser las condiciones psicológicas de cada uno de los personajes, de eso te tienes que encargar tú como espectador y admito que puede desesperar porque piensas que esto no tiene rumbo y solo te la vas a pasar viendo bellas postales de la tundra ártica.

El detonador del drama es el corrupto alcalde Vadim (Roman Madyanov), quien ha despojado a Kolya (Alexei Serebriakov) de su propiedad a través de procedimientos judiciales viciados. Su única esperanza es su «amigo» abogado Dmitri (Vladimir Vdovichenkov), quien pretende chantajear al alcalde con revelar ciertos actos indescriptibles con tal de que abandone su objetivo.

Leviatan-film-juzgado

La maravilla de ‘Leviatán’ es como el director enmarca las relaciones entre los personajes y gran merito tiene el elenco que literalmente parece que están cargando con su propia alma. Al inicio no te das cuenta porque la primera mitad de la película esta llena de escenas de cotidianidad familiar entre Kolya, su segunda esposa Lilia (Elena Lyadova) y su hijo de la relación anterior Roma (Sergey Pokhodaev). Hasta te llegas a preguntar qué es lo que se supone que es grandioso de esto. Pero conforme pasan los minutos, descubrimos que nada es lo que parece. Debajo de esa cotidianidad existen sentimientos reprimidos que llegan a explotar y tienen terribles consecuencias.

Contrario a lo que estamos acostumbrados, esas explosiones no las vemos. El maldito director Andrey Zvyagintsev (de cariño) omite el drama, te quedas con la zozobra de lo que en realidad ocurrió en una escena clave que ocurre entre Kolya, Lilia y su «amigo». Otro director se hubiera lucido y exprimido al máximo ese momento clave, más Andrey sabe lo que tiene es sus manos y su propósito no lo descubrimos hasta al final cuando nos da de cachetadas en nuestra cara.

No conforme, la cinta vuelve a omitir un acto por parte de Lilia, que pone de cabeza la vida de Kolya, dejándonos con más dudas que respuestas. A partir de esos momentos se crean dos universos alternos en donde uno como espectador decidirá en cual creer. Y lo maravilloso es que no existe una versión correcta porque todos son culpables de sus propios pecados, solo que algunos intentan esconderlos y tarde o temprano sufrirán las consecuencias.LeviatanAmor

Pero la película no se trata de venganzas o hacerte sentir bien con un final feliz, sabe que su objetivo es Kolya y son innegables las similitudes que tiene la historia del protagonista con el relato bíblico de Job y el libreto no lo esconde, al contrario, lo utiliza para trascender en niveles insospechados. Lo que aparentaba ser un drama familiar comienza a carcomer las bases de lo espiritual, dejándonos con un final soberbio que hasta el momento no puedo olvidar.

Tristemente, los medios de comunicación le han dado valor a esta película solo porque ridiculiza la imagen de progreso del régimen de Vladímir Putin, abaratando la cinta y viéndose plenamente ignorantes ante los otros temas que ya mencione. No voy a persignarme y pensar que no es posible tanta corrupción, pero tampoco voy a pensar que es exclusivo de Rusia. Aún cuando llevamos un par de décadas en este mundo globalizado, es increíble que sigamos buscando diferencias solo para aumentar el ego de países o de personas.

De verdad espero que se den la oportunidad de apreciar esta película, aún cuando el mensaje no es del todo inspirador o que te deje viendo pájaros cantar al salir del cine. Sin tratar de vender humo les advierto que no es cine para todos y se requiere esfuerzo para apreciar lo que para mi es la mejor película que he visto para estos premios que están por venir. Y eso que ‘Ida’ no está tan lejos, pero hablaré después de esa joya. Disfruten otra visión del mundo y espero que no caigan en el estereotipo del ruso tomando vodka a cada rato (Aunque, ¡híjole! Creo que ese hígado reclamaba piedad).

Boyhood. Recordar es vivir

Les pido tener en cuenta que ‘Boyhood’ es un cine distinto al que estamos acostumbrados. No pretende hacer grandes sumas de dinero o seguir un patrón para que nosotros como audiencia salgamos satisfechos del cine. Esta es una película con una visión creativa por parte del director Richard Linklater y su elenco de actores, que reclama de nuestro tiempo para cautivarnos con la nostalgia de lo que ellos consideran algunos momentos íntimos de su vida.

Lo que Linklater nos ofrece es la experiencia transformativa del tiempo, sin los aderezos del cine como lo son el maquillaje o vestuario, que evoquen la falsedad del transcurso de los años. Literalmente logra crear una cápsula del tiempo donde comenzamos con un niño jugando en el jardín y terminamos con un joven adolescente tratando de descubrir que hacer con su vida.

Boyhood-Hair-Cut

La primera mitad de la película es maravillosa, que a pesar de no compartir la misma experiencia por la diferencias culturales que existen entre Estados Unidos y los países latinoamericanos, existen momentos con los que podemos simpatizar: como el tener un amigo, la relación entre hermanos, una mudanza o la separación de los padres. Aunque a veces llega a incomodar los detalles localistas con críticas hacia la política de Bush o la dependencia a el estilo de vida tejano; estos no son demasiados como para demeritar la película.

El elenco conformado por Ethan Hawke y en especial por Patricia Arquette, al principio aparenta no requerir de ellos demasiado esfuerzo, pero conforme pasan los minutos se vuelven los pilares que sostienen a la producción cuando el elemento clave no resulta tan interesante como hubieran querido. Así que ambas nominaciones recibidas no me sorprenden. Ambos actores nos ofrecen una interpretación sincera y sobre todo emotiva que se consagra en una escena al final con Arquette casi dejándonos en lágrimas.

Boyhood Familia

El riesgo de filmar durante 12 años consecutivos sin tener la certeza de concluir el proyecto, es algo que se ha reconocido ya sea con menciones o premios. Su principal virtud es el lograr autenticidad, lo cual también trae inconvenientes que aunque no deseados, salen a relucir en la segunda mitad de la película que da muestras de cansancio.

El haber elegido al pequeño Mason (Ellan Coltrane) como protagonista principal al inicio aparentaba ser la decisión correcta. En las primeras escenas teníamos un niño lleno de alegría que inclusive rivalizaba con la interpretación de su hermana Samantha (Lorelei Linklater), quien por cierto se vuelve una alegría en cada escena que se encuentre. Conforme pasan los minutos o en este caso los años, la actitud del niño evoluciona y al mismo vamos descubriendo que Coltrane ya no tiene esa misma pasión inicial por el proyecto. Si de por si era cada vez más difícil interesarnos por la vida de Mason, al final por más que Linklater le ofrece material, este no logra estar a las alturas de la primera mitad porque el joven no transmite y simplemente jamás es o será un actor.

Boyhood-romance

Aún con su naturaleza cronológica, ‘Boyhood’ no se olvida de hacer cine y ofrece bellas escenas en donde combinamos los paisajes tejanos con personajes hablando de su existencia, decisiones o de plano intimidades. Pareciera excesivo tanto paseo al exterior, pero es entendible porque la mayoría del tiempo es grabar en lugares confinados, además de darle oportunidad al director de evocar algo mejor que un muro en la pared.

Valoro la contribución de Linklater y creo que el experimento resultó mucho mejor de lo que hubiera pensado, tanto que algunos premios son el reconocimiento a su esfuerzo. Tampoco pienso que trasciende a tal grado de ser obra maestra, porque no logra cautivar por completo durante su largo metraje, pero esa es mi opinión y puede variar dependiendo del grado de nostalgia de cada quien.

Así que antes de tacharme de vendedor de humo, es necesario volver a recalcar que no es para todos. Es de ese mal descrito cine «aburrido» que al parecer solo algunos pueden o quieren entender, pero tampoco es un bodrio como para ignorar. Dense la oportunidad y descúbranlo por su cuenta.

FICM 2013, entre lo sorprendente y lo rídiculo

Festival_1

El festival más importante de México, según los expertos, llevó a cabo su onceava edición, un logro que hay que recalcar independientemente si te gusta dicho festival o no. Si bien había tenido la oportunidad de acudir en anteriores ediciones no fue sino hasta este año que se me presento una oportunidad de oro al poder acudir. Entre compañeros de la universidad, todos estudiantes de cine, nos pusimos la meta de organizar un viaje, ajeno a la propia escuela, y acudir al festival. La proeza se llevo a cabo y el viaje en si fue magnifico. El festival, no tanto.

Luego de un poco más de cinco horas de viaje, una distancia sensata para viajar en autobús, al llegar a la ciudad de Morelia, hermosa en todos los aspectos, nos pusimos en marcha a las diferentes sedes del festival solo para encontrarnos con la ridícula noticia de que no había funciones disponibles para ninguna película. Seguramente estén pensando lo mismo que un servidor y es que la noticia fue tan devastadora que muchos nos quisimos suicidar. Minutos después del comprensible shock psicológico en el que estábamos procedimos a relajarnos y a analizar la situación. ¿Era posible eso? No, había una equivocación. En realidad no era una equivocación sino una pésima organización. Lo explico.

Festival_2

El festival tuvo la «brillante» idea de poner a la venta los boletos de las películas más prestigiosas por línea, es decir, podías comprar boletos desde tu computadora o medio virtual sin la necesidad de pararte en el cine. Esto se logra entender en el cine comercial y semanal pero es reprochable en este tipo de eventos. La mayoría del público, entre ellos muchos estudiantes, acuden a Morelia desde diferentes partes del país, incluso los propios michoacanos, oriundos de la sede del festival, acuden al evento para poder maravillarse y disfrutar de celebridades y de muchas películas que en la vida podrán ver en una sala de cine en lo que resta del año. El festival es pues una oportunidad única para que el público mexicano pueda apreciar películas premiadas en diversos festivales del mundo ya que normalmente, quitando la capital de nuestro país, es muy improbable que lleguen a sus respectivas ciudades de residencia. La emoción y corazón del festival es compartir con miles de personas una única sensación cinéfila de verdad al todos, en igualdad de condiciones, disfrutar las películas y convivir con actores y demás celebridades. La prensa es igual de importante, pero nunca superior al espectador. Ese fue el error fatal de Morelia.

Y es que en realidad no era que no hubiera boletos para ninguna función, sino que gran parte de las localidades estaba destinada a la prensa. Por ello cuando los miles de ilusos quisimos conseguir boletos nos encontramos con la noticia de que la prensa es primero y el público no importa, o al menos no importa tanto. Como era de esperarse, luego de un casi linchamiento a los encargados de cinépolis, se liberaron boletos para que el público pudiese disfrutar la mitad de los filmes en competencia. ¿En qué consistía esa famosa «liberación? Fácil, si los asientos encargados a la prensa no eran reclamados, o en su defecto eran cancelados, estos mismos serían destinados al público. Por ello cada hora se repetían filas interminables de personas que reclamaban un boleto. Y es que si después de hacer dos o tres horas de fila llagabas a la taquilla para pedir un boleto, a la función que fuera, te encontrabas con la nefasta noticia de que tenías que esperar otra hora o regresar en otro horario para ver si de casualidad se liberaba alguna función. Y si, te volvías a formar y así seguía el show infinito.

Festival_3

Por fortuna, creo que muchos no la tuvieron, pudimos entrar a varias funciones luego de la desesperante espera bajo el sol y la lluvia michoacana. Sin embargo las películas más prestigiosas eran prácticamente imposible de ver, a tal grado que si pedías un boleto los encargados de la taquilla se reían. Pero bueno, no todo fue malo. Las conferencias de prensa y las estrellas invitadas tuvieron una agradable interacción con el público y eso se agradece. Pese a nuestra corta estadía, solo fuimos dos días, disfrutamos entre la camaradería y cine un festival que si desea convertirse en el mejor de México debe trabajar mucho más, no en traer películas premiadas, sino en facilitar al público una mejor accesibilidad a este tipo de eventos. A final de cuentas el cine es visto por millones de mexicanos entre los que más de la mitad son meros espectadores y no periodistas.

El FICM represento, en términos generales y en espera que finalice, una muy agradable experiencia para un servidor y creo que ofrece, pese a sus limitaciones y errada organización, una oportunidad única para acudir a un evento de proporciones internacionales en las cuales podrás, en su mayoría, apreciar buen cine. No por nada la cinta encargada de inaugurar el festival fue la obra maestra de Alfonso Cuarón, Gravedad. De igual manera el cine mexicano fue excelentemente representado por más de una decena de mexicanos que presentaron proyectos sumamente interesantes y que en lo que resta del año se estarán hablando de ellos. Si tienes la oportunidad, y resides en nuestro país, el festival de Morelia es un estupendo escaparate para que disfrutes con tu familia o amigos una experiencia única. No todo es tan malo, no se preocupen.

Grandes secuencias del cine: Parte 7

Y seguimos con las secuencias más representativas de la historia del cine. En esta ocasión dedicaré esta séptima parte a un director que se ha caracterizado, en su corta filmografía, de dejar en la memoria del colectivo una gama de imágenes que quedan grabadas durante mucho tiempo después del primer visionado. Para muchos es su director favorito, en mi caso particular lo considero un artista que domina a la perfección el como contar historias y que usa el guión cinematográfico como una herramienta fundamental a la hora de contar sus historias; habilidad que perfecciono al trabajar en una tienda de renta de video. No es de mis favoritos pero sin duda he visto sus películas y me han divertido endiabladamente. Acá mi lista personal de sus mejores momentos (evidentemente hay muchos más).

Perros de reserva

Reservoir Dogs Poster

Su opera prima, a gran escala pero de manera independiente, no solo sentó las bases de su filmografía sino que también presento una manera novedosa y audaz de saber contar una historia muchas veces vista. Un grupo de individuos con ningún vinculo entre ellos son contratados para realizar un gran robo de diamantes. Desafortunadamente los planes salen mal y el atraco acaba por convertirse en una masacre dejando la duda de que hay un infiltrado en el grupo y es cuestión de horas para encontrarlo y solucionar todos los problemas que les caen encima.

Tarantino, como es costumbre, tiene una pequeña participación en la película y es la que he escogido: la secuencia inicial. Una secuencia que nos deja saber todas la herramientas de este hombre para ganarse al público y dejar, de paso, un sello característico del mismo Tarantino convirtiéndolo en director de cine de autor, mote muy prestigioso y que solo algunos iluminados pueden presumir en la historia del cine. Diálogos inteligentes, humor negro, personajes icónicos, música pegajosa e irreverente, grandes secuencias. Todo eso y mucho más pueden encontrar en esta película. Solo necesitan ver estos escasos minutos para quedarse clavados en la historia. Solo Tarantino puede hablar de una canción de Madonna y hacer que te importe. Como Bonus les dejo la siguiente escena, que complementa la secuencia y que abre un interesante debate sobre la importancia de «La propina».


 

Pulp Fiction

Pulp Fiction Poster

Para muchos su obra maestra, incluyendo a la crítica especializada, para mi una película notable e increíblemente sobresaliente en todos los aspectos, principalmente en el guión. Más que nunca Tarantino nos presenta su interesante narrativa no lineal, que ya había presentado tímidamente en Perros de reserva, y que es magnificada por una estupenda edición. Una cinta que marco a toda una generación y que es referente obligatorio para todos los cinéfilos, sean o no seguidores de Tarantino.

De las historias que se nos cuentan, todas entrelazadas, sin duda la mejor, a mi consideración, es la de Jules y Vincent, dos matones que se encargan del trabajo sucio del mafioso de la ciudad. Samuel L. Jackson y John Travolta logran un dueto inolvidable que pasará a la posteridad por unos diálogos sumamente divertidos y jodidamente malaleche. Mi escena favorita, por mucho, esta.

 

Kill Bill Vol. 1-2

Kill Bill Poster

Personalmente lo considero su mejor trabajo, en especial la primera parte, aunque la segunda entrega es mucho más madura y compleja. El magno homenaje que Tarantino hace al cine de artes marciales asiático es sublime y posiblemente insuperable. Habiendo visto decenas de filmes durante su etapa como trabajador en la tiende vídeos, Tarantino rinde tributo a un cine que él ha admirado desde pequeño y que siempre tuvo deseos de llevar a la gran pantalla bajo una visión personal pero que al mismo tiempo pudiese expresar su amor y fascinación. El resultado: Kill Bill, separada en dos maravillosas películas. Si hubiese sido una sola entrega probablemente tu cerebro hubiese resultado violado.

La historia nos presenta la búsqueda de venganza de «La novia», interpretada por la bella Uma Thurman, una mujer embarazada que el día de su boda, la cual se realizaba secretamente, es asesinada por su ex-equipo de peligrosos asesinos con los cuales trabajo alguna vez bajo las ordenes de Bill (David Carradine). Para mala fortuna de ellos, «La novia» no muere y luego de varios meses en coma regresa a la vida para cobrar venganza. Ambas películas siguen a la protagonista en un recorrido sumamente sangriento y repleto de acción y aventura que la enfrentará con diversos enemigos, todos y cada uno de ellos más difíciles que el anterior hasta finalmente llegar con el gran jefe final. Les dejo dos secuencias, una de cada película, mis favoritas.


 

Death Proof

Death Proof Poster

El divertidísimo megaproyecto que tenía en mente junto a su compañero y amigo Robert Rodriguez se vio reflejado en un homenaje al cine de serie B, con el cual ambos cineastas estaban identificados. El resultado fue Grindhouse la cual fue dividida en dos películas, cada una dirigida por Rodriguez y Tarantino y que supuso un refrescante recibimiento tanto por parte de la crítica como del público. Si bien me gusta más el filme de Rodriguez, el de Tarantino es evidentemente mejor y mucho más maduro a nivel narrativo, aunque puede pecar de excesivos diálogos.

Death Proof, A prueba de muerte, sigue la aterradora historia de un doble de películas de acción, «Stuntman» Mike (Kurt Russell), quien tiene además como pasatiempo perseguir a jóvenes mujeres atractivas a bordo de su peligroso, pero genial, vehículo que literalmente esta diseñado a prueba de muerte. La película esta ambientada en dos etapas distintas y presenta a dos diferentes grupos de mujeres que harán cara al horrendo personaje. Si deseas saber el cine que Tarantino hace y por el cual es fácilmente identificado en todo el mundo, entonces debes ver esta película pues contiene todos los elementos narrativos y visuales del director, incluyendo esta secuencia jodidamente genial. ¿Querían ver sangre? Tarantino siempre la usa en toda su filmografía, pero afortunadamente nunca abusa, siempre encuentra la manera de mostrarte la violencia de una forma elegante, si es que eso puede existir.

 

Inglourious Basterds

Inglorious Basterds Poster

La película por la cual las nuevas generaciones lo amaron, y lo seguirán idolatrando, es otro homenaje al cine bélico europeo bajo la visión irreverente del propio Tarantino. ¿Qué hubiese pasado si Adolfo Hitler se hubiese enfrentado a un grupo militar de hombres que mataban nazis? «Los bastardos» son un grupo de rebeldes, judíos americanos, que ante la masacre orquestada por los nazis en toda Europa en la segunda guerra mundial deciden contraatacar y de paso hacer temblar al mismísimo Führer. Al mismo tiempo seremos testigos de la historia de venganza de la hermosa Shosanna contra el temible general Landa, responsable de haber matado a su familia.

Un elenco tremendo, donde resaltan notablemente Brad Pitt y Christoph Waltz, hacen de esta película un placer inolvidable para todos los que se digan cinéfilos de corazón. Una lección para la posteridad por parte de Tarantino para dirigir actores y un guión tan perfecto y audaz que muy probablemente represente su mejor trabajo a nivel narrativo. Repleta de secuencias fantásticas, como la secuencia inicial o la de la taberna, esta película constituyo el punto más alto de madurez de Tarantino, un nivel que trato de igualar con Django Unchained pero solo lo pudo lograr por partes. Acá les dejo dos secuencias, una disculpa por no haberlas podido encontrar con subtítulos. Si tu inglés es básico, debes entenderlas a la perfección.