Para el cinéfilo humilde que consume Harry Potter, Juegos del Hambre y Hobbits, el ver esta película sería un shock a su sistema al grado de dejarlo catatónico. De inmediato les causaría nauseas y emprendería la huida de la sala de cine para reclamar la devolución de su dinero. No porque contenga imágenes detestables, si no porque se comunica en un lenguaje extraño al cual no estamos acostumbrados.

En estos tiempos donde la tecnología nos ofrece colores en alta definición, el director Paweł Pawlikowski manda al demonio la cámara digital y nos ofrece su obra en blanco y negro, además de una relación de aspecto parecido al de una televisión. Lo que parecen caprichos (algo incómodos para la audiencia), resultan ser un homenaje al cine polaco porque al igual que la trama que se desarrolla en los años 60s, se acostumbraba filmar en monocromo y en ese aspecto.

La historia gira alrededor de un momento crucial en la vida de Anna (Agata Trzebuchowska), y como días antes de tomar los hábitos de monja se le pide visitar a su tía Wanda Gruz (Agata Kulesza). Una solicitud inofensiva, si no fuese que destapa un pasado que se creía olvidado, a tal grado que modifica por completo la identidad de nuestra protagonista.

Quede fascinado en como el director Pawlikowski en sus aparente calma, enmarcaba a dos protagonistas que sin decir una sola palabra, mostraban el peso de un pasado que las atormentaba. En especial Wanda Gruz, quien es brutalmente interpretada por la actriz Agata Kulesza. Cada una de sus escenas era una demostración de carácter y fortaleza que rivalizaba con cualquiera. Su personaje está incluso por encima de la ley, y aún con todo el poder, nunca ha logrado perdonar sus errores que le han costado su felicidad. De verdad es cautivante.

Para Wanda la aparición de su sobrina es el recordatorio viviente de una etapa llena de dolor, mientras que para Anna esto resulta una inconveniencia terrible que nunca pidió. Por más cordialidad o lazos de sangre que puedan existir entre ambas, siempre termina con una reacción de rechazo porque ambas no aceptan los estilos de vida que han elegido. Es entonces que se vuelve imperativo para Wanda tratar de despertar en su sobrina a los placeres del mundo que Anna a decidido ignorar.

Es al final donde la película desafía las expectativas, porque sin intentar ser evidente, transforma por completo el personaje de Anna en un individuo capaz de reforzar su identidad. Lo que simulaba en su ejecución ser anticuado, el libreto jamás lo es.

La protagonista que no es actriz profesional, se la pasa la mayor parte del filme sin demostrar a la cámara su angustia o cualquier otro sentimiento. Es el director quien acepta inteligentemente el reto de utilizar recursos visuales para comunicar el estado de animo de Anna. Admito que al no existir demasiado estimulo del que estamos acostumbrados: con actores declarando sentimientos, golpeando, llorando o frunciendo la ceja; resulta ser desconcertante y llegas a catalogar la película como lenta, pero es porque no entendemos el transfondo de lo que ocurre. Para entender uno literalmente uno debe de recurrir a videos donde me expliquen como están compuestos los planos, la complejidad del vestuario, y sí, hasta el color. No debería de ser necesario, sin embargo se comprende.

Me siento incapaz de expresar en estas breves líneas todos los motivos del porque me ha gustado ‘Ida’. Lejos de justificar sus meritos en el aspecto técnico, puede decirles que disfrute la dualidad que existe entre sus protagonistas y sobretodo el desenlace que sigo tratando de entender. Lo que se veía como la evolución natural de una protagonista, lo evade con una decisión opuesta a lo que nosotros podemos catalogar como felicidad.

Si tienen oportunidad, no duden en mirar esta obra y no sean egoístas en pensar que debe de rebajarse para ser accesible a su audiencia. A veces, también nosotros debemos poner de nuestra parte para comprender, y eso no es siempre malo, porque descubrimos otra forma de ver la vida, el arte y el cine que decimos querer.

Muchas veces veo los logos de los premios ganados por las películas en diversos festivales y me hacen dudar si valen la pena. Eso me paso con ‘Leviatán’ quien han escuchado reiteradamente como la favorita para llevarse el premio Oscar a Mejor Película Extranjera. Lo digo porque se ha vuelto como un aviso de que se trata de ese cine introspectivo del cual no estoy acostumbrado y muchas veces tienes que mover neuronas para entender más allá de las imágenes.

Con casi tres horas de duración, esta obra se gana su nombre de largometraje. No voy a negar que al principio no le encuentras sabor al caldo porque el tratamiento del director Andrey Zvyagintsev es muy sutil en sus formas. Nunca pretende indicarte con un láser las condiciones psicológicas de cada uno de los personajes, de eso te tienes que encargar tú como espectador y admito que puede desesperar porque piensas que esto no tiene rumbo y solo te la vas a pasar viendo bellas postales de la tundra ártica.

El detonador del drama es el corrupto alcalde Vadim (Roman Madyanov), quien ha despojado a Kolya (Alexei Serebriakov) de su propiedad a través de procedimientos judiciales viciados. Su única esperanza es su «amigo» abogado Dmitri (Vladimir Vdovichenkov), quien pretende chantajear al alcalde con revelar ciertos actos indescriptibles con tal de que abandone su objetivo.

La maravilla de ‘Leviatán’ es como el director enmarca las relaciones entre los personajes y gran merito tiene el elenco que literalmente parece que están cargando con su propia alma. Al inicio no te das cuenta porque la primera mitad de la película esta llena de escenas de cotidianidad familiar entre Kolya, su segunda esposa Lilia (Elena Lyadova) y su hijo de la relación anterior Roma (Sergey Pokhodaev). Hasta te llegas a preguntar qué es lo que se supone que es grandioso de esto. Pero conforme pasan los minutos, descubrimos que nada es lo que parece. Debajo de esa cotidianidad existen sentimientos reprimidos que llegan a explotar y tienen terribles consecuencias.

Contrario a lo que estamos acostumbrados, esas explosiones no las vemos. El maldito director Andrey Zvyagintsev (de cariño) omite el drama, te quedas con la zozobra de lo que en realidad ocurrió en una escena clave que ocurre entre Kolya, Lilia y su «amigo». Otro director se hubiera lucido y exprimido al máximo ese momento clave, más Andrey sabe lo que tiene es sus manos y su propósito no lo descubrimos hasta al final cuando nos da de cachetadas en nuestra cara.

No conforme, la cinta vuelve a omitir un acto por parte de Lilia, que pone de cabeza la vida de Kolya, dejándonos con más dudas que respuestas. A partir de esos momentos se crean dos universos alternos en donde uno como espectador decidirá en cual creer. Y lo maravilloso es que no existe una versión correcta porque todos son culpables de sus propios pecados, solo que algunos intentan esconderlos y tarde o temprano sufrirán las consecuencias.

Pero la película no se trata de venganzas o hacerte sentir bien con un final feliz, sabe que su objetivo es Kolya y son innegables las similitudes que tiene la historia del protagonista con el relato bíblico de Job y el libreto no lo esconde, al contrario, lo utiliza para trascender en niveles insospechados. Lo que aparentaba ser un drama familiar comienza a carcomer las bases de lo espiritual, dejándonos con un final soberbio que hasta el momento no puedo olvidar.

Tristemente, los medios de comunicación le han dado valor a esta película solo porque ridiculiza la imagen de progreso del régimen de Vladímir Putin, abaratando la cinta y viéndose plenamente ignorantes ante los otros temas que ya mencione. No voy a persignarme y pensar que no es posible tanta corrupción, pero tampoco voy a pensar que es exclusivo de Rusia. Aún cuando llevamos un par de décadas en este mundo globalizado, es increíble que sigamos buscando diferencias solo para aumentar el ego de países o de personas.

De verdad espero que se den la oportunidad de apreciar esta película, aún cuando el mensaje no es del todo inspirador o que te deje viendo pájaros cantar al salir del cine. Sin tratar de vender humo les advierto que no es cine para todos y se requiere esfuerzo para apreciar lo que para mi es la mejor película que he visto para estos premios que están por venir. Y eso que ‘Ida’ no está tan lejos, pero hablaré después de esa joya. Disfruten otra visión del mundo y espero que no caigan en el estereotipo del ruso tomando vodka a cada rato (Aunque, ¡híjole! Creo que ese hígado reclamaba piedad).

Les pido tener en cuenta que ‘Boyhood’ es un cine distinto al que estamos acostumbrados. No pretende hacer grandes sumas de dinero o seguir un patrón para que nosotros como audiencia salgamos satisfechos del cine. Esta es una película con una visión creativa por parte del director Richard Linklater y su elenco de actores, que reclama de nuestro tiempo para cautivarnos con la nostalgia de lo que ellos consideran algunos momentos íntimos de su vida.

Lo que Linklater nos ofrece es la experiencia transformativa del tiempo, sin los aderezos del cine como lo son el maquillaje o vestuario, que evoquen la falsedad del transcurso de los años. Literalmente logra crear una cápsula del tiempo donde comenzamos con un niño jugando en el jardín y terminamos con un joven adolescente tratando de descubrir que hacer con su vida.

La primera mitad de la película es maravillosa, que a pesar de no compartir la misma experiencia por la diferencias culturales que existen entre Estados Unidos y los países latinoamericanos, existen momentos con los que podemos simpatizar: como el tener un amigo, la relación entre hermanos, una mudanza o la separación de los padres. Aunque a veces llega a incomodar los detalles localistas con críticas hacia la política de Bush o la dependencia a el estilo de vida tejano; estos no son demasiados como para demeritar la película.

El elenco conformado por Ethan Hawke y en especial por Patricia Arquette, al principio aparenta no requerir de ellos demasiado esfuerzo, pero conforme pasan los minutos se vuelven los pilares que sostienen a la producción cuando el elemento clave no resulta tan interesante como hubieran querido. Así que ambas nominaciones recibidas no me sorprenden. Ambos actores nos ofrecen una interpretación sincera y sobre todo emotiva que se consagra en una escena al final con Arquette casi dejándonos en lágrimas.

El riesgo de filmar durante 12 años consecutivos sin tener la certeza de concluir el proyecto, es algo que se ha reconocido ya sea con menciones o premios. Su principal virtud es el lograr autenticidad, lo cual también trae inconvenientes que aunque no deseados, salen a relucir en la segunda mitad de la película que da muestras de cansancio.

El haber elegido al pequeño Mason (Ellan Coltrane) como protagonista principal al inicio aparentaba ser la decisión correcta. En las primeras escenas teníamos un niño lleno de alegría que inclusive rivalizaba con la interpretación de su hermana Samantha (Lorelei Linklater), quien por cierto se vuelve una alegría en cada escena que se encuentre. Conforme pasan los minutos o en este caso los años, la actitud del niño evoluciona y al mismo vamos descubriendo que Coltrane ya no tiene esa misma pasión inicial por el proyecto. Si de por si era cada vez más difícil interesarnos por la vida de Mason, al final por más que Linklater le ofrece material, este no logra estar a las alturas de la primera mitad porque el joven no transmite y simplemente jamás es o será un actor.

Aún con su naturaleza cronológica, ‘Boyhood’ no se olvida de hacer cine y ofrece bellas escenas en donde combinamos los paisajes tejanos con personajes hablando de su existencia, decisiones o de plano intimidades. Pareciera excesivo tanto paseo al exterior, pero es entendible porque la mayoría del tiempo es grabar en lugares confinados, además de darle oportunidad al director de evocar algo mejor que un muro en la pared.

Valoro la contribución de Linklater y creo que el experimento resultó mucho mejor de lo que hubiera pensado, tanto que algunos premios son el reconocimiento a su esfuerzo. Tampoco pienso que trasciende a tal grado de ser obra maestra, porque no logra cautivar por completo durante su largo metraje, pero esa es mi opinión y puede variar dependiendo del grado de nostalgia de cada quien.

Así que antes de tacharme de vendedor de humo, es necesario volver a recalcar que no es para todos. Es de ese mal descrito cine «aburrido» que al parecer solo algunos pueden o quieren entender, pero tampoco es un bodrio como para ignorar. Dense la oportunidad y descúbranlo por su cuenta.